原題は『Contemporary American Composers』、著者は Rupert Hughes です。
　例によって、プロジェクト・グーテンベルグさまに御礼。
　図版は省略しました。索引が無い場合、それは私が省いたか、最初から無いかのどちらかです。
　以下、本篇。（ノー・チェックです）

*** グーテンベルク・プロジェクト電子書籍「現代アメリカ人作曲家」開始 ***
転写者メモ

プリンターのエラーが修正されました。

全面イラストは本文の流れを妨げないように移動させたため、一部のページ番号が省略されています。

自筆譜とサラームボーの手書き楽譜を除くすべての楽譜イラストにはMIDIファイルが付属しています。[聴く]リンクをクリックすると音楽を聴くことができます。楽譜イラスト内の歌詞は書き起こされ、楽譜画像の下に記載されています。

現代
アメリカの作曲家

本書は、この国の音楽、その現状と将来についての研究であり、主要な存命作曲家に関する批評的評価と伝記、そして豊富な肖像画、楽譜の複製、および作品を掲載している。

ルパート・ヒューズ（修士）著
目次
　楽譜一覧
　イラスト一覧

図解入り
ロゴ

ボストン
LCページ・アンド・カンパニー
（設立）
1900年

著作権 © 1900
LC Page & Company
(INCORPORATED)

無断複写・転載を禁じます。Colonial

Press
電気タイプ印刷および印刷：CH Simonds & Co.
ボストン、アメリカ合衆国

口絵

エドワード・マクダウェル。

に
ジェームズ・ハネカー
ペン先まで音楽家
七

序文。

ある日、ロベルト・シューマンはブラームスという若者の作品に出会い、巨匠は荒野で大声で叫んだ。「見よ、音楽の新しい救世主だ！」多くの人がブラームスをこの評価で受け入れることを拒否し、私もその一人であることを告白するが、シューマンの心をどんな見知らぬ人の訴えにも開かれたままにし、恐れも恥じることもなく瞬時の熱狂へと導き、全世界が概ね彼の先導に従ったその熱狂――その精神こそが彼の真の音楽性を証明し、彼を音楽の偉大な批評家たちの中に永遠に位置づけるのだ――彼らもまた、ごく少数の集団ではあるが。

シューのような先駆者にとって8人間は多くの間違いを犯すだろうが、信念を抱かず、新たな美や真実に敏感ではなく、芸術が輝きを失い、他の世代や外国の学者によって適切に評価され、評価されたときに初めて愛情や尊敬の念を抱くような、致命的な大きな間違いだけは免れた。しかし、この怠惰な無気力よりもさらに悪いのは、同時代や土着のあらゆるものを軽蔑し、博学主義を、分析を軽蔑で置き換える人々の積極的な政策である。

世界の大半が傍観する中、アメリカ音楽という国民的課題は自ずと解決に向かっている。偶然の演奏によって時折注目が集まることはあるものの、概して言えば、アメリカ音楽の発展は、少数の地道な作曲家とその妻、そして数人の従者を除いて、誰にも愛されず、顧みられることもなかったと言えるだろう。私がアメリカ音楽界のプライバシーに踏み込む唯一の理由は、ix彼がその秘密を明かし、公表するだろうと私は心から信じている。長年にわたり、世界最高の音楽のいくつかはここ故郷で作曲されており、称賛に値するだけの光さえあればよいのだと。

自国の作曲家に関する印刷物が非常に少なく、また既存のものも極めて不完全で偏っているため、本書はほぼ全て私自身の研究に基づいて執筆しました。私はすべての著名な音楽出版社のカタログを調べ、真剣な意図を持っていると思われる作曲家を選びました。作品は真摯なものの出版社が見つからない作曲家がいると聞いたときは、その作曲家を探し出し、原稿を読みました（これは、軽犯罪の罰として岩を砕くという比較的退屈な作業に代わる、恐ろしい作業でした）。いずれの場合も、印刷物または原稿で入手できる限りの作曲家の作品を入手し、それらを精査しました。x短い歌曲からオペラやオーケストラの楽譜まで、あらゆる楽曲を、私は全身全霊を傾けて研究しました。膨大な量の米国音楽を聴き込んだ後もなお、私がその魅力に惹かれ続けているという事実は、間違いなく米国音楽の持つ素晴らしさの証と言えるでしょう。

この研究結果の一部は、ある雑誌に速報として掲載され、大きな反響を呼んだため、度重なる要望に応え、より分かりやすい形で記事を出版することに決定しました。性急に形成され、すぐに発表された多くの見解を修正する必要が生じたこと、音楽家たちの業績を改めて俯瞰的に捉えることができるようになったこと、そして私の情報を最新のものに更新する機会が得られたことから、大幅な修正、削除、追加が行われ、本書は実質的に全く新しい著作となっています。

伝記データはほぼすべての場合において作曲家自身によって提供されており、したがって信頼できる。xi生年月日以外はすべて網羅されている。批評家の意見が独断的とも言えるのは、それが丸ごと受け入れられることを期待しているからではなく、むしろ簡潔さを追求するあまりである。比較優劣や優劣の基準を設けようとする試みは一切なされていないが、著名な評論家から見てより優れた音楽家であっても、ある音楽家の方がより興味をそそられるのは避けられない。

本書を検証する者の中には、ここに掲載されているはずの名前が漏れていることに不満を抱く者もいるかもしれない。また、不均衡さを感じる者もいるだろう。そうした者への返答は、人間が関わるあらゆるものの必然的な不完全さと非対称性への哀れな言及以外にはない。

私が挙げた作曲家の数の多さに、多くの人が懐疑的な目を向けるだろう。しかし、私としては、優れた作品を一つでも生み出したアーティストは、優れた作曲家だと考えている。xii彼がその後別の詩を書いたかどうか、またその後、陳腐で色褪せた駄作の道に堕ちたかどうかは関係ない。だからグレイの名声は永遠であり、数ある凡庸な詩の中の一篇に過ぎないのだ。

さらに、私は批評における最もありふれた誤謬、つまり芸術のどの時代にも天才は一人しか存在しないという考えには賛同しません。もちろん、天才という言葉を非常に限定的に定義すれば、この意見も正当化されるでしょう。例えば、一般の人々にとって、エリザベス朝時代の文学的業績全体はシェイクスピアの名に集約されています。しかし、彼と同時代には、もちろん、学者が決して忘れたくないような傑作を残した作家が30人か40人もいました。例えば、ジョンソン、フレッチャー、フォード、マーロウ、グリーンといった12人の劇作家の作品には、最高レベルの文学的・劇的技巧が見られます。詩人の中には、シェイクスピアほど多作ではない人もいました。xiiiスペンサーをはじめ、まだ評価されていないものの、最高に美しい作品をいくつか残したラレー、シドニー、ロッジ、シャーリー、リリー、ウォットン、ウィザー、ジョン・ダン、ホール司教、ドレイトン、ドラモンド、ハーバート、カリュー、ヘリック、ブルトン、アリソン、バード、ダウランド、キャンピオンといった、ささやかな天才たち――このように、世界をより良くする作品を書かなかった人物を一人も挙げずに、話は続いていくでしょう。

偉大な芸術活動の時代はいずれも、同時代の巨匠の存在によってその才能が覆い隠されてしまうことなく、その才能が否定されることのない多くの天才によって特徴づけられる。このような芸術の公理を述べるのは、単なる無礼に過ぎないだろう。しかし、同時代の芸術家に対する批評のほとんどすべてが、その芸術を全く無視していることを明白に示している。そして、私がこれから、その才能が注目に値すると考えるアメリカの音楽家たちの長大なリストを挙げようとしているという事実がなければ、そうは言えないだろう。そのリストの長さは、多くの皮肉屋をさらに苦々しい顔色にさせるかもしれない。

xiv本書の一部は、『Godey’s Magazine』、『 Century Magazine』、『Criterion』から転載したものであり、これらの出版社の許可に感謝いたします。また、本書に掲載されている楽曲についても、著作権を貸してくださった出版社に感謝いたします。

もしこの本が、一部の人々の心にアメリカ音楽への興味や好奇心を呼び起こし、彼らが（私がこの上ない喜びをもって研究してきたように）アメリカ音楽を研究するきっかけとなるだけでも、この上質な白い紙と美しい黒インクは決して無駄にはならなかっただろう。

コンテンツ。
ページ
序文 七
概観 11
革新者たち 34
学者たち 145
植民地の人々 267
女性作曲家たち 423
外国人作曲家 442
後奏曲 447
索引 449
5

楽曲リスト。
ページ
エドワード・マクダウェルのサイン 34
エドワード・マクダウェル著『月の光』 46
エドガー・スティルマン・ケリーのサイン 58
エドガー・スティルマン・ケリー作「イスラフェル」（断片） 74
ハーヴェイ・ワーシントン・ルーミスのサイン 77
H・W・ルーミス作「サンダルフォン」（断片） 82
エセルバート・ネビンのサイン 93
「Herbstgefühl」（断片）、エセルバート・ネヴィン著 102
ジョン・フィリップ・スーザのサイン 112
ジョン・フィリップ・スーザ作曲「エル・キャピタン」の一ページ 127
ジョン・K・ペインのサイン 145
ジョン・K・ペイン著『オイディプス王』への後奏曲 158
ダドリー・バック作「春の目覚め」（断片） 1726
ホレイショ・W・パーカーのサイン 174
ホレイショ・W・パーカー作「ジュリアへの夜の小品」（断片） 180
「Die Stunde Sei Gesegnet」（断片）、フランク・ファン・デル・スタッケン著 194
WWギルクリスト作「愛の歌」（断片） 205
GWチャドウィックのサイン 210
「フォークソング」（第1番）、作曲：G・W・チャドウィック 216
アーサー・フットのサイン 221
アーサー・フット著「恋人とその恋人」 230
アーサー・ホワイティング作「牧歌」（断片） 287
ハワード・ブロックウェイ作「バラード」（断片） 303
ハリー・ロウ・シェリーのサイン 304
ゲリット・スミス作「春」（断片） 314
CB・ホーレー著『愛が消えたとき』 330
ヴィクター・ハリス作曲「オマル・ハイヤームからの歌」 339
「パンの賛歌」（断片）、フレッド・フィールド・ブラード 352
ホーマー・A・ノリス著「平和」 362
GWマーストンのサイン 367
FGグリーソン作曲の管弦楽曲からの抜粋 378
ウィリアム・H・シャーウッド作「牧歌」（断片） 385
ウィルソン・G・スミスのサイン 3957
ウィルソン・G・スミス著「アラベスク」 404
ヨハン・H・ベック作曲「サランボー」の楽譜断片 408
ジェームズ・H・ロジャースのサイン 412
ウィリアム・スカイラー作「黒い騎手たち」（断片） 416
HHAビーチ夫人作「幻影」（断片） 429
マーガレット・ルースベン・ラング著『幽霊たち』 436
9

図版一覧
ページ
エドワード・マクダウェル 口絵
エドガー・スティルマン・ケリー 57
ハーヴェイ・ワーシントン・ルーミス 77
エセルバート・ネビン 92
ジョン・フィリップ・スーザ 112
ヘンリー・シェーネフェルト 128
ジョン・ノウルズ・ペイン 145
ホレイショ・W・パーカー 174
フランク・ファン・デル・スタッケン 188
ジョージ・ホワイトフィールド・チャドウィック 210
アーサー・フット 221
ヘンリー・K・ハドリー 241
アドルフ・M・フォースター 248
シャルル・クロザット・コンバース 256
ルイス・アドルフ・コーレン 262
ヘンリー・ホールデン・ハス 291
ハリー・ロウ・シェリー 304
フレデリック・フィールド・ブラード 351
ホーマー・A・ノリス 357
フレデリック・グラント・グリーソン 367
ウィリアム・H・シャーウッド 383
AJグッドリッチ 388
ウィルソン・G・スミス 395
HHAビーチ夫人 426
マーガレット・ルースベン・ラング 432
11

現代アメリカの
作曲家たち。
第1章
概観。

アメリカの作曲家にとって、甘やかされることはもはや最優先事項ではない。彼らは依然として自身の良い傾向を奨励されることを望んでいるが（実際に得られるよりもはるかに多くの奨励を）、今や自身の悪い傾向を抑制されることで利益を得られるだけの強さを身につけている。

言い換えれば、このアメリカ人作曲家は批判を受け入れる準備ができているということだ。

彼の作品が非難される最初の、そして最も重要な欠点は、国家的な12主義。私はゼノンの詭弁にならってこれに対抗したい。第一に、なぜ我々には厳密な国民的学校という望ましいものが欠けているのかを示し、第二に、厳密な国民的学校は望ましくないことを示し、第三に、我々には確かに国民的学校が存在することを示す。

国民的個性を築く過程においても、個人的個性を築く過程と同様に、必ず何らかの先達の下での修行期間が存在する。基礎と本質を一度完全に習得すれば、修行の束縛は解き放たれ、独自の表現方法が始まる。これはあらゆる芸術の巨匠の物語である。若きラファエロはペルジーノの弟分に過ぎなかった。ベートーヴェンの最初のソナタは、「ゲヴィドメット（gewidmet）」という言葉が示す以上に、ハイドンの影響を色濃く受けていた。若きカノーヴァは古代ギリシャの傑作の発掘に心を奪われた。スティーブンソンは、スコットらの作風を模倣しようとした初期の努力を率直に告白している。13国家は単なる個人の集まりであり、同じ規則に従う。イタリアはその起源をビザンツ帝国から受け継ぎ、ドイツとフランスはイタリアから受け継ぎ、そして我々（我々）は彼らから受け継いだのだ。

アメリカが独自の芸術を生み出すなど、到底考えられないことだった。人類は多かれ少なかれ消化された外国の要素が混ざり合った巨大な混合物であり、政治的独立と同様に芸術的独立を宣言したからといって、真に自由になれるわけではない。

新しい言語や芸術を生み出すには、何世紀にもわたる多様な環境（環境という言葉のあらゆる意味において）が必要である。そして、アメリカ音楽が長きにわたり、ヨーロッパの手法を多かれ少なかれ成功裏に応用したものに過ぎなかったのは必然だった。また、美術史におけるあらゆる前例から見て、際立った個性を持つ人物が突如として現れ、独自の様式に基づいた流派を創設する可能性はほとんどなかった。14

特に、私たちは広い意味でイギリスの血統を受け継いでいるため、これはあり得ないことだった。イギリス諸島に残る人々と共に、イギリスの素晴らしい散文と詩の共同継承者として、私たちは歴史の早い段階でホーソーンやポー、エマーソンやホイットマンを生み出すことができたはずだ。しかし、イギリス音楽の遺産からは、助けよりもむしろ妨げを受けてきた。そこには一流の巨匠は存在せず、パーセルをはじめとする作曲家たちは、結局のところ、それほど偉大な才能ではなかった（あの電撃的なイギリス人、ジョン・F・ランシマン氏の許可を得て）。

さらに障害となったのは、我々の文明の父祖であるピューリタンの信条だった。彼らは頑固で、音楽に対しては疑いの目を向けていた。ここに、会衆の歌唱の明るい例と、音楽的表現への崇高なインスピレーションがある（この賛美歌は、洗礼を受けていない幼児の運命について歌っている）。15

「それは罪だ！ゆえに、
お前は至福の地に住むことなど望めない。
だが、地獄で最も楽な場所をお前に与えよう
。」

17世紀末になって初めて、音符による歌唱が「ラインアウト」という野蛮な歌唱法に取って代わり始め、次のような激しい反対を引き起こしたのである。

「第一に、それは新しい方法、未知の言語である。第二に、それは古い方法ほど旋律的ではない。第三に、曲が多すぎて誰も覚えられない。第四に、新しい方法は教会に混乱をもたらし、善良な人々を悲しませ、怒らせ、無秩序な行動をとらせる。第五に、それはカトリック的である。第六に、それは楽器を導入する。第七に、音符の名前は冒涜的である。第八に、それは不要であり、古い方法で十分である。第九に、それを覚えるのに時間がかかりすぎる。第十に、それは若者を無秩序にする。」

このような幼稚さが自由と不協和音のゆりかごを乱していた頃、バッハとヘンデルは対位法の網の中で創作活動に励み、スカルラッティ、コレッリ、タルティーニ、ポルポラは生きていた。ペーリ、ジョスカン、ウィラールト、ラッススは亡くなっていた。16そして、教会ではパレストリーナの町で最も有名な人物による最後のミサが執り行われた。モンテヴェルデはもはやエジソンのように発明をすることはなく、ルッリはフランスへ渡り亡くなり、ラモーとクープランは生きていた。

世界の芸術界がこのような時代を迎えていた頃、アメリカ人は楽器や記譜法の冒涜をめぐって論争を繰り広げていたのです！ここでわが国の音楽史を論じるのは適切ではありません。興味のある方は、ルイス・C・エルソン氏の『アメリカの国民音楽』などの資料を参照してください。私が言いたいのは、ピューリタニズムの抑圧的な手がようやく完全に緩んだということだけです。現代の作曲家の中には、音楽の道を志した当初、親から反対されたことを覚えている人もいます。その反対の根拠は、音楽を職業とすることの不名誉さ、異教的な性質でした。

私たちの音楽学校の若々しさは、簡単な状態によってさらに強調することができます。17つまり、ローウェル・メイソン、ルイ・モロー・ゴットシャルク、スティーブン・A・エメリー（理論家であると同時に優雅な文筆家でもある）、ジョージ・F・ブリストウといった数名を除けば、わずかでも重要なアメリカ人作曲家はほぼ全員存命であるということだった。

アメリカ音楽を最終的に形作った影響は、主にドイツからもたらされたものである。アメリカの作曲家のほとんどはドイツで学んだか、ドイツで訓練を受けた教師に師事しており、パリに目を向けた者はごくわずかで、イタリアに至った者はほとんどいない。海外から来た著名な教師たちも、国籍に関わらず、ドイツ音楽の教育を受けている。したがって、ドイツの影響に完全に服従せざるを得なかったため、アメリカ独自の音楽様式の発展は必然的に緩慢なものとなった。

より良い努力に対する国民のわずかな奨励によって、さらに遅延が生じている。国民は概して無関心であり、それはあらゆる大きな組織の惰性によって説明できるだろう。国家的な、建設的な、そして18協調的な批判が著しく欠如している。

オーケストラの指揮者たちは、ごく最近まで、アメリカ人作曲家の作品の発表を阻む、ほとんど乗り越えられない障害となっていた。ボストン交響楽団はこの例外的な存在であり、アメリカ人作曲家に唯一と言っていいほどの機会を与えてきた。シカゴ交響楽団は、セオドア・トーマス指揮下の8シーズンで、全925曲のうち、アメリカ人作曲家による曲はわずか18曲、つまり2%にも満たなかった。しかし、時が経つにつれ、状況は徐々に改善され、1899年には、演奏された27曲のうち3曲がアメリカ人作曲家によるものとなり、これはかなりの貢献と言えるだろう。ボストン交響楽団は、ジョン・ノウルズ・ペインの作品を18回以上、ジョージ・W・チャドウィックの作品も同回数演奏しており、E・A・マクダウェルとアーサー・フットの作品はそれぞれ4回演奏されている。1910代の頃。カルテンボーン管弦楽団は、アメリカの音楽の普及に積極的に取り組んできました。特に、卓越した才能を持つ作曲家であるフランク・ヴァン・デル・シュトゥッケン氏には、特別な敬意を表します。彼はアメリカの作品にオーケストラ編曲を施した最初の人物の一人であり、おそらくアメリカのオーケストラ作品を海外に紹介した最初の人物でしょう。彼の功績と同様に、精神的にも効果の面でも、長年にわたりアメリカのピアノ作品を演奏する唯一の著名なピアニストであった、当楽団で最も著名なピアニスト、ウィリアム・H・シャーウッド氏の貴重な貢献がありました。

公の場で歌う歌手たちは、自国の新鮮な作品よりも、味気ない外国のアリアを延々と繰り返すことを好むという点で、極めて非愛国的であった。アンコールで歌われる短い歌は、たいてい匿名で発表されたが、アメリカ人作詞家にとっての突破口となった。

しかし、この暗い地平線の向こうには、国民音楽への関心の芽生えというかすかな兆しが見られる。大規模な声楽協会は20民族的な合唱曲やカンタータの作曲が増加しており、各地で賞が授与され、作曲家は自身の作品のコンサートに出演することで経済的な支援を受けられるようになっている。多くの大都市では楽譜保存協会が組織され、これらの団体は新しい作品に触れる機会を提供している。近年、様々な出版社から、掲載されているアメリカ人作曲家の数の多さを誇示する特別カタログが出版されている。

アメリカ社会における音楽の影響力の増大を示すもう一つの、そして最も重要な兆候は、大学のカリキュラムにおける音楽の位置づけの変化に見られる。新たな教授職が設けられ、著名な作曲家が招聘されたり、あるいは名ばかりの教授職が拡大されたりしている。このようにして、音楽は古代の栄光を取り戻しつつある。ギリシャ人はあらゆる文化を「音楽」という包括的な用語でひとまとめにしただけでなく、 21「音楽」という概念そのものは、声楽と楽器演奏を教育において重要な位置づけに据えたものではない。我が国で最も著名な作曲家3人が、国内有数の大学3校で教授職を務めている。しかしながら、これらの大学ではいずれも音楽は選択科目であり、私は音楽の基礎はすべての大学のカリキュラム、そして公立学校においても必修科目となるべきだと確信している。

仮に、国民音楽への大きな関心が生まれたとしよう――我が国はルネサンスを語るにはあまりにも新しい国である――が、多くの方面で大きな失望が生じている。なぜなら、アメリカの音楽はもっとアメリカらしくないからだ。先に述べたように、他国から移住してきた民族は、古い表現様式のほとんどを保持するか、あるいは変化させながらもゆっくりと変化していく必要がある。しかし、現状の国民意識の欠如を嘆く多くの人々は、そうした差別化をあまりにも切望しているため、自分たちで生み出すことのできないものを、他から借りてくることを望んでいるのだ。22

黒人奴隷の民謡は、純粋なアメリカ音楽の基礎として最もよく挙げられる。アントニン・ドヴォルザーク博士が提唱した、やや誤解された発言によってこの考えは広く知られるようになったが、実際には彼がアメリカに来るずっと前から、アメリカの作曲家たちはこの考えについて議論し、あらゆるレベルの作品に取り入れていた。

しかし、黒人音楽をアメリカの作曲流派の基盤として広く採用することに対する決定的な反論は、それが決して国民的な表現ではないという点にある。地域的な表現ですらなく、この音楽が生まれた南部の白人奴隷たちも、北部の人々も、黒人音楽を常に異国的で奇妙なものと見なしてきた。私たちにとって馴染み深い音楽ではあるが、それでもチロルのヨーデルやハンガリーのチャールダーシュと同じくらい異質な音楽なのである。

アメリカ先住民の音楽は、しばしば不思議なほど美しく印象的で、23これらの輸入されたアフリカ音楽と同様に、適切に選ばれたものである。実際、E.A.マクダウェルは、ドヴォルザークの侵略より少し前に、絵画的で印象的なインド組曲を作曲していた。彼は、インド音楽の力強さと迫力が国民の気分により合致するため、エチオピア音楽よりもインド音楽の方が好ましいと主張している。

しかし、アメリカ音楽における国民精神の真の希望は、ある音楽方言を恣意的に採用することにあるのではなく、国民としての私たちの性格に関して、世界の国々の中で私たちに独自性を与えるような資質を発展させることにあるのは確かです。それは、世界中の要素から成り立ちながらも、統一された性質において、どの要素とも似ていないコスモポリタニズムです。したがって、私たちの音楽は、すべての国の声が精神に集約され、それらの表現すべてが同化され、個人的で、自発的な方法で用いられるべきであり、また間違いなくそうなるでしょう。これは、いかなる 24それはつまり、味気ない、学術的な折衷主義に陥るということだ。ヤンキーはあらゆる民族の集合体でありながら、それらすべてとは異なり、確固たる個性を持っている。彼の音楽も同じ運命を辿るに違いない。

私たちの政治理論が、過去の歴史におけるあらゆる実験と経験の集大成であるならば、コスモポリタンな人々の情熱を表現する音楽が、コスモポリタンな表現を用いるべきではない理由はないでしょう。最も重要なのは、各アーティストの個性です。自発的で誠実かつ独創的である限り、世界市民であることこそが最良のことなのです。全体は、個々の部分の総和よりも大きいのです。

まさにこうした個人主義的なコスモポリタニズムの路線に沿って、アメリカの音楽界は自らのアイデンティティを確立しつつある。アメリカの作曲家の中には、古典派やロマン派の主要形式において真に優れた作品を生み出し、ヨーロッパの伝統を受け継ぐ者としての資質を示した者もいる。

以前のアメリカの空白期間が不正確であるという苦情が実際に提起されるかもしれない25カン音楽は、厳密さや旧来の様式への過剰な固執に陥ってしまった。これは疑いなく、ドイツ式の手法を長年忠実に受け継いできた結果であり、少数の巨匠たちが独自の表現を追求する傾向にあることを考えれば、それほど大きな問題ではない。結局のところ、芸術の黄金時代でさえ、際立った個性を発揮した芸術家はほんの一握りであり、残りの人々は忠実な模倣者として、また熟練した技巧の達人として優れた業績を残してきたに過ぎない。したがって、現代の作曲家の中に、古典的な形式や教科書的なアイデア展開といったアカデミックな内容を捨て去ろうとする傾向が少しでも見られることは、幸いなことである。

しかし、非常に残念な点が2つある。一つは、国民的なユーモアのセンスを示す楽曲が驚くほど少ないこと、もう一つは、極めて軟弱な楽曲が驚くほど多いことである。後者の種類の楽曲の存在は、26前者の欠如によって説明されるが、軟弱さは健全な滑稽さの感覚とは両立しない。国内の作詞家の間では、小さな花の劇や鳥の悲劇に対する根強い熱狂があり、それらは精緻さを目指しているものの、その危険な目標には遠く及ばず、あからさまな愚かさに陥っている。しかし、この弱点は、いずれ必ず消え去るか、少なくとも減少し、外国の学校である程度存在しているのと同様に、目立たなくなるだろう。

しかし、スケルツォはもっと人気が出るはずだ。世界に独自のユーモアの流派をもたらした、最も陽気な民族が、その精神を音楽に持ち込まないはずがない。それなのに、ここで書かれた比較的少ないスケルツォのほとんどには、ベートーヴェンの機知を腹を抱えて笑わせるような陽気さが感じられない。それらはむしろショパン風の、単なる空想的なものだった。27この一般化に当てはまる作曲家は、エドガー・S・ケリーとハーヴ​​ェイ・ワーシントン・ルーミスという2人の重要な例外しか思い浮かばない。

アメリカの作曲家にとっての機会は膨大だが、その半分しか理解されていない。他の芸術では、教科書は過去の出来事の記録に過ぎないのに対し、音楽では教科書は芸術の福音であり十戒であるかのように扱われている。理論家たちは作曲家の正当な資源を徹底的にマッピングし、ほぼあらゆる可能性においてその進路を規定してきたため、音楽は感情や美学の自由な表現というよりも、むしろ数学的な問題になってしまっている。「正しい」音楽は、かつてのエジプト彫刻やビザンチン絵画と大差ない自由度しか持たない。ある種の不協和音は許容され、それほど不協和音ではない別の不協和音は、全く恣意的に、あるいは些細な理論に基づいて禁じられている。まるで、本に多くの28画家が許容するあらゆる色彩構成とあらゆる明度の組み合わせを示す図表。宗教団体が芸術の検閲官を務める東洋のいくつかの国の音楽は、全く恣意的な規則の遵守のために、そのマンネリから抜け出せずにいる。現代ヨーロッパ音楽の慣習の多くは、もはや科学的でも独創的でも一貫性があるわけでもなく、そのほとんどは、偉大な故人作曲家の気まぐれが、生きている作曲家の法則となるに値するという原則に基づいている。こうした音楽のブルー・ローは、絶えず密かに、そして細部にわたって攻撃されているが、全体としての攻撃はあまりにも少ない。しかし、音楽は民主主義であるべきであり、貴族制であってはならず、ましてや階層制であってはならない。

アメリカには、この最も新しい芸術分野に政治的原則を持ち込む絶好の機会がある。当時最も著名な理論家の一人であるアメリカ人学者AJグッドが、29リッチ氏は、音楽に対してそのような姿勢をとっている。彼は教条主義を最小限に抑え、個々の成功を、いかなる一般原則をも超える十分な根拠とみなしている。彼は、現代アメリカの作曲家を、成功した型破りな作品の権威と例として挙げるが、それは彼がヨーロッパ人の慣習無視を引用するのと同じ敬意をもってである。彼の先駆的な活動は、国内外で注目を集めている。

グッドリッチ氏の独創的な業績と並んで特筆すべきは、ホーマー・A・ノリスがフランスの音楽理論を浸透させようと尽力したことである。ドイツ音楽が独占している現状に対抗するものとして、彼の影響力は大いに歓迎されるべきである。

アメリカニズムが国内に蔓延している今、国家的なものへの熱烈な関心の一部は、これまであまりにも長い間、私たちの間で軽視されてきた芸術へと向けられるべきだろう。30

アメリカ音楽を真剣に受け止めるべき時が来た。自慢する日はまだ来ていない――いや、そもそもそんな日が来るのかどうかも定かではない――が、悔い改めの謙虚さを示す日は確かに過ぎ去った。

当時の時代背景を研究していたES・マーティン氏は、米西戦争の少し前に、アメリカ人の自尊心に起こった根本的な変化について次のように述べています。「私たちは19世紀前半、疑いなく持ち合わせていた美徳だけでなく、自分たちの想像の中にしか存在しない資質までも自慢することで悪名高かった。私たちは野蛮な叫び声を世界中に響かせていた。しかし、ヨーロッパ諸国がほぼ満場一致で、特に私たちの芸術的才能を非難した1世紀を経て、私たちはついにこの態度から、ほとんど卑屈とも言えるほどの謙虚さへと転換した。謙虚さを身につけた私たちは、世界屈指の芸術家がアメリカ人である現在でも、その謙虚さを失っていない。」

謙虚さは、もちろん最も美しい美徳の一つですが、行き過ぎはあり得ます。31そして危険でもある。シェイクスピアの『フロリオ』に登場するモンテーニュが言うように、「美徳を貪欲かつ乱暴な欲望で追い求めると、それが悪徳に変わってしまうことがある」。アメリカの作曲家の場合、確かに「善行において自らを過度に貶めてしまう」ことがある。もし、戦場での近年の輝かしい成功が、我々の古くからの虚栄心の再燃をもたらすとしても、少なくともそれにはそれなりの代償があるだろう。

一方、アメリカの芸術家は、自らの美徳を過信することをとうの昔にやめ、長年にわたり、アメリカ人が心に決めたことは何でも成し遂げるという格言の由来となった、あの厳粛な決意の精神で、自らの救済を真剣に追求してきた。彼は古今の巨匠たちの作品を熱心に研究し、芸術の殿堂ともいえる古の地を幾度となく巡礼し、必ずや良い影響をもたらすであろう数々のインスピレーションを故郷に持ち帰ってきた。 32アメリカ人画家は、他のどの芸術家よりもヨーロッパで高い評価を得ているが、これは彼がパリのサロンに粘り強く応募し続け、そこで認められるという普遍的な名声を得たことによるところが大きい。残念ながら、音楽家に世界の注目を集めるような場所はアメリカにはない。しかし、アメリカの音楽学生が海外のライバルたちの中で成功を収めていること、彼らが外国でますます頻繁にコンサートを開催していること、そしてヨーロッパの多くの音楽出版社がアメリカ人作曲の作品をますます多く出版していることなどから、音楽家は国内よりも速いスピードで海外での評価を得つつある。

実際、著名なドイツ人批評家は最近、アメリカ音楽学校の創設を既成事実として受け入れていると公言した。そして、私たちの芸術の源泉を探し、その実際の様子を観察する手間をかける時代の研究者は誰もいない。33活力にあふれ、アメリカの音楽の現状を、大きな誇りと未来へのより大きな希望を持って見つめることを恥じる必要はない。

34

第2章
革新者たち。

エドワード・アレクサンダー・マクダウェル。

エドワード・マクダウェルのサイン

創作芸術における序列の問題は、解決の見込みがないのと同様に重要ではない。しかし、EAマクダウェルについて書く際には、ほぼ満場一致で彼がアメリカ最高の作曲家としての地位を与えられるだろうと言うのは適切と思われるが、35数票の投票結果を見れば、彼が存命する最高の音楽作曲家であることがわかるだろう。

しかし、繰り返しますが、これは本質的な問題ではありません。重要なのは、マクダウェルが独特で印象的な個性を持ち、その深い学識を駆使して、安っぽいセンセーショナルさではなく、真に斬新な音楽を追求しているということです。例えば、彼は音のテクスチャーに関する独自の理論を持ち、コードの構成や進行も彼独自のものとなっています。

彼の作品は、各参加者が最高の個性をまとった、見事な行列である。彼の指揮能力は、この行列の統一性と進行を維持するのに十分である。彼の作品では、メロディーのどの音符も無視されることはなく、低音部のありふれた和音に不適切に乗せられたり、陳腐な三和音に安っぽく包まれたりすることもない。それぞれの音は、その無数の可能性を暗示するように作られている。どんな幾何学的点からも、無限の線を引くことができる。これは、ほとんどどんな36旋律の音符。この真理を認識し実践することによって、現代の音楽流派は、これほどまでに豊かで温かみのあるハーモニーを生み出すことができるのだ。そして、マクダウェルほどこれらの効果を真剣に研究している人物はいない。

彼は、この時代になってからコードに「刺激」を持たせるためには、甘さの中にほんの少しの酸味を加える必要があると考えている。この考えを念頭に置けば、彼の独特な手法は魅力を失うことなく、より理解しやすくなる。

ニューヨークは芸術家の誕生地というよりはむしろ聖地といった方が適切かもしれないが、マクダウェルの生誕地であることは誇れる。彼は1861年12月18日にここで最初の歌曲を即興で演奏した。彼は幼い頃からピアノの勉強を始め、教師の一人にテレサ・カレーニョ夫人がいた。マクダウェルは彼女にピアノ協奏曲第2番を献呈している。

1876年、彼はパリに行き、音楽院に入学し、そこで理論を学んだ。37サヴァールとマルモンテルのピアノを学んだ。1879年にヴィースバーデンでエーラートに師事し、その後フランクフルトに移り、カール・ヘイマンからピアノを、ヨアヒム・ラフから作曲を学んだ。ラフの影響はマクダウェルの音楽において極めて重要であり、偉大なロマン派作曲家が彼を弟子とし、最も難解な音楽的問題を解くまで何時間も部屋に閉じ込めていたと聞いている。ラフの影響により、彼は1881年にダルムシュタット音楽院の首席ピアノ教師となった。翌年、ラフは彼をリストに紹介し、リストは彼の作品に非常に熱心になり、彼に名誉あるアルゲマイナー・ドイッチャー・ムジーク・フェラインの前で最初のピアノ組曲を演奏する機会を与え、同協会は彼を温かく迎えた。その後数年間はコンサート活動で成功を収め、1884年にマクダウェルはヴィースバーデンで教職と作曲に専念するようになった。4年後、彼はボストンに移り、 38執筆、教育、そして時折コンサートを行う。その後、ニューヨークに戻り、コロンビア大学の音楽教授に就任した。プリンストン大学は彼に音楽とは関係のない学位である音楽博士号を授与した。

マクダウェルは、多くの巨匠の初期の成功を阻んだような、批評家たちの頑なな抵抗にほとんど、あるいは全く遭遇していない。彼の作品は最初から高い評価を得ており、ドイツ、ウィーン、サンクトペテルブルク、アムステルダム、パリなどで頻繁に演奏され、そのうちの1つはブレスラウで1シーズンに3回も上演された。

マクドウェルのスコットランドの血筋は、常に彼の物語を語っている。「スコッチ・スナップ」は絶えず用いられるリズムの要素であり、古来の音階とスコットランドの古来のリズムは、彼の心に深く根付いているかのようだ。マクドウェルと、同時代のグラスゴー派の画家たち、つまり孤立し、大胆でありながらも、どこか耳の肥えた一派との間に、何らかの共通点を見出すことができるかもしれない。39巣のように堅固で、しっかりとした音楽。ジェームズ・ハネカーは数年前に出版したモノグラフの中でこう述べている。「彼の音楽の色彩は時折グリーグを彷彿とさせるが、その類似点を辿ってみると、スコットランドの血筋しか見つからなかった。グリーグの祖先はグレッグスという姓で、スコットランド出身だったからだ。それはすべて、何か根源的なものを内包した北方の音楽であり、南部の重苦しくけだるい匂いや、ポーランドの陰鬱さとは全く無縁なのだ。」

マクダウェルの最も直接的な作風は、バーンズの詩に曲をつけた作品に見られる。例えば、「Deserted」（「Ye banks and braes o’ bonnie Doon」、作品9）、「Menie」、「My Jean」（作品34）などである。これらの作品は、スコットランド音楽特有の、言葉では言い表せないほど美しい旋律の風味を強く感じさせる一方、伴奏には作曲家自身の個性が垣間見える。彼の伴奏において特筆すべきは、厳密には反旋律的ではない点である。

オペラ11と12の歌曲には40ゲルマン主義を決意したが、作品40の「六つの恋歌」には、世間にもっと広く知られていないのが惜しいほど完璧な珠玉の作品が6曲も含まれており、彼は独自の境地に達した。後の作品「八つの歌」（作品47）もまた、優れた作品群である。「リンゴの木で歌うコマドリ」の軽快さと共感、そして表現の真実と不思議な調和を奏でるさりげない新しいハーモニーと斬新な効果は、他のすべての歌、特に夏の雲のように繊細な色合いの伴奏を持つ「真夏の子守唄」を特徴づけている。特に高貴なのは「海」で、深く沈む大海の轟音とうねりをすべて備えている。

彼の花歌集（作品26）は、正直言って好きではない。確かにある種の繊細さはあるものの、「クローバー」と「ブルーベル」を除けば、どれも気取っていて、もろい印象を受ける。その短さではなく、むしろその取るに足らなさが、この偉大な才能の崇拝者を悩ませるのだ。41これらの作品は、マクダウェルの初期の預言者の一人であり、このアメリカ人作曲家の認知のために最も早くから精力的に活動した人物の一人であるエミリオ・アグラモンテに捧げられている。

作品56と作品58の歌詞において、マクダウェルは歌を、人物ではなく場所や雰囲気を描写する風景印象主義という、異例の目的のために用いている。

男声合唱曲には、子守唄を題材にした巧みな作曲の楽曲がいくつかある。混声合唱と4手ピアノ伴奏による舟歌は、声部の絶え間ない分割によって豊かな色彩を帯びている。

ラフに師事したマクダウェルが、師の「森の交響曲」や「レノーア序曲」に見られるような、詩的で幻想的、そして標題音楽的な要素に強く影響を受けたのは、ごく自然なことだった。

この記述がどの程度まで当てはまるかは断言しにくい。42音楽は進化し続けることができる。作曲家それぞれの技量によって、その限界は決まる。この種の成功例として、マクダウェルの「鷲」を考えてみよう。これはテニスンの有名な詩を音楽化したものである。

彼は曲がった手で岩山を掴み、
孤独な地の太陽に近く、
青い世界に囲まれて立っている。
彼の足元には波打つ海がうねり、
彼は山の壁から見下ろし、
そして雷のように落下する。

もちろん、岩山や曲がった手、紺碧の世界は作曲家の創作によるものだが、冒頭の厳粛な旋律には、高揚感と孤独感が表現されている。はるか下の海の波立ちやうねりは、音楽の柔らかくきらめくような流動性によって見事に表現されている。そして、想像力豊かな人には鷲の心が何かに素早く集中する様子を表す、唐突だが柔らかく短い和音が2つある。43獲物は下方に潜んでいる。そして、鍵盤をフォルティッシッシモで急降下する音が突然鳴り響き、鷲の雷鳴のような急降下を驚くべき効果で表現する。

一方、「月光」は欲張りすぎているように思える。「冬」の方が出来が良い。凍える小川、水車、そして「未亡人の鳥」が登場するからだ。作品32のこれら「4つの小詩」に先立って、ゲーテの抒情詩に基づく6つの優れた「牧歌」があった。最初の森の情景は森の独特の風味があり、2番目は怠惰と眠気に満ち、3番目は月光の神秘である。4番目は、抑えられた春の恍惚感において、輝かしい詩そのものが歌うように強烈である。

「さざ波は静かに広がり、
豊かな堤防へと急ぐ。」

ハイネの詩に基づく6つの短い「詩」（作品31）は特に成功しており、特に44 スコットランドの女性が崖の上でハープを奏で、荒れ狂う海と風に負けずに歌う嘆きを描いた叙情詩。3番目は、詩人の幼少期の思い出の気まぐれさを最もうまく捉えているが、幼少期の遊びとともに信仰と愛と真実が消え去ったという嘆きの、対照的な深みと荒々しさは、ほとんど捉えられていないと思う。しかし、最後の詩では、ハイネが死を人生の蒸し暑い日の後の涼しい夜に例えたことを実現する、陽気な荘厳さが素晴らしい。

それから、四手連弾の曲が2曲収録されているが、それらは陳腐な古典や現代の駄作に固執する言い訳を一切許さない。決して難しくなく、第二奏者は伴奏の和音以外にも頭を使うことができる。内容が充実しており、耳に残るほど効果的だ。「騎士物語」は騎士道精神と武勇に満ち溢れ、「バラード」は桃のように繊細で優美だ。45花が咲く。「ヒンドゥーの乙女」には、「東洋の歌」の3つのソロを特徴づける、徹底的に東洋的な色彩と情感がたっぷりと含まれており、その中でも「月の光」は彼の最も独創的で優雅な作品の一つである。二重奏曲「チロルにて」には、素晴らしいクリスタルのカリヨンと、ワーグナーの羊飼いの楽派をかすかに思い出させる、古風な笛を吹く羊飼いが登場する。これは、ハンス・クリスチャン・アンデルセンの伝承に基づいた、連弾のための「月の絵」シリーズの一つである。ピアノと管弦楽のための2つの協奏曲は、目もくらむような技巧の偉業であり、そのうちの1つはAJグッドリッチの著書「音楽分析」で詳しく解説されている。彼はまた、「12のヴィルトゥオーゾ練習曲」という芸術的に重要な本と、ピアノ練習のための実際の体操の本を2冊書いている。

月の光。
穏やかな月と幸せな日々。
La fenêtre enfin libre est ouverte à la brise;
La sultane respecte, et la mer qui se brise,
Là-bas, d’un flot d’argent brode les noir îlots.
（ヴィクトル・ユーゴー、「Les Orientales」）

[聞く]

E.A.マクドウェル、作品37、第1番。

音楽

音楽は続いた

著作権、1889年、アーサー・P・シュミット。

しかし、マクダウェルは学界との闘いなしに自由を手に入れたわけではない。彼の作品10は22歳で出版されたピアノ組曲であり、作品14もまた同じである。どちらにもプレスト、フーガ、48スケルツィーノなど。しかし、古典的な衣装を身にまとっているにもかかわらず、手はエサウの手である。作品の一つには、「ここに入る者は一切の希望を捨てよ！」というモットーが隠されている。彼は古典主義の狭間を指していたのだろうか？

これらの作品から、「森のスケッチ」（作品51）や「海の小品」（作品55）の新しい印象主義を刺激した自由主義とはかけ離れている。これらの作品では、かすかに香る「野バラ」や「睡蓮」を正統的な音楽で表現しているが、さらに進んで、「インディアンの小屋」の粗野な威厳と禁欲的な野蛮さ、ニューイングランドの孤独な夕暮れの「荒れ果てた農場」、海の移り変わる気まぐれ、夕日や星の昇る荘厳​​さ、さらには氷山の輝くエメラルドまで、夢想によって喚起される気分を素晴らしい音色で描き出している。彼の「アンクル・レムスより」はそれほど成功していない。実際、マクダウェルは黒人音楽に共感しておらず、49もし私たちが地域的な方法に基づいて国民的な学校を設立しようとするならば、怠惰で官能的な奴隷よりも、インド人の方がはるかに適しているだろう。

彼はこの信念を行動に移し、大草原の民謡の収集と編纂に対する科学的な関心を示すだけでなく、彼の最も重要な作品の一つであるフルオーケストラのための「インディアン組曲」において、実際のインディアンのテーマを芸術的に用いている。この作品は何度も演奏され、特に深く感動的な挽歌においては、常に新鮮で深い感動を与えている。

マクダウェルが大規模な作品の作曲家として成功していることの証拠は、彼の管弦楽曲のほぼすべてがドイツとここで、総譜だけでなく連弾用の編曲版でも出版されているという事実である。それらには、「ハムレット」、「オフィーリア」（作品22）、「ランスロットとエレイン」（作品26）が含まれる。ランスロットのホルンの奇妙にまろやかで変化に富んだ使い方と、50弦楽器と木管楽器の合唱による「アストラットの百合の乙女」の悲哀に満ちた運命、「サラセン人」と「愛らしいアルダ」（作品30）は、ローランの歌からの2つの断片であり、組曲（作品42）はドイツで少なくとも8回、ここで11回演奏されている。

この最後の曲の第1楽章は「幽霊の出る森にて」と題されている。そのタイトルだけでジークフリートを連想させるし、音楽もその記憶をほんのわずかではあるが、より強く印象づける。

現代では、あらゆるものがワーグナーを連想させる――彼の先駆者たちでさえも。ラドヤード・キプリングは、その個性によって最も古い詩の形式の一つであるバラッドを著作権のように確立してしまい、あの「チェビー・チェイス」でさえ、先駆的な盗作のように見えてしまう。ワーグナーも同様だ。後世の音楽のほとんどすべて、そして初期の音楽の多くも、ワーグナー風に聞こえる。しかし、マクダウェルはこの作品でバイロイトを連想させることはごく稀である。冒頭の楽章は51曲は、森の不思議な静寂を非常によく表現した、ささやくようなシンコペーションで始まる。荒々しい場面は、楽器演奏が見事に構成されている。

第2楽章「夏の牧歌」は、特にフルート奏者に多くの機会を与えてくれる点で、実に素晴らしい。断片的なカンティレーナは、喜劇オペラの題材として申し分ないだろう。第3楽章「10月」は、奇妙なほどユーモアに欠ける現代音楽において、特に歓迎すべき作品だ。この収穫祭の歌には、魅力的な機知が随所に散りばめられている。「羊飼いの歌」は第4楽章。気取った曲でもなく、ありきたりな曲でもないが、その哀愁の単純さは、やや単純すぎるきらいがある。最後の曲「森の精霊」は、輝かしいクライマックスだ。組曲全体として、重要な作品と言える。細部に至るまで、実に魅力的な芸術性を備えている。そして何よりも、揺るぎない個性を放っている。マクダウェル的だ。

現代のピアノソナタは私にとって52マクダウェルの作品の中で、この形式の作品ほど私が好きなものは他にない。私にとって、この形式の作品はベートーヴェン以来、ショパンの作品（彼の最大の預言者であるヒューネカーの意見はさておき）をも凌駕する、はるかに優れた作品だ。ベートーヴェンが、想像の中で思い描いていた現代のピアノを実際に知っていたら、きっとこのような作品を書いただろうと思わせるような作品だ。

「悲劇ソナタ」（作品45）はト短調で始まり、情熱的でゆっくりとした序奏（作曲家手稿ではメトロノーム 四分音符-50）で始まります。第1主題は同じ手稿に記されていますが、印刷された楽譜には記されていません（2分音符-69）。そして、魅力的で哀愁を帯びた第2主題は、ややゆっくりとしたテンポです。自由幻想曲は嵐と緊張感に満ち、トリルされた導音に激しいペダルポイントが置かれています。再現部では、最初は属長調であった第2主題が、ソナタの調はト短調であるにもかかわらず、主長調になっています。アレグロはメトロノーム四分音符-138で、非常に短く、非常に激しいものです。53そこから伝わってくる悲しみは、強い魂の悲しみであり、決して嘆き節に堕落することはない。ラルゴはアイスキュロスの合唱隊の足取りのようで、アレグロは苦悩に満ち、時折現れる長調への高揚は、ベートーヴェンの「英雄の死による葬送行進曲」における、より明瞭な和声の小さな裂け目のように、陰鬱な全体像を際立たせるだけである。

最後の楽章は響き渡るポンポーソで始まりますが、その意味をマクドウェル夫人の言葉を引用する以上にうまく説明することはできません。「マクドウェル氏の考えは、いわば次のようなものでした。彼は、勝利のすぐ後に悲劇を続くことで、悲劇の暗さを強めようとしたのです。そのため、彼は最後の楽章を着実に進展する勝利とし、そのクライマックスで完全に打ち砕かれ、粉々に砕け散るように試みました。こうすることで、彼は作品全体を要約しようとしたのです。他の楽章では悲劇的な細部を表現することを目指しましたが、最後の楽章ではそれを一般化しようとしました。54最も痛ましい悲劇は、勝利の瞬間に起こる大惨事である。

第3ソナタ（作品57）はグリーグに捧げられ、古城で輝かしい戦い、愛、そして死を朗唱する古風な吟遊詩人の音楽的表現を題材としている。神秘的で野蛮な壮大さの雰囲気は、ピアノ音楽としては斬新で、色彩豊かで力強い手法によって生み出され、維持されている。ソナタ形式は詩人の意図に合わせて歪められているが、主題には古典的な親族関係の理想が込められている。この作品の戦闘力は圧倒的である。ヒューネカーはこれを「虹と雷の叙事詩」と呼び、長年にわたりマクダウェルの擁護に多大な情熱を注いできたヘンリー・T・フィンクは、この作品について次のように述べている。「これはマクダウェルらしい作品だ。彼がこれまでに書いたどの作品よりもマクダウェルらしい。これは音楽思想家の作品である。シューベルト、ショパン、グリーグに見られるような斬新な和声がありながら、独自の個性も備えている。」55

「英雄ソナタ」（作品50）には「Flos regum Arthurus」という銘文が記されている。これもト短調である。アーサー王の精神がこの作品を理想的に支配しており、独特で影響力のあるリズムを持つ獰猛で好戦的な第1主題だけでなく、古風で飾り気のない第2主題の民謡調も正当化している。展開部ではトランペットが活発に動き回る。再現部では民謡が主音短調で現れ、右手の精緻なアルペジオの下でバスが極めて型破りな形で演奏される。コーダは、他のソナタと同様に、力強いクライマックスのパッセージである。アーサーの超自然的な性質は、妖精のような雰囲気、軽妙な技巧、そして魔法のような色彩を持つ第2楽章を間違いなく示唆している。第3楽章は、テニスンのアーサー王とグィネヴィアの別れの歌に触発されたのかもしれない。悲しみが豊かに織り込まれている。終楽章は、アーサー王の死を描いているように思える。56海岸沿いの嵐、そして「荒れ果てた海のほとりの荒れ地の砂浜」での戦い。炎の瞬間は、この上なく静寂な深淵へと続き、アーサーの死と神格化は、大胆かつ芸術と必要性の完全な一致によって暗示される。

もはや妖精の踊りのきらめきや渦巻きはなく、動きや色彩における目新しさを絶え間なく探求することもない。これは「魂の閃き」である。ここにベートーヴェンの再来がある。半世紀もの間、ピアノの色彩、優しさ、情熱を求めて先駆的かつ科学的な探求が続けられてきたが、人々はピアノの力強さと悲劇的な力を軽視してきた。ベートーヴェン以降、この巨大な荘厳さの深み、広がり、高さを備えたピアノ曲はどこにあるだろうか？ショパンの官能的な嘆きはそれを許さない。シューマンの複雑な奇抜さはそれを示していない。ブラームスは情熱に欠ける。ワーグナーはピアノを軽視した。厳粛なピアノを見つけるのはヤンキーに任された。57 再び頂点を極めた！しかも、ソナタは叙事詩と同じくらい使い古された形式だとされていた時代に。しかし、このような称賛は、天才の墓前以外では嘲笑の的となるものだ。

慎重なベン・ジョンソンは、かつて酒場で共に騒いだ仲間であるウィル・シェイクスピアが亡くなった後、「傲慢なギリシャや高慢なローマ」に挑み、自らの優位性を示した。ジョンソンのような権威をもって、私は少なくとも、傲慢なロシアや高慢なドイツの同時代の音楽学校に対し、我らが同郷のエドワード・マクダウェルよりも優れた作曲家を送り出すよう挑むことに、何の躊躇もない。

エドガー・スティルマン・ケリー。

エドガー・スティルマン・ケリー。

アメリカ音楽の優れた側面が知られている場所ではどこでも彼の名前は知られているが、他の多くのアメリカ人と同じように、彼の真の芸術は彼の自筆譜からしか発見できない。これらの自筆譜の中で彼は非常に58 惜しみない熱意、学識、創意工夫、ユーモア、そして独創性。

エドガー・スティルマン・ケリーのサイン

ケリーは、血筋的には申し分のないアメリカ人だ。彼の母方の祖先は1630年に、父方の祖先は1640年にこの国に移住してきた。 実際、彼の父方の祖先の一人は松の木を模したシリング硬貨の鋳型を作り、曾祖父は独立戦争で戦った。

ケリーは1857年4月14日、ウィスコンシン州で地上でのキャリアをスタートさせた。父親は税務官で、母親は熟練した音楽家で、ケリーが8歳から17歳までピアノを教えていた。59 シカゴへ行き、クラレンス・エディに和声と対位法を、レドホフスキーにピアノを師事した。興味深いことに、ケリーは「ブラインド・トム」がメンデルスゾーンの「真夏の夜の夢」をリストに編曲した曲を演奏するのを聴き、絵画から音楽へと転向した。この天才的な天才は、絵画的な経歴の中で、このような影響を他にほとんど受けなかっただろうと私は想像する。

シカゴで2年間過ごした後、ケリーはドイツへ渡り、シュトゥットガルトでクルーガーとシュパイデルにピアノを、フィンクにオルガンを、ザイフリッツに作曲とオーケストレーションを師事した。ドイツ滞在中、ケリーは連弾のための見事な演奏会用ポロネーズと弦楽のための楽曲を作曲し、いずれも高い評価を得た。

1880年、彼はアメリカに戻り、サンフランシスコに定住した。彼は教師および批評家として、サンフランシスコの音楽界で長く、そして重要な役割を担った。ここで彼は最初の大きな作品、有名なメロドラマを書いた。60 マクベスのための音楽。地元の篤志家ジョン・パロットが公演費用を負担し、その大成功を受けて、俳優のマッキー・ランキンは劇と音楽の両方を盛り込んだ大作を制作した。この作品はサンフランシスコで3週間上演され、連日満員御礼となった。これは多くの点で特筆すべき記録である。ニューヨークでは不適切な劇場で粗末な公演が行われ、作品の知名度は低かったが、その後何度かオーケストラによって演奏され、ウィリアム・H・シャーウッドはピアノ独奏用に一部を編曲している。

『マクベス』の音楽は、その確かな価値ゆえに、流麗な解説の域に達している。それどころか、この音楽は劇の深い意味を鮮やかかつ畏敬の念をもって表現する解釈であり、想像力に乏しい聴衆でさえもその感動を味わうに違いない。

こうして魔女たちの集まりはゆっくりとした恐怖から始まる。61スピアの構想に基づいており、しばしば行われるような喜劇オペラのカンカンではない 。様々な妖精や恐怖の生き物が登場するが、音楽はそれらを適切に表現しており、殺人シーンの恐怖感を大いに高めている。全体を通して、この作品は思索家の作品である。ケリーの他の多くの音楽と同様に、特に戦闘シーンでは、メイスや剣の衝突、角笛の鳴り響き、馬の疾走、そして大規模な戦闘の騒音を想起させる、大胆かつ熟練したプログラム作曲家の作品でもある。主要動機も多用されており、効果的で非常に独創的な展開を見せており、特にバンクォーの動機が挙げられる。ゲール語の色彩も作品に面白みを加えており、特に感動的なゲール語の行進曲が印象的である。オーケストレーションは学識と大胆さの両方を示している。

ケリーが『マクベス』の疾走する馬のモチーフを探し求めた経験は、興味深い題材を示唆している。62 彼は嵐を巻き起こすような力強い馬を的確に表現するものを何も見つけられずにいたが、夢が救いの手を差し伸べ、真にインスピレーションに満ちたテーマを与えてくれた。このようにして、他にもいくつかの素晴らしいアイデアが彼の夢の中に浮かんだ。そのうちの一つが、ここに掲載されている複製版である。ある時は、オリジナルのドイツ語の詩と、それにふさわしい楽曲を夢で見たという。

ウィリアム・A・ハモンド博士は著書『睡眠とその障害』の中で、睡眠中に真に価値のあるインスピレーションが生まれる可能性を探ろうとしている。彼はタルティーニの有名な「悪魔のソナタ」やコールリッジの有名な「クブラ・カーン」について満足のいく説明を見出せなかった。彼は、少なくともその結果は、夢を見ている人が目覚めているときの能力には及ばないだろうと述べることで、なんとか逃げ道を見つけた。しかし、ケリーの「マクベス」の音楽は、彼が夢の世界から生み出すものよりも確かに優れている。

喜劇オペラを作曲した後、63 あまりにも出来が良すぎたため、本来の読者に拒否された彼は、ジャーナリズムの世界に足を踏み入れ、現代的なものから古典的なものまで幅広く評価できる、非常にリベラルな精神を示す評論や批評を執筆した。

ケリーは再び、優れた風刺作家であり、その後、芸術的なパロディで大成功を収め、富を築いたCMSマクレランの芸術的な台本「ピューリタニア」に基づいて喜劇オペラを作曲するよう説得された。この作品はボストンで100回上演され、絶賛を浴びた。音楽的には、単に丁寧なだけでなく、実に優雅で魅力的だった。音楽通たちから最高の賛辞を受け、1年余りの上演期間中にケリーの音楽家としての名声を大きく高めた。ツアー公演ではケリー自身が指揮者も務め、その後も他の場所で指揮者として活躍した。64

ケリーは、洗練されたユーモラスな音楽への情熱と卓越した技量において、アメリカの作曲家の中でも明らかに傑出した存在である。この分野において、彼ほど巧みに、そして楽しく、野心的に作曲したアメリカ人は他にいない。ユーモラスな交響曲と中国風組曲は、この分野における彼の最大規模の作品である。

この交響曲は「ガリバーの小人島旅行」の生涯を描いています。主題の展開と絡み合い、そしてオーケストレーションの華麗さにおいて交響曲としての威厳を保ちつつ、想像力豊かな遊び心、示唆に富む標題音楽、そして陽気な熱意によって、機知に富んだ魅力的な作品となっています。ガリバー自身は、たくましく威勢の良いイギリス風の主題で豊かに描写されています。彼を小人島の岸辺に打ち上げる嵐は、完璧な技巧で描かれており、あるフレーズは波のうねりを、別のフレーズは船の大きな揺れを、また別のフレーズは索具のガタガタという音と乗組員のパニックを描写し、そしてすべてが難破の場面で悪魔的なクライマックスへと高められます。65 漂流したガリバーが眠りに落ちると、音楽は彼の居眠りを実に巧みに表現する。リリパット人の登場は、この愉快な作品全体の中でもおそらく最も楽しい場面だろう。楽器編成の巧みな工夫により、彼らの小さな楽団は、抗いがたいほど滑稽な短い国歌を奏でる。彼らの小さなハンマーの音やその他の滑稽な冒険は、常に明るいユーモアで描かれる。場面はついに救助船へと移る。ここで、実に陽気なホーンパイプが、遠くから聞こえるガリバーのアリアによって中断され、救助は実に楽しく完了する。

ケリーがこれほどまでに奔放な学識と自由奔放な想像力を発揮した作品は、管弦楽のための中国組曲「アラジン」以外にはないだろう。これは間違いなく同世代で最も輝かしい音楽的偉業の一つであり、オーケストラの技巧においてはリヒャルト・シュトラウスに匹敵する。

サンフランシスコ滞在中、誰もが知っているように、そこには中国から移住してきた一角があるが、ケリーはあるセレの足元に座った。66彼は中国の不協和音奏者たちを研究し、その技を習得した。彼は我々には難解な彼らの理論の法則を解明し、この作品のために中国の音楽的アイデアを慎重に選び出し、彼らが認めるわずかな和声を、彼自身の素晴らしい背景の上に、実に奇妙で示唆に富む効果をもって用いた。その結果は、こうした異国の模倣にありがちな、単なる好奇心による成功にとどまらなかった。

この作品が最初に天才的な作品として称賛されたのは、楽譜写譜家たちの激しい抗議と、オーケストラの演奏家たちの露骨な反乱によってだった。

楽譜の最初のページには、次のような注釈があります。「弓のネジを緩めて、毛が垂れ下がるように演奏してください。そうすれば弓は弦から離れません。」この指示は明らかに、弦が弓の毛と木の間を通って裏側で演奏される中国のバイオリンの効果を確保するためのものです。しかし、自尊心のあるバイオリニストなら、67 彼の聖堂に一撃も加えずに、そのような冒涜を行うのか？

組曲の第1楽章は、実際に中国の音楽家から学んだテーマで構成されています。それは「アラジンと王女の結婚式」を表しており、オーボエがけたたましく鳴り響き、ミュートをつけたトランペットがけたたましく鳴り、ピチカートの弦楽器がひらひらと舞い、ベルリオーズが愛したマンドリンが陽気にさえずる、一種の昇華された「シヴァリー」と言えるでしょう。

第2楽章「王家の梨園のセレナーデ」は、月光と影を描いた豪華な音詩で始まり、中国のリュート（または三音）の予備調律の後、抒情的な悲鳴（2/4拍子と3/4拍子を交互に繰り返す）が響き渡り、中国語ではこれを恋の歌と訳している。その愛に満ちたグロテスクな旋律は、やがて荘厳な夜へと静かに消えていく。この実に魅惑的な楽章の一部は、ケリーが夢の中で思いついたものだった。

第3章は「飛行」に捧げられている68 「宮殿と精霊」の場面では、精霊が建物の土台を無理やり引き剥がそうと奮闘する様子が、驚くほど鮮やかに描かれている。ついに精霊はそれをゆっくりと空中に持ち上げ、堂々と飛び去っていく。

楽器編成における最も純粋な天才的発想は、ワーグナーが燃え盛る炎を表現するために鈴の音を用いたことだったと私は常々思ってきた。しかし、それに匹敵するほど素晴らしいのが、ケリーが精霊が空へと消えていく際に、その力強い翼の勢いを表現するために用いた手法である。ハープの上弦を流れるようなグリッサンド、精緻に分割されたヴァイオリンによる半音階的なパッセージ、そして最後には持続的でこの上なく優美なフルートのようなハーモニクスへと変化する。まさに恍惚とさせる。

最後の楽章「ランタンの帰還と祝祭」はソナタ形式である。神殿の門が開く様子を象徴する序奏（音楽に場所感を与えるゴング）の後、最初の主題は69 ハープとマンドリンで奏でられるこの曲は、古代中国のヨンキム（ダルシマーに似た楽器）のための旋律である。第二主題はセレナーデの主題から編曲されている。これら二つの主題によって、対位法（フーガを含む）と器楽演奏のあらゆる要素が、技巧的な大胆さや真の芸術的自由を暗示する形で表現されている。その結果、素人を驚嘆させ、学者を敬うに至らしめる技巧の祭典が繰り広げられる。

この最終楽章は、ピアノ連弾用に編曲されている。

ケリーの最も人気のある曲「桑の実を摘む淑女」もまた、中国風の旋律で書かれており、アメリカ人の熱狂だけでなく、中国人自身からも高い評価を得ました。この曲は、中国特有の音階を用い、アメリカ式のハーモニーで作曲されており、そのユーモラスで耳に残るメロディーは、ロンドンやパリにまで広まりました。

この曲は6つの歌詞からなるシリーズのうちの1つです70 「愛の段階」と題されたこの曲は、「憂鬱の解剖学」からのこの動機に基づいている。「したがって、この愛の悲喜劇において、私はいくつかの役を演じることを決意した。ある役は風刺的に、ある役は喜劇的に、ある役は混合した調子で。」これらの詩はすべてアメリカの詩人によるもので、作品6のこのグループは、私たちの音楽文学にかけがえのない追加である。このシリーズの最初の「私の静かな歌」は、輝かしく美しい作品で、恍惚とした伴奏に驚くほど優しい雰囲気がある。2番目は、エドワード・ローランド・シルの完璧な小詩「愛のフィレ」に曲をつけたものである。この歌は、芸術性と同じくらい感情と影響力に満ちている。「月の男が見たもの」は魅力的な風刺で、「愛と眠り」は陰鬱で、「庭で」は哀れである。

ケリーは、2 つの小スケッチ、ワルツとガヴォット、そして「マクベス」のゲール行進曲の 2 手と 4 手のための彼自身の編曲の他に、ピアノ曲を 3 つしか出版していない。作品 2、「花を探す人々」、71 優雅さ、温かいハーモニー、そして五月の恍惚感に満ちた素晴らしい作品。「コンフルエンティア」は、ライン川とモーゼル川の合流点を表現するために、流麗な流れの糸が博識でありながらロマンティックに絡み合っている。「首なし騎士」は、イカボッド・クレーンの狂気じみた追跡と、最後に恐ろしい首（ある者はカボチャだと言う）を投げつける場面を描いた、滑稽な奇妙さの傑作である。イカボッドが糸車を回すカトリーナ・ヴァン・タッセルを優しく回想する場面で和らげられ、スリーピー・ホロウ周辺に住むピアニストのジョセフィに捧げられている。

ケリーは、好評を博したユーモラスでメロドラマチックな作品「卵を売りに市場へ行ったおばあさん」に加えて、「音楽で語る子どものための物語」と題した一連の作品を準備している。このシリーズには、「ガリバー」「アラジン」「美女と野獣」などが含まれる予定だ。

ケリーはかつて、ある映画の音楽を作曲したことがある。72故ジョージ・パーソンズ・ラスロップが不運な実験劇、芸術文学劇場のために作曲した「縛られたプロメテウス」の音楽。ケリーが中国の理論に精通していたのと同じ徹底した研究が、ギリシャ音楽やその他の古代音楽に関する我々の知識にも役立った。彼はこれらの主題に関する講義を一連の講義で行い、この学識は小説「ベン・ハー」の上演における彼の役割において、有益かつ公に活用された。彼の音楽は、冒涜という薄氷の上を劇が渡る上で重要な役割を果たした。それは非常に敬虔で魅力的であったため、劇場の清掃婦たちはリハーサル中に実際に涙を流し、ハンセン病患者の奇跡的な治癒の場面に、嘲笑や非難から救う尊厳を与えた。

第一幕では、砂浜をゆっくりと静かに進むキャラバンの行進が示唆され、11音からなるギリシャ・エジプト音階が用いられている。シェイクのテントの中では、73 アラビア音階が用いられている。「ダフネの森」での精緻なバレエや祝祭では、ギリシャ音階、ギリシャ進行（現代の医師たちが長らく禁じてきた下降平行四度など）、三拍子の小節群（我々の慣習的な四拍子ではなく）、そしてギリシャ楽器の示唆が用いられているが、こうした伝承は、この場面から抗いがたい輝きと自発性をいかなる意味においても奪っていない。アラクネの織物が織りなす様子は、特に力強く描かれている。ギリシャの伝統は、もちろん、時折印象派的な表現に用いられただけであり、束縛として用いられたわけではない。精緻な色彩の現代的な楽器編成と、カノンから始まる確立された手法がすべて用いられている。楽曲の一部はピアノ編曲版が出版される予定である。「イラスの歌」が出版された。それは故郷への郷愁に満ちており、伴奏（公演では使用されていない）は色彩の驚異的な作品である。

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音楽

音楽は続いた

許可を得て使用しています。

天の上でよろめきながら
、最も高い正午に、
恋に落ちた月は愛で赤らむ。
そして、耳を傾ける
赤いレヴィンは、 七つの
プレアデス星団と共に、 天で一時停止する！ 天で一時停止する！

そして星の合唱隊
や他の耳を澄ますものたちは言う、イスラフェルの炎は 彼が座って歌う
竪琴によるものだと、あの珍しい 弦の 震える生きた弦のせい だと。

エドガー・S・ケリー著『イスラフェル』の断片。

ケリーには未発表の曲が2曲あり、 76ポーの詩に曲をつけた「エルドラド」と「イスラフェル」は、どちらも彼の真骨頂を示している。「エルドラド」は騎士の不屈の精神を鮮やかに描き出している。後者の詩は、ご存知の通り、「心の弦がリュートである」天使について歌っている。天使の歌声の宇宙的な魅力を讃えるラプソディの後、ポーは勇敢な反抗心をもって、暗に天使に挑戦状を叩きつける。この詩は、世界的に偉大な抒情詩人として海外で称賛された天才の最高峰の一つを示している。ケリーの音楽が、言葉の神聖な流れに全く引けを取らないと言うだけで、おそらく十分な賛辞となるだろう。リュートの着想はアルペジオの伴奏を指示し、その和声の美しさと勇気は言葉では言い表せないほどで、初めて聴いた時の理解を超えている。クライマックスの勇猛さは、中間部の奇妙で麻薬的な和声に続き、絶大な効果を発揮する。この曲は、私の熱烈な信念によれば、まさに天才の傑作であり、世界の音楽史における最も偉大な歌詞の一つである。

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ハーヴェイ・ワーシントン・ルーミス。

ハーヴェイ・ワーシントン・ルーミスのサイン

1892年、我々を助けるためにマケドニアからやって来た侵略者アントニン・ドヴォルザークの旗の下に集まった生徒たちの中には、将来有望な作曲家が何人かいるだろう。

ハーヴェイ・ワーシントン・ルーミス。

このグループにはハーヴェイ・ワーシントン・ルーミスがおり、彼はアイヒェンドルフの「春の夜」を優れた、しかしやや異例な編曲で国立音楽院のドヴォルザーク博士の作曲クラスに提出し、3年間の奨学金を得た。ルーミスは明らかにドヴォルザーク博士の信頼を得たようで、彼に課せられた課題の中には、ルービンシュタインのニ短調のような精緻なモデルに基づいて作曲するピアノ協奏曲が含まれていた。78 ルーミスが最初に描いたスケッチには、複雑なパターンを超えた精緻な表現が示されていたが、ドヴォルザークはそれでも彼に続けるよう助言した。和声教師の教え方を知る者にとって、これは非常に大きな意味を持つだろう。

ルーミス（1865年2月5日、ブルックリン生まれ、現在はニューヨーク在住）は、ドヴォルザーク博士のクラスに入るまで、和声とピアノの勉強を断続的に続けていた。彼の音楽的嗜好は、家庭の芸術的な雰囲気に大きく影響を受けていた。

ルーミスは500曲以上の作品を作曲したが、出版されたのはごくわずかで、その中で最も重要なのは、1896年に出版された子供向けのカンタティージャ「フェアリー・ヒル」（幸運にも彼にかなりの自由度と個性を発揮する機会が与えられた依頼作品だった）、「サンダルフォン」、そしていくつかの歌曲とピアノ曲である。

彼の芸術の分野で特に評価されているのは79 興味深いのは、音楽を劇的表現の雰囲気作りに用いる点である。このタイプの作品としては、ニューヨークの演劇芸術アカデミーが大喝采を浴びて上演した数々のパントマイムや、いくつかの音楽的背景などが挙げられる。1896年4月27日には、彼の作品のコンサートが多くの著名なアーティストによって開催された。

これらの音楽的背景は、劇的な朗読の伴奏として演奏されます。適切に演出すれば、その効果は実に印象的です。フェヴァルの詩「梨の木の歌」は、典型的な演出例です。この詩は、友人のジャンの身代わりとして戦場へ赴く、孤児の若いフランス人男性の物語です。勇敢さによって階級を上げていった彼は、恋人のペリーヌがジャンと結婚するために教会に入るまさにその時、故郷に戻ります。ペリーヌは彼の唯一の夢であり、絶望した彼は再び入隊し、最も危険な場所に配属されることを懇願します。彼が倒れた時、彼の胸には80 ペリーヌが最初に誓いを立てた梨の木から枯れた枝。このシンプルな旋律の上に、音楽はドラマを紡ぎ出す。庭のきらめきとざわめきで始まる冒頭から、くじ引きを厳粛に行うグレゴリオ聖歌、そして若者が自分の幸運に喜び始める瞬間（突然のグリッサンド）で中断される場面、友人の代わりに戦場へ赴くという彼の固い決意、そして数々の戦いを経て死に至るまで、すべては感情への共感を呼び起こし、芸術への限りない賞賛を促す高次元の音楽で展開される。繊細に変化に富んだ軍歌のタペストリーには、ラ・マルセイエーズの短いヒントが織り込まれており、恋人が重い足取りで家に帰ると、彼の喜び、ペリーヌの不貞を突然知ったこと、そして圧倒的な悲しみはすべて、3つのけたたましい花嫁の鐘の長いオルガンの旋律の上に構築される。 作品全体を通して、ライトモチーフのアイデアが示唆に富んだ明快な形で用いられている。81

ロングフェローの「サンダルフォン」の背景音楽は、実に精緻なタペストリーのように美しく、詩人に彼のブルジョワ的な詩には見られないほどの華やかさを与えている。音楽は実に多様な感情の局面を描き出し、それぞれの局面で独創的かつ崇高なまでに生き生きと表現されているため、私はこれをアメリカ音楽の傑作の一つとして高く評価する。

それに劣らず大規模なのが、アデレード・アン・プロクターの「忠実な魂の物語」のための音楽で、ルーミスはそれを「音楽的象徴主義」と呼んでいる。ウィリアム・シャープの「王子の到来」のための音楽（ピアノ、ヴァイオリン、声楽のための）は、想像しうる限り最も繊細なものである。「ワトーの絵」は、ヴェルレーヌの詩を様々に扱ったもので、一つは気まぐれなピアノのカプリスの冒頭に、一つは絵画的なワルツの中で朗読され、最後の一つはマンドリンの効果を伴奏に用いた歌となっている。

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音楽は続いた

著作権、1896年、エドガー・S・ワーナー。

いかにして彼は 、天上の都の最外門で、
光の梯子に足を乗せて、まっすぐに立っているのか
。その梯子は、数えきれない天使たちで満ち溢れ、
ヤコブが
夜、砂漠で一人眠っていた時に見たものだった。
風と炎の天使たち
はただ一つの賛歌を歌い、
歌の抗いがたい緊張感とともに息絶える。
恍惚と驚きの中で息絶える。まるで、 表現しようと脈打つ音楽によって
ハープの弦が引き裂かれるように。 しかし、恍惚とした群衆の中で静かに、 歌の奔流にも動じず、 情熱のない、ゆっくりとした目で、 死んだ天使たちの間に、不死の サンダルフォンは息を呑んで、 下から昇ってくる音に耳を傾けている…。

H・W・ルーミスの「サンダルフォン」の断片。

パントマイムはシリアスなものから陽気なものまで多岐にわたり、この難解な形式の台本のほとんどはエドウィン・スターの巧みな手によるものである。 84ベルナップ。「裏切り者のマンドリン」「古きニューアムステルダムで」「試練」「白と黒」「魔法の噴水」「彼女の復讐」「愛と魔術」がタイトルだ。音楽はウィットに富んでおり、ルーミスは並外れた才能を持っている。音楽は、メイドの忙しい羽根ぼうきから盗み聞きまで、あらゆるものを模倣している。ワインを注ぐこと、グラスを鳴らすこと、椅子を動かすこと、手紙を破ること、パントマイムで陽気にワインを歌うことなど、すべてが想像しうる限り最も滑稽で生々しいプログラム音楽で示唆されている。

ルーミスはまた、『アテネの乙女』と『泥棒の花嫁』という2つの風刺オペラも執筆しており、後者の台本は、著名なユーモア作家である弟のチャールズ・バテル・ルーミスが手掛けた。後者には、時代遅れの考え方に対する巧みなパロディが含まれている。

ヴァイオリン・ソナタでは、ピアノはヴァイオリンに優先権を与えつつも、ほぼ二重奏の威厳に近づいている。フィナーレ85 魅力的で華麗な作品であり、壮大なクライマックスへと展開していく。作品全体として実に素晴らしく、もっと演奏されるべきである。さらに、未完成のソナタのための「叙情的なフィナーレ」と、ヴァイオリン、声楽、ピアノのための歌曲がいくつか含まれている。

連弾のための組曲「夏の野原」には、「6月のラウンドレイ」、「ドライアドの森」、そして特にユーモラスな「ジャンケッティング」など、才能の素晴らしさが存分に発揮された作品がいくつか含まれており、後者は間違いなく名曲となる運命にある。ルーミスは自身のパントマイムから抜粋し、それを2台のピアノのために新たに編曲して「エキゾチックス」と名付けた。これらは多様性に富み、斬新さに満ちており、時に驚くべき不協和音を奏で、時に啓示的な美しさを湛えている。ソナタ形式を自由に構築した、いわゆる「ノーランド叙事詩」は、ルーミスの最も輝かしく個性的な業績の一つ​​である。

ルーミスは文章を書くことに特別な才能を持っている86 芸術的なバレエ音楽、そして特にスペインをはじめとする様々な国の音楽様式を取り入れた作曲で知られる。彼のパントマイムには、抗いがたい魅力を持つダンスが数多く含まれており、その中には4/4拍子と3/4拍子を交互に繰り返す中国舞踊も含まれている。彼の軽快な「ハーレクイン」は出版されている。

キャッチーさに芸術性を加える才能は素晴らしいものだ。ルーミスはこの才能を並外れたレベルで持ち合わせているようで、彼のパントマイムのダンスや、6つの作品からなる「バレエ衣装で」シリーズを見ればそれがよくわかる。これらの作品はすべて、シュトラウスを思わせるような即興性とともに、最高の芸術性に満ち溢れている。「アマゾン」、「ピルエット」、「アン・パ・スール」、「ラ・コリフェ」、「オダリスク」、「マジャール」などが挙げられる。彼の最も大きな作品の一つは、2台のピアノのためのコンサート・ワルツ「ミ・カレーム」で、精緻で長大な序奏とコーダが特徴である。

一連のジャンル絵画には、「イタリアの祭りで」のような至福の喜びがあり、音楽も数多くあります。87 例えば、「N’Importe Quoi」、「From a Conservatory Program」、「A Tropical Night」、魅惑的な「Valsette」、無名のワルツ、そして、遅ればせながら出版する出版社にとって金箔付きの投機となるであろう「Another Scandal」など、人を惹きつける魅力的な瞬間が随所に散りばめられている。興奮したゴシップの、たまらなく楽しい恐怖が満ち溢れている。ルーミスがいかに音楽に深く傾倒し、音楽を通して思考しているかを示す好例として、本書に収録されている大胆なスケルツォ「The Town Crier」が挙げられる。

ルーミスは歌曲の分野で最も多くの作品を残している。彼はシェイクスピアの詩22篇に、古き良きイギリス風の音楽をつけており、例えば陽気な「Let me the cannikin clink」や、優美な「Tell me where is fancy brede」などが挙げられる。

「ひばり」はペンタトニックスケールで書かれており、2本のフルートとハープによる伴奏が付けられています。

同じ流れで、ヘリックのさまざまな歌がある。ヘリックは、通常は詩が88現代の音楽家にとって親しみやすい作品と言えるだろう。ルーミスの「処女への墓碑銘」は成功作とみなされるべきである。実際、そのクライマックスでは荘厳さを湛え、鐘の音の厳粛な響きが織り込まれている。同じスタイルで、ベン・ジョンソンの数々の楽曲「セリアへ」も巧みに作曲されている。

ドイツ風の作風で、フランツ・ハイネの作品を模写した実に素晴らしい「秋の夜」と「真夜中に」がある。ハイネの「森の楽長」は、実に滑稽なユーモレスク劇に仕立て上げられている。

「ベルジュリー」はノーマン・ゲイルの歌詞による12曲の楽曲集です。「アンダルシア」は華やかなデュエット曲です。

スコットランド民謡には実に豊かな表現力があり、ルーミスの想像力はこの流派で特に豊かに育まれ、自由を与えられた。私はこれらの作品に、シューマンの数多くのスコットランド民謡や他のドイツ民謡よりもはるかに多くの芸術性と優雅さを見出す。「ああ、二十歳のために」はバグパイプの音色を奏でる。「私の89 「Wife’s a Winsome Wee Thing」と「Bonnie Wee Thing」は、その魅力においてまさに圧倒的だ。さらに、抗いがたいほど魅力的な「Polly Stewart」があり、「My Peggy’s Heart」は実に甘美な曲だ。これらの曲や、「There Was a Bonnie Lass」など、他にもいくつかあるが、これらをアルバムにすれば、あらゆる世代の人々を魅了するだろう。

彼の歌のいくつかは出版されている。それらの中には、特に世に出る資格のない「ジョン・アンダーソン、マイ・ジョー」、芸術的な趣のあるバラード「モリー」、美しい「シルヴァン・スランバーズ」、そして風変わりで魅力的な「ダッチ・ガーデン」などがある。

素晴らしいふわふわとした伴奏が特徴的な「Thistledown」のような曲や、ルーミスが見事な熱狂ぶりを見せたブラウニングの有名な「春の年」の舞台設定、ジョン・ヴァンス・チェイニーの曲群を除けば、ルーミスは作詞家アルドリッチの作品から最も力強いインスピレーションを得ている。90例えば、「結婚」の豊かなカリヨンや、彼のユーモラスな歌の中でも最高傑作の一つである「規律」などが挙げられる。「規律」は死んだ修道士たちを題材にしたグロテスクなスケルツォで、音楽は歌詞の陰鬱な不敬さを最大限の滑稽さで表現している。

チェイニーの歌詞の中でも特に秀逸なのが、3曲の「春の歌」である。ルーミスはこれらの歌で春の息吹を実に生き生きと捉えており、一度耳にすれば、活字で残されていない世界は物足りなく感じられるほどだ。ルーミスの文学的教養は、彼の楽曲に歌詞を選ぶ確かなセンスにも表れている。彼は創作文学にも優れた才能を持ち、特に建築など、彼自身の芸術と関連のある分野についても深い理解を示していた。

ショパンと同様、ルーミスはピアノの尽きることのないパレットに豊かな新しい色彩を混ぜ合わせることに主に取り組んでいる。ショパンと同様、彼は特にオーケストラに呼ばれているわけではない。この分野での彼の将来はどうなるか（クラシック音楽の名声に不可欠なものではないが、91 （一部の学者は）断言することは不可能だと考えている。一方、彼は現在、より大きな作品の制作にほとんどの時間を費やしている。

常に新しいものを追い求める彼の飽くなき探求心によって、彼があまりにも独創的になりすぎたり、型破りになりすぎたりするならば、それはもはや美徳の域に達しかねないほど異例なことである。しかし、彼の奇抜さは単なるセンセーションを煽るものではない。それは彼の個性そのものだ。彼はシューマンと同じように、こうした批判に対してこう答えることができるだろう。「彼は奇妙なリズムで考え、奇妙な効果を追い求める。なぜなら、彼の趣味はもはや変えようのないほどに定められているからだ」と。

しかし、私たちは、ささいな許しでは到底及ばない名声を得た巨匠たちに示すのと同じ寛容さを、新たな天才の欠点にも示すべきだ。そして、総じて言えば、私はルーミスが新しい音楽のインスピレーションに満ちた創造者たちの中で非常に高い地位を占めることを予言せざるを得ない。彼のハーモニーは、たゆまず探求され、輝かしいまでに磨き上げられ、音楽の色彩スケールを拡大する力を持っている。92 ピアノ。長年の放置と沈黙を経て、記念碑的な作品群と独特の個性を忍耐強く築き上げた彼の功績は、いつか必ず、今や自らを顧みない祖国にとって、永遠の誇りの源となるだろう。しかし、彼の忍耐、勇気、誠実さ、そして天才の不十分な定義――無限の努力を惜しまない能力――よりも優れているのは、彼の霊感に満ちた至福である。彼の天才こそ、至福の本質なのだ。

エセルバート・ネビン。
経済的に成功を収めながらも、学識ある厳格な音楽家からの尊敬を失わず、自身の芸術的良心や個性を犠牲にすることなく、その業績を記録できるのは、実に喜ばしいことである。エセルバート・ネヴィンはまさにそのような作曲家だ。

エセルバート・ネビン。

彼の出版された著作は、93 より細やかな構成の線に沿って、彼はダイヤモンドを扱う熱心な職人として羨望の的となる地位を築き上げた。彼の宝石はどれも模造品ではなく、完璧さ、堅牢さ、そして輝きを備えており、世界の音楽家たちの最も豪華な宝石で飾られた、ミューズ自身の額にふさわしい王冠にふさわしいと言えるだろう。

エセルバート・ネビンのサイン

ネビンは1862年、ピッツバーグから数マイル離れたオハイオ川のほとりにあるヴァインエーカーで生まれた。彼はそこで人生最初の16年間を過ごし、すべての教育を受けた。94 そのほとんどは、ピッツバーグの新聞社の編集者兼オーナーであり、多くの雑誌に寄稿していた父、ロバート・P・ネビンから受け継いだものだった。興味深いことに、彼は選挙運動用の歌もいくつか作曲しており、その中にはジェームズ・K・ポークの立候補当時に使われた人気曲「Our Nominee」も含まれている。アレゲーニー山脈を越えて運ばれた最初のグランドピアノは、ネビンの母親のために運ばれたものだった。

ネヴィンは幼い頃から音楽の才能に恵まれ、4歳になると、よくゆりかごから抱き上げられて、感嘆する訪問客のために演奏していた。足が小さかったため、ペダルにクッションを積み重ねて、遠くから操作できるようにしていた。

ネヴィンの父親は息子に声楽と楽器の指導を与え、さらに2年間、フォン・ベーメの下でドレスデンに留学し、音楽を学ばせた。その後、彼は2年間ピアノを学んだ。95 ボストンではBJ・ラングの指導を受け、作曲はスティーブン・A・エメリーの指導を受けた。エメリーの和声に関する小冊子は、アメリカ音楽にとって、ウェブスターの綴り字辞典が文字にとってそうであったのとほぼ同じくらい重要なものだった。

2年後、彼はピッツバーグに行き、そこでレッスンを行い、ベルリンに行くのに十分な資金を貯めた。ベルリンでは1884年、1885年、1886年を過ごし、カール・クリントワースに師事した。ネヴィンはクリントワースについてこう語っている。「私の音楽人生で得られたものはすべてクリントワース先生のおかげです。先生は献身的な教師で、忍耐強く、生徒を音楽的に成長させるだけでなく、あらゆる面で魂を豊かにすることに尽力されました。そのため、ゲーテ、シラー、シェイクスピアといった偉大な文学者の影響を受け、その素晴らしさを理解できるように教えようとされました。先生は、1日に何時間も練習すれば音楽家になれるわけではないとよくおっしゃっていました。96 ピアノだけでなく、建築、絵画、さらには政治など、あらゆる芸術や人生におけるあらゆる関心事からの影響を吸収することによって。」

音楽学生にとって滅多にない、このような幅広い訓練の効果は、ネヴィンの作品に非常に顕著に表れている。彼の作品は決して狭量で地方的なものではない。それは、活動において情熱的であるだけでなく、表現においても洗練され、教養を培った魂のほとばしりである。この効果は、ネヴィンが曲をつけるために選んだ詩にも見られる。それらはほぼ例外なく、文学的に完成度が高く、価値ある詩である。彼の国際性もまた特筆すべきもので、フランス語、ドイツ語、イタリア語で書かれた彼の歌には、ヤンキー訛りの痕跡は一切なく、それぞれの民族性に忠実である。

1885年、ハンス・フォン・ビューローは友人のクリントワースの優秀な弟子4人を美術教室に編入し、自ら指導した。ネヴィンはその栄誉ある4人のうちの1人で、他に類を見ない公開講演会「Zuhören of」に出演した。97 その年は、ブラームス、リスト、ラフの作品のみを演奏する年だった。これらのリサイタルには40人から50人の熱心な聴衆が集まり、その中にはコジマ・ワーグナー夫人、ヴァイオリニストのヨアヒム、その他多くの著名人が頻繁に顔を揃えていた。

ネビンは1887年にアメリカに戻り、ボストンに居を構え、そこで教鞭を執ったり、時折コンサートで演奏したりした。

1892年、彼はパリに渡り、そこで教鞭を執り、ここよりも多くの生徒を獲得した。彼は特に歌手に歌の適切なアウファスング （把握、解釈、仕上げ）を教えることに喜びを感じ、多くのアメリカ人やフランス人アーティストをオペラ舞台へと導いた。1893年、この落ち着きのない吟遊詩人はベルリンに移り、作曲に熱中しすぎて健康を害し、1年間アルジェに追放された。1895年の初めの数ヶ月間、彼はこの国を巡るコンサートツアーで過ごした。クリントワースが彼について述べたように、「彼は98 「涙を誘うようなタッチを持っている」と評される彼の真骨頂は、技巧的な華やかさよりも解釈にある。彼は、優雅さと情熱という独特の組み合わせを巧みに操り、独自の楽曲を生み出している。

作曲のための静寂と雰囲気を求めて、彼はフィレンツェに居を構え、そこで組曲「トスカーナの五月」（作品21）を作曲した。この作品の「アルレッキーノ」は活気に満ちており、特にアルレッキーノを独自のキャラクターとしたシューマンの影響が見られる。しかし、「ノットゥルノ」にはショパン特有の夜想的な雰囲気はなく、「ボッカッチョの別荘」のささやき声と月明かりに照らされた恋の情景が描かれている。組曲には、アルノ川沿いの真夜中の葬列を描いた「ミゼリコルディア」が含まれており、その嗄れた挽歌と豊かなカンティレーナは、ショパンの葬送行進曲を模範としている。組曲の中で最も優れた曲は、間違いなく「ルシニョーロ」で、非常にフルートの音色が美しい鳥の歌である。99

フィレンツェからヴェネツィアへ移ったネヴィンは、大運河沿いの古い家に滞在した。そこはブラウニング邸の向かい側で、ワーグナーが「トリスタンとイゾルデ」を書いた家の近くだった。ある日、彼の部下であるグイドが休暇を取り、ヴェネツィアにイタリア人の恋人を連れてきた。彼女は夢の都から数マイルのところに住んでいたが、ヴェネツィアを訪れたことはなかった。ロマンスが至る所に潜む水路をゴンドラで巡りながら過ごした二人の一日は、ネヴィンの組曲「ヴェネツィアでの一日」の中で想像力豊かに語られている。この本は、彼の他の作品よりもさらに美しく出版されており、かつてイタリアの作品に付きまとっていた活字やデザインの醜悪な雑草をいち早く払拭した作品群の一つである。

ヴェネツィア組曲は、3度と6度の素朴で甘美なハーモニーと率直な叙情性によって、独特のイタリア色を帯びており、「ヴェネツィアの一日」は、夜明けとともに始まります。100 ピンクがかった繊細なハーモニーで始まる「ゴンドラの船頭たち」は、朝の陽気な雰囲気を醸し出し、魅力的な楽曲となっている。「愛の歌」は深い情熱に満ちており、「愛してる！」や「アモーレ」（ベートーヴェンのソナタ作品81の「Lebe wohl」に匹敵するほどの力強さがある）といった掛け声が挿入される。組曲はヴェネツィアの夜の情景で美しく締めくくられ、合唱による「アヴェ・マリア」で始まり、この上なく繊細なカンパネラで終わる。

ヴェネツィアで1年間過ごした後、ネヴィンはパリに1年間滞在し、その後アメリカに戻り、以来ずっとアメリカに住み続けている。

彼はオーケストレーションにも多少手を出しているものの、ショパンを彷彿とさせるほどのひたむきさで、歌曲やピアノ曲にその才能を賢明に注いできた。彼のピアノ作品は、いわゆる小品と呼ばれるものだ。ソナタや、ガヴォットを1、2曲程度しか作曲しておらず、古典的な形式に近いものは書いていない。彼は非常に101 彼のハーモニーは現代的で、好んで使うのは温かみのある音色であり、それらは常に異名同音的に融合されている。彼は「音の海を泳ぐ」ように、特に2度音程が激しく衝突し、力強く解決へと導くサスペンションや転回形を好む。優雅さと叙情性を持ちながらも、彼は不協和音を力強く、そして絶えず用いる。彼の歌曲「秋の情景」では、不協和音は慣習に果敢に挑戦している。

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音楽

著作権、1889年、G. Schirmer, Jr.

…ローズ・ロー
セット・レーベンサット。
シック、ダス・レッツテ・ロスト、
ブライヒ・ブルーメンブラット。
Goldenes entfärben、
Schleicht sich durch den Hain、
Auch vergeh’n und sterben、
Däucht mir süss zu sein。 …枯れ果て、
束縛を解かれた薔薇は、
命を吐き出し、
地面に倒れ、死んでいく。
黄金色の光が
木々の間を斜めに舞い、
そのような解放と死は、
私には甘美に思える。

『ハーブスゲフュール』からの抜粋。

ネヴィンの歌曲は、長さこそ短いものの、際立った個性をもって扱われており、基本的には シューマンとフランツの歌曲に基づいている。つまり、歌われる詩句に触発された高い詩的感情で書かれており、歌詞として正当化するのに十分な旋律を持ちながらも、その基盤となる言葉にふさわしい情熱的なレチタティーヴォに近い。ネヴィンはまた、熱烈な103シューベルト以降、これらの巨匠たちが伴奏の問題に関して取った立場を熱烈に支持する。もはや、声部をキーに合わせるために時折数和音を従順に叩きつけるだけの、間奏曲でしか真の表現が見られないようなものではなく、それ自体に意味と一体的な価値を持つ自由な器楽曲であり、声部を単に支えたり奉仕したりするだけでなく、真に伴奏するものなのだ。実際、ネヴィンの最高の歌曲の一つである「Lehn deine Wang an meine Wang」は、実際にはピアノソロの伴奏に過ぎない。彼の伴奏は常に色彩豊かで、一般的に強いコントラメロディーによって個性化されており、特にオクターブで下降する半音階が頻繁に登場する。構成は古典的ではないものの、常に存在し、明確である。

ネヴィンが最初に発表した作品は、18歳の時に書いた、シンコペーションを巧みに取り入れた控えめな「セレナーデ」だった。104 彼の「スケッチブック」は、13曲の歌とピアノ曲を収録したもので、発売直後から驚異的な売れ行きを見せ、それまで存在していた先住民の楽曲集に対する販売禁止措置を撤廃するに至った。

「スケッチブック」の内容は、並外れた多様性を示している。冒頭は明るいガヴォットで、古典主義の精神に忠実でありながら、ある種の懐かしさを感じさせる。2曲目の歌曲「五月の素晴らしき月」は、激しい伴奏に春の情熱と熱狂がみなぎり、熱烈な反復が、シューマンやフランツの作品を含めても、ハイネのこの詩に曲をつけた作品の中で、私の意見では最高傑作となっている。「恋の歌」はピアノ独奏曲だが、実際には二人の恋人の二重唱である。ヘンゼルトの完璧な「愛の歌」よりも優れていると思うのは、おそらく、男性の物悲しい嘆願に答える女性の声の魅惑的な甘美さが、この曲に二重の魅力を与えているからだろう。105 心。しかし、「Du bist wie eine Blume」の作曲は、ハイネの詩にも、ネヴィンの芸術にも、ほとんど正当な評価を与えていない。「セレナーデ」は独創的な作品だが、伴奏に声部が加わり、本来あるべき二重唱となった「Oh, that We Two were Maying!」という歌は、これ以上の賛辞はない。それは、この歌が、我々の言語で最も稀有な歌詞の一つを、音楽的に完全に、最終的に成就させたものだということである。この歌の鋭い白さの嘆きとは対照的なのが、ロバート・ルイス・スティーブンソンの「子供の歌」群の作曲である。ネヴィンの子供の歌は、独特で魅力的な位置を占めている。彼は、これらの歌を書くにあたり、自身の豊かな芸術性も豊かな人間性も惜しみなく注ぎ込んでいる。収録曲にはスティーブンソンの作品が4曲含まれており、中でも心を捉える「冬には夜中に目が覚める」が秀逸だ。また、ユージン・フィールドの「リトル・ボーイ・ブルー」の編曲版では、トランペットの旋律が繊細な哀愁を込めて用いられている。106

ネヴィンの3番目の作品には、牧歌的な性質を持つ3つの絶妙な歌曲が含まれており、ゲーテの陽気な「ある春の朝」は大ヒットした。作品5には5つの歌曲が含まれており、その中でも恍惚とした「4月」が最も人気を博した。おそらく最も売れなかったのは「秋の気分」だろう。長年経っても、この歌曲に対する私の忠誠心は揺るがない。世界音楽の中で最も高貴な歌曲の1つとして。冷静に言って、私にとってはシューベルト、シューマン、フランツの最も偉大な歌曲と同じくらい素晴らしい。「秋の気分」（または「秋の気分」）では、ゲロクの素晴らしい詩が葉の枯れと年の衰えを嘆き、同情を込めて叫んでいる。

「そんな解放感と死は、
私にとって甘美なものに思えるだろう！」

これほど短い歌に、より深い情熱と激しい絶望を詰め込むことは不可能であり、この短い悲劇全体は壮大な107始まりとクライマックスはまさに壮大だ。まさに天才の閃きと言えるだろう。

作品6は3つのピアノ連弾曲で構成され、その他にも魅力的な作品、歌曲、ピアノ曲、ヴァイオリン独奏曲などが、一見軽々と思える筆致の裏に膨大な研究の成果が隠されたネヴィンの手から次々と生み出された。そして幸運の作品13、つまり「水の情景」という作品集の作品番号が、ネヴィンに最大の人気をもたらした。その最大の功績は、時事的な歌曲に劣らず多くの人に歌われ、口笛で吹かれた「ナルキッソス」にある。

他の「水の情景」には、きらめくような「トンボ」、主音に2つの音程を持つペダルポイントを持つモノディ「オフィーリア」、そして色彩豊かな技巧をふんだんに盛り込んだ流麗な「舟歌」がある。

彼の著書『アルカディアにて』（1892年）には牧歌的な情景が描かれており、特に「彼らはまるで年を取らないかのように踊った」という伝説にふさわしい、人を惹きつける陽気な場面がある。翌年、彼の作品20作目となる『歌集』が出版された。108 出版された作品集には、とりわけ優れた作品が収められている。中でも特筆すべきは、「眠れ、小さなチューリップ」という子守唄で、下中音と属音の2つの音に驚くほど芸術的かつ効果的なペダルポイントが用いられ、歌詞と子守唄の精神に忠実に、曲全体を通して維持されている。また、「夜想曲」では、ネヴィンはアルドリッチ氏の短い叙情詩の中に、思いもよらない官能性を明らかにし、抗いがたいクライマックスを持つ歌曲を書き上げた。2つの歌曲、「Dîtes-Moi」と「In der Nacht」は、それぞれ詩の言語の慣用表現に完全に忠実であり、先に述べたネヴィンの国際性を典型的に表している。この並外れた才能は、彼の歌曲だけでなくピアノ曲にも見られる。彼はシャンソンとリートの違いを理解しており、『Rechte Zeit』ではドイツ兵の精神を真摯に描き、『Le Vase Brisé』ではフランス的なニュアンスに共感を示し、効果的な歌曲『Mon Desire』は、サン＝サーンスの馴染み深い作品を彷彿とさせる。109 デリラの歌、印象的な「洗濯女の歌」、そしてネヴァンの最も凝った作品の一つである「ラペル・トワ」では、アルフレッド・ド・ミュッセの詩が、多くの不協和音を伴って見事に歌われている。また、マンドリン伴奏の「セレナーデ」も非常にイタリア的で、1899年に出版された組曲「囚われの記憶」の中で最も魅力的な曲である。

ネヴィンはまた、多くの英語の歌に曲をつけており、特に、深く誠実な「At Twilight」、力強い軽快な「In a Bower」、ブルディロンの美しい歌詞「Before the Daybreak」、難解なスタンザを滑らかで陳腐でない方法で扱った「’Twas April」、まだ魅力が失われていない人気の歌「One Spring Morning」、そしてヴァイオリンとチェロのためのオブリガート付きの2曲、「Deep in the Rose’s Glowing Heart」と、精緻に研究された伴奏とテオクリトスの香りが漂う「Doris」などが挙げられる。110

ピアノ組曲「アン・パッサン」は1899年に出版され、荘厳な古い舞曲「フォンテーヌブローにて」から、効果的なグリッサンドを伴う激しいタランテラ「ナポリ」まで、幅広い楽曲が収録されている。「夢の国にて」は、前奏曲ではなく主題的な奇妙な反復を伴う、この上なく心地よい夢想曲である。組曲の最後を飾るのは、最も詩的な情景を描いた「アット・ホーム」で、リチャード・ホベイによるワシントンの6月の夜の情景描写を音詩に仕立てている。南部の月明かりの癒しを描写したこの曲は、遠くで眠たげな黒人四重奏の間奏曲を伴い、合唱する修道士の間奏曲を持つショパンの夜想曲（作品37、第1番）を心地よく想起させるが、その精神と表現方法はネヴィン独自のものである。

目録に記載されている作品に加えて、ネヴィンは英語の名手ヴァンス・トンプソンの台本によるピアノとオーケストラのためのパントマイムを作曲しました。それは「レディ・フロリアーヌの夢」と呼ばれ、111 1898年のニューヨーク。ネヴィンはカンタータも制作中である。

ネヴィンの音楽を深く知る必要はなくとも、それが対位法を目的とした崇拝に基づいているわけではないことは明らかだ。彼は、真の音楽は感情、それも知的な感情から生まれるものであり、感情に訴えかけることができなければ、その力は失われてしまうと信じている。彼はこう述べている。「何よりもまず、私たちには旋律が必要だ。旋律とリズムだ。リズムこそが偉大なものだ。自然界にはリズムがある。木々は揺れ、私たちの足取りはリズムを刻み、私たちの魂そのものがそれに呼応する。」ネヴィンは、ワーグナーの「ニュルンベルクのマイスタージンガー」を「行動を伴う交響詩」と呼び、そこに自身の音楽的信条と模範を見出した。

さて、この率直に言って熱烈な賞賛に権威が必要だとすれば、それはカール・クリントワースの言葉に見いだされ、また彼の言葉に呼応するだろう。彼はネヴィンについてこう言った。「彼の才能は驚異的だ（ドイツ語で最も強い形容詞の一つ）。もし彼が一生懸命働き、良心的であれば、112彼なら音楽界について、他の誰にも言えないことを言えるだろう。

ジョン・フィリップ・スーザ。

ジョン・フィリップ・スーザのサイン

真面目な音楽を愛していると偽るほとんどの人と同じように、ある人物は長い間、行進曲を芸術の最低の形式とみなすという哀れなスノビズムに陥っていた。しかしある日、彼は州兵連隊に入隊し、最初の長距離行進は113 グラント記念碑の除幕式の日、風と砂塵の中を約15マイルにわたって行われた、胸が張り裂けそうなほど悲痛なパレード。楽団が演奏した音楽のほとんどは、クレメンティのソナチネのように役に立つものではなく、主にビューグルのリズムによる単なる装飾に過ぎなかった。しかし、時折、彼の足を奮い立たせ、骨に髄を注入し、心の陰鬱な頑固さを進歩への大きな熱意、力強い闘志、そして激しい団結心、真の愛国心で置き換える魔法の霊薬のような旋律が現れることがあった。ほとんどの場合、その行進曲はジョン・フィリップ・スーザのものであった。

ジョン・フィリップ・スーザ。

その時、この哀れな男は、作曲家にとって情熱的な愛の歌や漠然とした瞑想、葬列の深い絶望を表現することが立派な野望であるならば、勇気を奮い立たせ、人々を喜んで、誇り高く、輝かしく送り出すようなインスピレーションを与えることもまた非常に偉大なことだと悟った。114 苦難を経て、戦い、そして死へと至る。この最後の点において、行進曲は重要な役割を果たしてきた。そして、フーガやロンドなどと同様に、構造的な論理や装飾を施すことができる。スーザの行進曲は、こうした建築的な特質を高度に備えており、楽譜を調べたり、分析的に聴いたりすれば、誰でもそのことに気づくだろう。さらに、独特の個性を持ち、そして何よりも、一つの流派を確立したという偉業を成し遂げている。

スーザの行進曲が一つの流派を確立し、彼が行進曲に革命をもたらしたと言うのは紛れもない事実である。彼の経歴は多くの点でヨハン・シュトラウスの経歴と似ている。シュトラウスの熱狂的なワルツは、難解なブラームスからも熱烈な称賛を受け、ワーグナーからは「シュトラウスのワルツは、躍動感、繊細さ、そして真の音楽的価値において、機械的で退屈なワルツのほとんどを凌駕する」といった言葉を引き出しているにもかかわらず、一部の古風な作曲家は常にシュトラウスのワルツを嘲笑してきた。115「現代の工場で大量生産された製品」という言葉は、スーザの行進曲にも同様に当てはまるだろう。スーザの行進曲はダンス音楽としても用いられ、彼の音楽によって流行したツー・ステップは、ワルツをほとんど廃れさせてしまった。

おそらく、スーザほど人気のある作曲家は世界にいないでしょう。「ワシントン・ポスト」行進曲は35ドルで売却されましたが、「リバティ・ベル」行進曲は3万5000ドルで売れたと言われています。彼の楽曲は、アメリカ国内だけでも1万8000ものバンドに販売されていることが分かっています。驚くべきは、アメリカにこれほど多くのバンドが存在することです。スーザの行進曲は、文明世界のあらゆる地域で演奏されています。女王即位50周年記念式典では、女王が軍隊の観閲式を開始するために前に進み出た際、近衛旅団の合同バンドが「ワシントン・ポスト」を演奏しました。その他の重要な機会にも、116 毎週のメイン行進曲として頻繁に登場した。マイルズ将軍はトルコでの観閲式で軍楽隊が演奏する行進曲を聴いた。

世界中の人々の心をこれほどまでに魅了する理由は、容易に理解できる。この音楽は、高揚した軍事的熱意の精神で構想されている。誇り高く、陽気で、激しく、勝利の喜びに満ち溢れている。偉大な音楽すべてに共通するように、シンプルな要素が強い個性によって織り合わされている。ベートーヴェン、モーツァルト、ショパンのパロディ（真面目なものもそうでないものも）を書くのが難しいのと同様に、今ではスーザの行進曲に似た曲を書くことは難しくない。スーザの偉大さは、彼がこのスタイルで作曲した最初の人物であること、彼自身がスタイルを確立したこと、そして音楽界にこれほど大きな衝撃を与え、その後無数の模倣者が生まれたことにある。

スーザの行進曲の個性は、他のほとんどの影響力のある行進曲とは異なり、117 スーザの行進曲は、外部からの音楽的な激励というよりも、むしろ兵士の内面から湧き上がる本質を凝縮したものである。スーザの行進曲は、音楽室での熱狂に基づいているのではなく、広大な野原を共に歩む兵士たちの感情を、彼自身が幅広く体験した経験に基づいているのだ。

こうして彼のバンド音楽は、軍事心理のあらゆるニュアンスを表現している。長く一斉に歩く高揚感、マスケット銃を握る力、軍服と連隊への誇り、すなわち士気の高揚感。彼は、最も厳格な兵士の避けられない気取り、行軍のからかいと嘲り、こうした策略と展開が実際の敵を前にして行われることを切望する激しい願望、目に見える敵に喜びのエネルギーと戦士の血への渇望をぶちまけたいという狂気を表現している。

これらのことをスーザは他のどの作曲家にもないほど音楽に体現している。スーザの作品に適切な心構えで臨むには、118 音楽評論家は、息苦しいコンサートホールと地味な黒服を捨て、報道陣から逃れ、制服を身にまとい、行進しなければならない。他人の規則正しい旋律に足も心も疲れ果てた後、金管楽器が野性的なスーザの行進曲を奏でると、心臓に血がみなぎり、全身の筋肉が蘇るのを実感するだろう。行進する者は誰しも、スーザへの感謝と敬意以外の感情を抱くことはない。

もちろん彼は時に策略家であり、時には卑劣な手段に訴えることも認めているが、その分野においては彼は最高峰である。彼の主題はほぼ常に斬新で力強く、楽器編成は対比とクライマックスに満ちているため、真剣に検討する価値がある。彼の作品のピアノ版はひどく薄っぺらく不十分であり、クラヴィアメッシグ（ ピアノの真髄）とは程遠いので、ピアノ版だけで彼を評価すべきではない。リストやタウシグのような作曲家が彼の作品を編曲すべきだろう。

結局のところ、スーザは119 それは国家の鼓動であり、戦争においては、10人の大佐と10個の精鋭連隊よりも、我が軍にとってより大きな鼓舞と力となる。

シュトラウスと同様、スーザ氏の父親も音楽家で、息子が舞曲に専念することを禁じていました。シュトラウスの母親が息子が密かに自らの道を切り開くことを許したように、スーザの母親も彼を支えました。スーザの父親はスペインからの政治亡命者で、ワシントンの楽団でトロンボーンを演奏することで不安定な生計を立てていました。その楽団は後に息子の名声への足がかりとなりました。スーザは1859年にワシントンで生まれました。母親はドイツ人で、スーザの音楽には、しっかりとしたドイツのライ麦パンにスペインの酵母が効いているような印象を受けます。スーザの師はジョン・エスプタとジョージ・フェリックス・ベンカートでした。スーザ氏はベンカートを、この国がこれまで輩出した最も完成された音楽家の一人だと考えています。ベンカートはスーザに徹底した音楽理論の訓練を施し、スーザは15歳でハーレムに音楽を教えていました。1208歳でダンススクールのヴァイオリン奏者として生計を立て始め、10歳で公の場でソリストとして演奏するようになった。16歳でバラエティ劇場のオーケストラの指揮者になった。2年後、ミルトン・ノーブル氏の有名な戯曲「フェニックス」の巡業劇団の音楽監督を務め、劇中音楽を作曲した。ますます重要性を増していく彼のキャリアにおけるその他の出来事の中には、オッフェンバックがアメリカを巡業したオーケストラでの地位も含まれていた。26歳で、顔を黒く塗って黒人ミンストレルとして演奏し、故マット・モーガンのリビング・ピクチャー・カンパニーと巡業し、その他同様の経験を乗り越えて生計を立てた後、スーザはアメリカ海兵隊バンドのリーダーになった。12年間のリーダー在任期間中に、彼はこの取るに足らない組織を世界最高の軍楽隊の1つに育て上げた。121

1892年、彼のリーダーシップによって彼は非常に有名になり、政府の職を辞して、自身の名を冠した楽団のリーダーに就任した。

彼が政府の命令を受けて、あらゆる国の国民的および代表的な旋律を収集し、一冊の本にまとめたことは、途方もない労力を要する仕事であり、非常に貴重な参考書となった。

スーザが発表した200曲以上の作品のうち、ここで全てを挙げることはできない。中には名前が適切でないものもあるが、それらはパレードの陽気さや快活さ、あるいは戦場の熱気を思い起こさせる。「リバティ・ベル」「ディレクター」「ハイスクール・カデッツ」「キング・コットン」「マンハッタン・ビーチ」「サウンド・オフ！」「ワシントン・ポスト」「ピカドール」などはどれも感動的な作品だが、彼の最高傑作は、深く愛国的な行進曲「星条旗よ永遠なれ」だと思う。この曲の後半には、特に独創的で力強い金管楽器の演奏が聴ける。122

手稿には、より規模の大きな作品がいくつか含まれている。交響詩「戦車競走」、歴史劇「シェリダンの騎行」、そして組曲「三つの引用」と「ポンペイ最後の日々」である。

「三つの引用」とは、以下の通りです。

（a）「フランス国王は2万人の兵士を率い
て丘を登り、そしてまた下った」

これが、ユーモアあふれる楽器編成による楽しいスケルツォ行進曲の動機となっている。

（b）「そして私もアルカディアで生まれた」

それは、極めて繊細な味わいが絶妙に融合した牧歌的な料理である。

（c）「暗黒のアフリカで」

冒頭が素晴らしく、ドヴォルザークがアメリカ人に奨励した黒人様式による、心を揺さぶるグロテスクな作品である。3曲ともピアノ用に巧みに編曲されている。

2番目の組曲は「最後の123 「ポンペイの日々」は、酔っぱらいの宴「ブルボとストラトニケの家」で幕を開ける。ワインを求めて騒ぎ立てる剣闘士たちの荒々しい姿、陽気な酒飲みの歌、そして鈴を鳴らす道化師の踊りが、見事に構成された楽曲となっている。第2楽章は「ニディア」と題され、盲目の少女の哀れな夢想を描いている。全体を通して優しく静かな雰囲気である。

第3楽章は大胆かつ見事だ。「破壊」に果敢に挑み、生々しい暗示の真髄に達する。ほとんど聞こえないほどの長いドラムロールが時折鈍い音を伴い、地震の到来を告げる。地底の轟音、激しい揺れ、崩れ落ちる石、そして狂乱のパニックが、安っぽい模倣の試みもなく、鮮やかに暗示される。恐怖に怯えるライオンの咆哮が聞こえ、そして何よりも素晴らしいのは、この場面の激しさの下で、古代の旋法で書かれたナザレ派の静かな聖歌が響き渡ることだ。124 敗走劇はグラウコスとイオネの航海へと続き、ニディアの白鳥の歌はさざ波の穏やかな水しぶきの中に消えていく。この作品は、卓越した想像力と学術的業績を兼ね備えた傑作である。

スーザは主に大衆層を聴衆とする音楽家であるため、常識を覆すような手法を頻繁に用いる。しかし、そうした手法においても、彼は実験家であり開発者としての情熱に突き動かされている。芸術の世界では、型破りな斬新な試みはほとんどすべて嘲笑の的となる。しかし、今日のセンセーショナリズムは明日の保守主義であり、高度な芸術性とトリックの決定的な違いは、前者が成功し、後者が失敗することにある。両者には共通の起源があると考えられる。

良い点は、スーザが進歩と実験の精神に突き動かされており、故パトリック・S・ギルモアが始めた軍楽隊の発展を引き継いでいることである。スーザのコンサートプログラムは、125 実際、軍楽隊の演奏スペースの大部分は、最高の作曲家による音楽に割かれている。もちろん、これらの音楽は軍楽隊用に編曲されることで多少の損失はあるものの、音楽文化の一般大衆の水準を高める効果は計り知れない。こうした手段を通して、ワーグナーの作品の多くは、演奏される音楽の中でも特に人気が高い。このような成果を上げた活動家たちは、音楽の真髄を人々に伝えようと心から願うすべての人々から、最大限の支援を受けるべきである。ちなみに、安っぽい行進曲は、感動のない交響曲とほとんど同じくらいつまらないものだが、優れた行進曲は、最高の音楽の中でも最高のもののひとつであると認めるのは良いことだろう。

スーザは主に行進曲の作曲家として知られ、平均的な人間の野望を満たすほどの名声を得ているが、アメリカの喜歌劇においても大きな地位を占めている。彼の最初の作品「密輸業者」は1879年に上演され、通常の126 最初の作品は失敗に終わった。彼の「キャサリン」は上演されることはなく、「デジレ」は1884年にマッコール・オペラ・カンパニーによって上演され、1幕作品の「ハートの女王」は2年後に上演された。その後10年間、彼はオペラから遠ざかったが、1896年にデ・ウルフ・ホッパーが「エル・キャピタン」を上演し、大成功を収めた。

この作品のメインテーマは、幕を下ろす際にマイヤベーア風の効果的な演出で用いられた行進曲だった。この「エル・キャピタン」行進曲の力強い躍動感は、オペラ界以外でも大きな人気を博した。ホッパーは次に、初演ではオペラ・コミックに近い作品である「ペテン師」を制作した。これらの作品はどちらも、本国よりもロンドンでさらに大きな成功を収めた。

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音楽

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ジョン・フィリップ・スーザ作曲「エル・キャピタン」の一ページ。

「選ばれし花嫁」では、スーザ自身が台本を書き、お決まりの感動的な行進曲がクライマックスとして盛り込まれていたものの、作品全体としては、より穏やかな作曲家のオペラに比べてシンバルの音は控えめだった。128ポーズをとる人。「クリスと素晴らしいランプ」という壮大な作品では、主要なアンサンブルは、以前の行進曲「海を越えて手を」から練習を重ねてきた。

しかし、スーザは行進曲以外にも作曲することができ、彼の楽曲は多様性、自由さ、そして対位法の素晴らしさに満ちている。

ヘンリー・シェーネフェルト。
ドヴォルザークがアメリカ大陸を発見するずっと前から、私たち先住民は、鼻にかかったイントネーションや「推測する」という言葉の正しく由緒ある用法と同じくらい、外国人に私たちを完全に識別できるような国民的な音楽方言を発明しようと試みてきました。しかし、ドヴォルザークはこの問題を棚上げにして、作曲家たちに考えるよう促した功績があります。私は、ドヴォルザーク自身がアフリカ大陸の奥地を探検したことに対して一部の人々が抱いたような熱狂に、自分自身を納得させることはできません。彼の四重奏曲（作品96）と「新世界」交響曲は129 イヴェット・ギルベール嬢が英語で歌おうとした絵画的な試みと同じくらい、訛りと不誠実さに満ちている。しかし、「昔ながらのやり方がいつまでも通用する」と言うような堅苦しい考えよりは、ほとんど何でもましだ。そして、ボヘミアの宣教師は、アメリカ音楽の歴史において常に一定の地位を占めるに違いない。

ヘンリー・シェーネフェルト。

ドヴォルザークの弟子であり、その影響を先取りしていたのがヘンリー・シェーネフェルトである。彼はドヴォルザークの影響が及ぶ前に特徴的な組曲（作品15）を、その後序曲「陽光あふれる南国で」を作曲した。この組曲は海外で頻繁に演奏され、ハンスリック、ニコデ、ルービンシュタインらから賞賛を受けている。弦楽オーケストラのために作曲されたこの組曲は、やや回想的なワルツの旋律で始まり、慣例的に終わるが、重要な意味を持つ黒人調の楽章が含まれている。この楽章では、弦楽器はタンバリン、トライアングル、ゴングによって支えられている。行進曲のリズムで、スタッカートの前奏曲の後、第2ヴァイオリンによるキャッチーな旋律で始まる。130 一方、第1ヴァイオリンは分割され、和音を埋め尽くす。続いて、主音の長調でよりゆったりとした主題が現れる。これは陽気な旋律で、第1ヴァイオリンが明るいハーモニクスを用いて踊るように奏でる。ゴングが鳴り響く（おそらく教会の鐘を暗示しているのだろう）大音量のコラールが2回現れる。最初の2つの主題が再び現れ、曲は幕を閉じる。

序曲（作品22）はAJグッドリッチから高い評価を得ており、私には、その黒さゆえにではなく、その自発性ゆえに、最も重要なインド作品の一つであるように思われる。通常の楽器に加えて、ピッコロ、イングリッシュホルン、タンバリン、トライアングル、シンバルが用いられている。緩やかな序奏では、最も好まれ、最も魅力的な黒のパターンで独創的な主題が提示される。弦楽器がそれを告げ、木管楽器がそれに答える。フルートとクラリネットは、チェロとコントラバスの興味深いパッセージによって提供される毛布の中にそれを包み込む。イングリッシュホルンによる合唱のような瞬間があり、131 ファゴットとクラリネット。この厳粛な考えは、全体的な陽気さの中に括弧書きで繰り返し現れる。最初の主題がガタガタと入ってきて、2番目はさらに陽気だ。展開部では、忠実に叫ぶような繰り返しでミステリアスなダンスが使われ、作品は規則正しく華々しく終わる。厳密に「ラグタイム」ではないが、シンコペーションが多く、バンジョーのフレーズが自由かつ巧妙に使われ、全体は地方色豊かな素晴らしいフィクションである。シェーネフェルトの黒人はボヘミア語を話さない。

彼の揺るぎない愛国心は、ロッドマン・ドレイクの有名な詩に彼自身が曲をつけた祝祭序曲「アメリカ国旗」に表れている。作品は、金管楽器と木管楽器による対位法的な賛美歌の力強い響きで始まる。主題は巧みな構成で取り上げられ、芸術的に扱われているが、コーダで力強く登場するこの賛美歌は、同種の賛美歌の多くと同様に陳腐である。132

シェーネフェルトは1857年、ミルウォーキーで生まれた。父親は音楽家で、シェーネフェルトの教師も数年間務めた。17歳の時、シェーネフェルトはライプツィヒへ行き、そこで3年間、ライネッケ、コッキウス、パッペリッツ、グリルに師事した。大規模な合唱と管弦楽のための作品は、多くの競合作品の中から賞を受賞し、作曲家自身が指揮する形でゲヴァントハウスのコンサートで演奏された。その後、彼はワイマールへ移り、エドワード・ラッセンに師事した。

1879年、彼はアメリカに戻り、シカゴに居を構えた。以来、教師、オーケストラ指揮者、作曲家としてシカゴで活動している。長年にわたり、ゲルマニア男声合唱団の指揮者も務めている。

シェーネフェルトの「田園交響曲」は、国立音楽院が提供する500ドルの賞を受賞しました。ドヴォルザークは授賞委員会の委員長を務め、シェーネフェルトを心から称賛しました。後期の作品には、「3人のインディアン」、頌歌などがあります。133 男声合唱、独唱、オーケストラのための、非常に美しい「アリア」（弦楽器のほとんどがアリアを奏で、第一ヴァイオリンがG線を彷徨い、ハープと3本のフルートが優雅に伴奏を担う）、弦楽オーケストラ、ハープ、オルガンのための心地よい「夢想曲」、そして弦楽オーケストラのための2つの即興曲、眠るリア王を優しく見守るコーディリアを描いた「瞑想曲」（芸術が優しくその雰囲気に寄り添う）と、巧みに構成された「高貴なワルツ」。

シェーネフェルトの作品のうち出版されているのはごくわずかで、すべてピアノ曲である。彼の管弦楽作品の栄光を貶めるつもりはないが、優れた「即興曲」と「前奏曲」を除けば、これらの作品はほとんど重要ではない。子供向けの「祝祭」の8曲のうち、「マズルカ」だけが、幼い子供でさえ考えさせられるだろう。「小さな舞踏組曲」の方が優れている。作品41「神秘の歌」の6つの子供向け曲は134 「森の歌」は、想像力を大いに刺激し、非常に興味深い作品である。グリーグの影響がはっきりと表れており、十分にお勧めできる。しかし、彼の最も洗練されていない「優雅なワルツ」や、おそらく「カプリス・ワルツ」を除いて、数多くの舞曲には、このようなことは言えない。

彼は1899年7月、アンリ・マルトーがアメリカ人作曲家に贈った賞を、ヴァイオリンとピアノのためのソナタで受賞した。審査員はデュボワ、ピエルネ、ディーマー、プーニョといった面々であった。このソナタは準幻想曲であり、黒音を用いる意図が明白に表れ、力強く始まる。第一主題は非常に力強く提示されるため、甘美な哀愁と深い憂鬱を表現するのに十分な柔軟性を持っていることに驚かされる。第二主題が登場する前に、第一主題はかなり十分に展開されている。一方、第二主題は、やや簡素な展開が始まる前に、その平行長調でほとんど示唆されることがない。ロマンツァでは、シンコペーションと模倣がはるかに多く用いられている。135 全体的な雰囲気は夜想曲風だが、そこに舞曲風のトリオが割り込んでくる。最後のロンドは木靴と合唱の間奏曲を組み合わせたものとなっている。この作品は、その深い誠実さと素晴らしい叙情的な美しさで特筆に値する。

モーリス・アーノルド。
モーリス・アーノルドのプランテーション・ダンスは、その本来の価値とは別に、それ自体に興味深い魅力を持っている。本名をモーリス・アーノルド＝ストロトッテというアーノルドは、1865年にセントルイスで生まれた。彼の母親は著名なピアニストで、彼に音楽の最初の手ほどきをした。15歳でシンシナティに行き、音楽大学で3年間学んだ。1883年にはドイツに渡り、ベルリンでヴィーリングとウルバンに対位法と作曲を学んだ。彼が組曲に黒人プランテーションの精神を吹き込もうとしたとき、ウルバンは彼を落胆させた。136

アーノルドはその後、ハンガリー、ブルガリア、トルコを放浪する旅に出た。彼の作品の中には、この旅の影響を受けたものもある。その後、ケルン音楽院に入学し、ヴュルナー、ナイツェル、G・イェンセンに師事した。彼の最初のピアノソナタは、同音楽院の公開コンサートで演奏された。次にブレスラウに行き、マックス・ブルッフの指導の下、カンタータ「ワイルド・チェイス」を作曲し、他の管弦楽曲も公開演奏した。セントルイスに戻った彼は、ソロヴァイオリニスト兼教師として精力的に活動し、オペラ団の指揮者としても各地を巡った。ドヴォルザークがセントルイスを訪れた際、アーノルドは「プランテーション・ダンス」を作曲し、ボヘミアの作曲家の後援のもと、コンサートで演奏された。アーノルドは、ドヴォルザークの下で国立音楽院の和声学講師を務めた。

「プランテーション・ダンス」はアーノルドの33番目の作品であり、オーケストラによって頻繁に演奏され、出版もされている。137 ピアノ連弾として、また2曲目はソロとしても演奏される。アーノルドはエチオピアのテーマを直接用いてはいないが、アフリカの精神を探求している。最初のダンスは非常にニグレスク的だが、2曲目はほとんどそうではないものの、実に魅力的な楽曲である。3曲目はバンジョーのリズムを用い、黒人特有の陽気さを巧みに表現している。4曲目はケーキウォークで、あの荘厳な儀式の滑稽なユーモアを実に魅力的に描き出している。

アーノルドの「劇的序曲」は、彼特有の情熱と勢いに満ちており、十分な対比がなければ維持されてしまいそうだ。彼のカンタータ「ワイルド・チェイス」も同様である。アーノルドは喜劇オペラを2作作曲している。私は最初の作品の一部を聴いたことがあり、美しさとユーモアに満ちた場面が数多くあった。第3幕の冒頭を飾る「アラゴネーズ」は特に素晴らしい。全体を通して、アーノルド特有の綿密なオーケストレーションが絵画的な効果を生み出している。

ピアノ曲にはチャールダーシュと「ワルツ」があります。138 8手のための「エレガント」は、ショパン風というよりはウィーン風です。実に豪華に装飾された実用的なワルツと言えるでしょう。アーノルドの東洋旅行の成果は、印象派風の「ミッドウェイ・プレザンスの舞曲」に見られます。これはトルコの吟遊詩人を巧みに回想した作品で、多くのドイツのオーケストラによって演奏されたトルコ行進曲もあります。楽しい「スペイン風カプリス」と、バンジョー音楽を実に魅力的に扱った「バンジョーエンヌ」があり、アーノルドは新しく豊かで音楽的な形式を発明したと言えるでしょう。これらに加えて、8手のためのフーガ、ヴァイオリンとピアノのための「吟遊詩人のセレナーデ」、ヴァイオリンとヴィオラのための6つの二重奏曲があります。

また、いくつかのパートソングとソロ曲もあり、その中でも、古風なドイツ風の「Ein Märlein」、この上なく優しい「Barcarolle」、そして詩「I Think of Thee in Silent Night」の作曲は特に注目に値する。139プレリュード、インターリュード、ポストリュードのための、実に美しいフレーズ。アーノルドはバレエ音楽や弦楽オーケストラのためのタランテルも作曲しており、交響曲と「現代オーケストレーションのいくつかのポイント」という本を執筆中である。彼のヴァイオリン・ソナタ（現在は手書き）は、彼の独創的な才能が最高潮に達したことを示している。第1楽章では、最初の主題は軽快で黒人音楽の好例であり、2番目の主題は月明かりに照らされたマグノリアの香りを抒情的に漂わせている。（再現部では、元々属長調で現れたこの主題が主長調で再び現れ、ソナタの調はホ短調である。）第2楽章もまた暗い雰囲気だが、憂鬱に満ちている。フィナーレでは、作曲家はアイルランドに飛び、活気と気概に満ちた、豪快なジグを作曲した。

N・クリフォード・ペイジ
日本と中国の芸術が装飾の世界に与えた影響は、140 アメリカの作曲家たちが天上の音楽に示してきた関心の大きさを考えると、この分野における日本の音楽の影響は確実に拡大し、音楽界全体にも日本の音楽の影響がかなり広がるだろうと予言したくなる。日本の音楽には、絵画に匹敵するほど魅惑的な装飾効果がある。

サンフランシスコ市は、こうした衝動の自然な玄関口であり、その少なからぬ部分が既に税関を通過している。この分野ではエドガー・S・ケリーの影響が圧倒的であり、彼がその影響を弟子のナサニエル・クリフォード・ペイジに伝えたのも不思議ではない。ペイジは1866年10月26日にサンフランシスコで生まれた。彼の祖先は独立革命以前から長年アメリカに住んでいた。彼は12歳でオペラを作曲し、その未熟なアイデアの多くを後年有利に活用した。彼は16歳で本格的に音楽の勉強を始め、ケリーは彼の141 主任教師。彼が成人する前に作曲・編曲した最初のオペラは「第一中尉」と題され、1889年にサンフランシスコのティボリ・オペラハウスで上演された。批評家の多くは、その器楽演奏と東洋的な色彩を高く評価し、劇中のいくつかの場面はモロッコを舞台としていた。

ペイジの得意分野とされる楽器編成において、彼は独学と研究以外に特別な指導を受けたことはない。彼は若い頃からオペラやコンサートで指揮を始め、豊富な経験を積んできた。また、和声とオーケストレーションの教師としても活躍している。

ペイジの作曲活動の重要な段階の一つは劇のための付随音楽であり、彼の最大の成功は1898年にロンドンで上演された日本の生活に基づいた劇「月光花」の音楽によって達成された。序曲は、日本の実際のテーマに基づいて完全に作曲されており、142 日本の国歌。ペイジはこの12小節を3週間かけて作曲した。彼はバイオリンの指板を備えた日本のバイオリンを用意したが、オーケストラ奏者の非常に頑固な性格のおかげで、このパートはマンドリンで演奏せざるを得なかった。2つの日本の太鼓、日本のシャンプー職人が使う笛、そして日本のギターが、なぜかアクセントを加えることが許された。この国歌は後に「K Honen」という日本の歌のベースとして、さらに強調して使われている。この音楽の忠実さは、サー・エドウィン・アーノルドの日本人妻が様々な曲を認識し、国歌に心を奪われたという事実によって証明されている。

劇自体は成功しなかったものの、音楽は好評を博し、ペイジはフローラ・アニー・スティール夫人によるインドの生活を描いた劇など、イギリスでの他の仕事の契約を獲得した。

「月」の執筆以前に143ペイジは、ライト・ブロッサムの音楽に続き、同じ作者の戯曲「猫と天使」の劇中音楽も編曲した。劇中音楽のほとんどはエドガー・S・ケリーの「アラジン」の音楽から取られたものだが、ペイジは独自の要素も加えている。その中には、私がこれまで耳にした中で最も効果的で意外な恐怖感を醸し出す手法の一つがある。それは、コントラバスとファゴットの極低音域で、荒々しい単音を2つ、長い間隔を置いて鳴らすというものだ。この効果の陰鬱さは言葉では言い表せない。

タイトル不明の東洋風オペラと、「ヴィリアーズ」というオペラ（古風なイギリス風の色彩が用いられており、不器用なアイアンサイズによるグロテスクなダンスも含まれている）は、ペイジのミューズの国際的な落ち着きのなさを示している。彼の「カプリス」には、自己満足のための恐ろしい計画が見られ、8小節の長さの主題がほぼすべての楽器で演奏されている。144 対位法的な手法は知られており、スケルツァンド、ヴィゴローソ、コン・センティメント、レリジオソ、そして幻想行進曲の 5 つの楽章を通して心理的な変化が見られます。「村の祭り」と呼ばれる組曲は、フランスの地方色を実験的に取り入れたものです。この組曲には、礼拝堂へ向かう農民たち、花売り娘たち、放浪者たち、密会、サボの踊り、そして荘厳な行進曲である市長の入場の 5 つの場面が含まれています。

この作品の演奏に際し、ルイス・アーサー・ラッセルは次のように記している。「彼のオーケストラは紛れもなくフランス的で、実に現代的だ。その音楽語法はワーグナーというよりベルリオーズ的である。」

145

第3章
学問の世界。

ジョン・ノウルズ・ペイン。

ジョン・ノウルズ・ペインのサイン

現代性よりも優れたものが一つある。それは不滅性だ。だから私は現代運動の熱烈な信奉者だが、それはせいぜい実験であり、動きは生命に必要だからだ。しかし、なぜ146 何か新しいものを取り入れる際には、必ず何か古いものを手放す必要がある。まるで、不器用で不器用な宅配便配達員のように。

作曲家が最新の様式で中身のない作品を書くとしても、古い様式で陳腐な作品を書く作曲家よりは多少マシかもしれない。しかし、古典作家の一般的な手法が自分に合っていると見なす高尚な思想家の前では、彼は何者でもない。

我が国の作曲家の中で最も古典的な存在は、尊敬すべき巨匠、ジョン・ノウルズ・ペインである。我が国の音楽界がまだ若かったことを示す興味深い証拠として、この重要な作曲家による代表作である交響曲「春」が、わずか21年前に作曲されたことが挙げられる。ペイン氏以前には、大規模な楽曲において真剣に評価されるべきアメリカ人作曲家は存在しなかった。

ジョン・ノウルズ・ペイン。

偶然にも、ヨアヒム・ラフは1878年に「春」という交響曲を作曲しており、それはペインがアメリカで自身の交響曲を完成させるわずか1年前のことだった。両者の第1楽章は147 「自然の目覚め」と呼ばれるこの曲は、詩から音楽まで、春の作曲には必ずあるアイデアです。第2楽章では、ラフは「ワルプルギスの夜の祝宴」という荒々しい曲を、ペインは「五月の夜の幻想」というスケルツォ曲を作曲しています。ラフの曲は不気味で悪魔的であるのに対し、ペインの曲は陽気で妖精のようです。ラフの交響曲の第3楽章は「春の最初の花」、最後の楽章は「放浪の喜び」と呼ばれています。ペインの交響曲の後半2楽章は「春の約束」と「自然の栄光」です。どちらの交響曲も、もちろん、冬の鈍い暗闇を表すゆっくりとした序奏で始まり、そこから春が芽生え、昇っていく様子が描かれています。

ペインの交響曲は、4月の熱狂の溶けた黄金を交響曲という厳格な型に収めようと試みているにもかかわらず、機械的な印象や抑制を一切感じさせない。それは最も正統的な標題音楽である。148ベートーヴェンの「絵画よりも感情表現を重視する」という理念に完全に合致した、まさにその通りの作品である。春の音を模倣することを目的としているのではなく、暗示によって聴き手の創造的想像力を刺激し、音楽的なテレパシーによって、色情狂の作曲家を揺り動かした感情を呼び起こそうとしている。

交響曲の第1楽章は、楽章の2つの主題とは異なる2つの動機を含む序奏から始まる。これらの動機は冬と目覚めを表している。冬の動機は、さらに冷たく氷のような動機と、吹き荒れる風の動機に分けられる。これらを通して、臆病な目覚めの精神は、その年最初のトリリウムのように頭をもたげる。静寂の中、ヴァイオリンの音色がひっそりと響き渡り、まるで鳥の群れが春への使者のように舞い上がる。

突然、短い前奏の後、まるで青い鳥が喉の調子を整えているかのように、私たちは交響曲の調（イ長調）に包まれ、春はチェロからヴァイオリンへと軽やかに駆け上がります（ヴァイオリンは、私たちの過度に色付けされたハーモニーでは無視されがちな、素朴で古風な10度の音程で分割されています）。第2主題はオーボエによって提示されます（やや珍しい関連調である下中音で）。これは149 叙情的で躍動感あふれるアイデアで、冬のモチーフの地下抵抗と戦います。最も激しい喜びの精緻な終結部があります。その恍惚感はしぼみ、小さな翼がひらひらと舞うように少しだけ、春のモチーフが短調で展開されます。この部分では、学問が自らの贅沢に浸り、鳥たちが再び私たちの頭上で震え、再現部が（もちろんイ長調で）新たな歓喜とともに始まり、踊るような第2主題が（主音で）現れ、冬の衰えゆく力を喜びの滝で圧倒します。そして終結部が押し寄せます。これは私がこれまでインスピレーションを受けた中で最も喜びに満ちた主題の1つだと考えています。

消えゆく鳥の翼と喉の音、弦楽器のピチカート和音による終曲があり、春は戴冠式を終える。

「五月の夜の幻想」は、音楽記者がこっそりメモを取っているエルフたちの月明かりの下での宴を捉えたものだ。一匹のホブゴブリンのファゴットが滑稽な音色を響かせ、妖精たちは暗く、戯れ、そして心ゆくまで踊り明かす。

このロマンスはロンド形式で、恋に悩む主題の反復と間奏曲、そして巧みな装飾が施され、優雅な回想の後、調和の至福の中で幕を閉じます。

フィナーレはハレルヤである。序奏のないソナタ形式（第2主題はイ長調の属音ではなくハ長調）である。150 イ長調、あの清純で率直な調は、ある教皇が奇妙​​にも「好色」と呼んだ調である。展開部は争いに満ちて狂乱的だが、再現部は嵐の後の多色の虹のようで、イ長調のコーダ（イ短調で始まった交響曲の終結部）は喜びに満ちて速い。

この交響曲は何度も演奏されてきたが、それでもまだ十分とは言えない。フレッチャーの戯曲『二人の貴公子』（シェイクスピアの手腕が光る作品）のように、時の流れに抗い、不朽の名作となるべきである。なぜなら、あの戯曲の言葉を借りれば、「五月よりも新鮮で、枝に飾られた金のボタンよりも甘美であり、牧草地や庭園にあるエナメル細工よりも優れている」からである。

ジョン・ノウルズ・ペインは、アメリカの作曲家の間で長きにわたり高い評価を受けてきた人物である。彼は、ナザレから何か良いものが生まれる可能性があると外国人音楽家たちに確信させた、最も初期のアメリカ人作家の一人だった。

彼は1839年1月9日、メイン州ポートランドで生まれた。彼はまず地元の教師コッツシュマーの下で音楽を学び、デビューは151 18歳でオルガン奏者となった。1年後、ベルリンに移り、3年間、ハウプト、ヴィープレヒトらに師事し、オルガン、作曲、楽器編成、声楽を学んだ。ドイツでオルガンコンサートを数回開催し、1865年から1866年にかけてツアーを行った。1867年2月、ベルリン・ジングアカデミーでペイン指揮による「ミサ曲」を演奏した。その後アメリカに戻り、1872年にハーバード大学の音楽講師に任命され、1876年には教授に昇進した。この教授職は彼のために新設されたもので、以来、彼はその職を卓越した成功を収めながら務めている。

彼の最初の交響曲は1876年にセオドア・トーマス社から出版された。この作品をはじめとする彼の管弦楽曲は、国内外の様々な場所で頻繁に演奏されている。

彼の唯一のオラトリオ「聖ペテロ」は、1873年にポートランドで初演され、その1年後にボストンで初演された。それは力強く、152 非常に力強い劇的表現力を持っている。アプトンは、その貴重な著作『標準オラトリオ』の中で、本作を「最高水準から見て、この国でこれまでに制作された唯一のオラトリオ」と評している。

このオラトリオは、ヘンデルの最悪の時期に見られるような華美さと反復の多さを多く含んでいる一方で、ヘンデルの最高の時期に見られるような博識さと壮大さも兼ね備えている。聖ペテロのアリア「おお神よ、わが神よ、わが神よ、わが者を見捨てないでください」は特に素晴らしい。

よく演奏される交響詩としては、ペインの「テンペスト」があり、シェイクスピアの戯曲の主要なエピソードを音楽的に展開している。彼はまた、「お気に召すまま」の貴重な序曲も作曲しており、キーツの「空想の世界」とミルトンの「降誕」を絶妙に作曲している。さらに、中世をテーマにした壮大なオペラを自作の台本で作曲している。これは「アザラ」という3幕構成の作品で、台本はリバーサイド・プレスから出版されており、ドイツ語に翻訳される予定である。まだ上演されていない。153 残念ながら、これはアメリカのグランドオペラであり、上演されるまでには長い時間がかかるだろうと、少しの先見の明があれば容易に想像できる。この作品において、ペインは古典主義者というよりロマン主義者としての才能を発揮しており、作品自体も現代性に満ちていると言われている。

ペインは、フィラデルフィア万国博覧会の開会式で使用されたホイッティアーの「賛歌」の作曲を手がけ、1892年10月21日にシカゴで開催された万国博覧会の開会式のためにコロンブス行進曲と賛歌を作曲するよう、まさにうってつけの人物として選ばれた。この式典は、セオドア・トーマスの指揮のもと、数千人の演奏者によって行われた。

最も独創的で興味深い作品は、合唱曲「フェブスよ、立ち上がれ」である。歌詞は、古きウィリアム・ドラモンド（ホーソーンデン出身）に遡るのが良さそうだ。詩に漂う古き良き時代の趣は、旋律にもそのまま受け継がれている。非常に独創的でありながら、7世紀を代表するナイチンゲール、ハリー・ローズの音楽を心地よく彷彿とさせる。15410世紀の想像力は、今日ではあまりにも軽視されすぎている。

ペインの真骨頂は、決して臆病ではなく、しばしば圧倒的でスリリングなクライマックスにある。この合唱曲のクライマックスは特に素晴らしく、オーケストラの演奏が終わった後も、声部は2小節にわたって響き続ける。その効果の迫力は容易に想像できるだろう。この作品は、他に類を見ないほど官能的な色彩に満ちている。

1881年、ペインの最も重要な作品と一般的に考えられ、アメリカ人による最高傑作とも評される作品、ソフォクレスの『オイディプス王』の合唱曲が初演された。ハーバード大学での上演のために作曲され、以来、全体または一部が頻繁に歌われている。このギリシャの天才による傑作は、構想においても実行においても非常に力強く、1881年になってもその力は全く衰えていない。155 ギリシャ人を初めて魅了してから長い年月が経った。音楽的にその可能性を実現することは、ソフォクレスに匹敵する、最高レベルの天才の証である。概して言えば、ペインは自身の才能を最大限に発揮したと言えるだろう。

メンデルスゾーンはまた、ソフォクレスの「コロノスのオイディプス」と「アンティゴネ」という2つのギリシャ悲劇に曲をつけた。メンデルスゾーンは、ギリシャ音楽、あるいは私たちが想像するような、主にユニゾンと簡素な楽器編成による音楽を作曲しようと最初に試みたと言われている。しかし、彼はすぐにそのような試みを思いとどまったが、それは賢明な判断だった。ギリシャ悲劇作家たちは、実際には壮大なオペラの作者であり、間違いなく当時最高の音楽的道具と知識を駆使していた。創造的な感情は、その仕組みの正確さではなく、聴衆の心の中で繁栄する。ギリシャ悲劇作家たちが聴衆に与えたような効果を私たちに与えるためには、156一時的な聴衆を相手にする場合、私たちの音楽は、彼らの音楽が彼らにとって馴染み深く効果的なものであったように、私たちが慣れ親しんだ路線に沿った昇華である必要がある。そうでなければ、オイディプスの苦悩に心を動かされるどころか、私たちは主に音楽の奇妙さに面白がってしまい、その単調さと薄っぺらさに耐え難いほど退屈してしまうだろう。

メンデルスゾーンは、暗示的な効果を狙ってユニゾンを頻繁に用いることにしたが、それを過剰に用いることはしなかった。こうした試みはペインにとって明らかに有益であったが、ペインはあくまでも自身の個性を貫き、最高傑作においてはメンデルスゾーンの崇高な悲劇作品のどれよりも高い境地に達した作品を生み出したと私は考えている。ちなみに、私は「エリヤ」を作曲した天才の業績を軽んじるような人間ではない。

ペインのプレリュードは、157 メンデルスゾーンの「アンティゴネ」よりもあらゆる点で規模が大きく、より凝った作品である（「コロノスのオイディプス」は、13小節の1つの楽章だけで力強く始まる）。ペインの「オイディプス」の冒頭の合唱は、この作品の中で最も弱い部分である。第2節にはいくつか良い瞬間があるが、すぐに、実際に耳に残るほど生意気な、しかもローウェル・メイソン、ムーディー、サンキーのような耳に残るものに戻ってしまう。興味深いことに、メンデルスゾーンの「アンティゴネ」は、何よりも酒宴の歌のような合唱で始まり、最初のソロは純粋な民謡である。どちらも、ナイフで切り裂けるほどゲルマン的な風味に満ちている。しかし、メンデルスゾーンの「コロノスのオイディプス」では、音楽はドイツ的な感情ではなく、むしろ感情を表現しており、驚くほどワーグナー的な、しかも時代を先取りしたような、壮麗なハーモニーに満ち溢れている。

[聞く]

音楽

音楽は続いた

著作権、1895年、アーサー・P・シュミット。

JKペイン作「ディプス・ティラヌス」の後奏。

ペインの2番目のコーラスは、殺人犯を運命が想像の中で追跡する様子を描写している。160 ライオス王。それは恐ろしい炎に満ちており、第2節は最初はただただ畏怖の念を抱かせる。その後、それはややアリオソ、ほとんどイタリア風へと変化していく。第4合唱は、イオカステの不信から神託を擁護する。それはほぼ行進曲のリズムで書かれており、力強さに満ちている。

この悲劇のこの場面、つまりオイディプスが、自分が知らず知らずのうちに殺人を犯し、疫病を鎮める前に神託が追放を命じる近親相姦の悪党であったことに気づき始めるところで、ソフォクレスの神業的な才能が、シェイクスピアがリア王の運命を際立たせるために愚鈍な道化を対照的に用いるように、陽気な合唱を導入する。ここでペインの音楽は、いくら褒めても褒め足りないほど素晴らしい。合唱の構成は見事で、その精神は燃え盛る炎のようだ。例えば、「我らの国を救うために、汝は塔のように立ち上がった！」という言葉のところで、音楽自体が突然、最も効果的な示唆をもって高揚する効果に注目してほしい。161

第六合唱では、オイディプスの罪が露呈したことによる影響と、運命の愚か者の悲惨さが描かれる。音楽はまさに天才の爆発であり、圧倒的で、恐ろしいほどだ。後奏はオーケストラによるもので、合唱は音楽の上に重なる。イオカステは首を吊り、オイディプスは彼女のブローチで自らの目を抉り出した。音楽は偉大な劇にふさわしい夢想であり、激しい騒乱の後、諦めにも似た静けさへと収束していく。

ギリシャ悲劇からヤンキー愛国心へと至るのは長い道のりだが、ペインは1888年のシンシナティ五月祭のために書いた「約束の歌」でその才能を無駄にしなかったと思う。ジョージ・E・ウッドベリー氏の詩はアメリカの自慢の極みではあるが、救いとなる技法がある。ソプラノ独唱、混声合唱、オーケストラのための音楽は、インスピレーションの頂点に達している。生きている作曲家や多くの故人の巨匠でさえ、これほど壮大な作品を生み出すことはできないだろう。ある意味では学術的である。162 ワーグナーの影響は確かに感じられる――現代の良質な音楽なら当然そうあるべきだ。しかし、これはワーグナーの音楽ではないし、陳腐なアカデミズムでもない。気取った装飾も、安っぽい奇抜さもない。

言葉と音楽が目指した高みを考えると、それらが完全に破綻し、吐き気を催すような陳腐さに陥らなかったのは驚くべきことだ。それらがこれほど効果的であることが証明されたのは、天才の確かな足取りを示している。すべてが素晴らしいが、特にソプラノソロは秀逸だ。

この音楽は絶妙で、驚くほど素晴らしい。そして、それに続くマエストーソ・エ・ソレンネ楽章は、比類なき荘厳さを湛えている。これほど純粋に音楽のあるべき姿、壮大さを表現した文章を読んだことはない。しかも、我が国を讃えているのだ！ ヘンデルの使い古された「メサイア」に、待望の息抜きを与えるべく、数多くの声楽団体がこの曲を取り上げてくれるかもしれない。

ペインが取り組んできた作品の規模を考えると163 概して言えば、彼のピアノ独唱と声楽独唱のための小品が貧弱で、比較的に重要性に欠けることは許容できるだろう。私が特に気に入っているのは「薔薇色の枝にとまる鳥」（作品40）だけであり、これは特に伴奏において古風ではあるものの、時折実に魅力的だ。歌曲「早春」は実に独創的である。

ピアノ曲としては、軽快な「誕生日即興曲」と、一般的に「フェンスを越えれば外だ！」という歌詞で知られるテーマを機知に富んだフーガ・ジョコーザがあります。「夜想曲」はシューマン風に始まり、彼の第2ノヴェレットのスタイルに陥り、そこからベートーヴェンのソナタ（作品10、第3番）のラルゴへと移り、さらにショパン風へと展開して終わります。実に興味深い構成です！

ピアノのための長大な「ロマンス」は、いくつかの優れた出来事と多くの情熱に満ちているが、統一性に欠ける。これは「ピアノアルバム」の最後の作品である。164 他に珍しい魅力が満載の作品集「Pieces」。オペラ25、26、39で構成されている。作品25には、4つの特徴的な小品が含まれている。ダンスの陶酔感に満ちた「Dance」、非常に独創的な「Impromptu」、そしてアメリカ音楽ではめったに見られない、実に機知に富んだスケルツォである「Rondo Giocoso」である。作品26には10のスケッチが含まれており、どれも素晴らしいが、特に魅力的な交響詩「Woodnotes」、実にシンプルな「Wayside Flowers」、美しいシンコペーションの傑作である「Under the Lindens」、ありきたりな「Millstream」形式の新鮮で興味深い小品、そしてヘラーのエチュードを永遠の喜びにしている古風な風味を多く含んだ「Village Dance」である。

これらに加えて、モテット、オルガン前奏曲、弦楽四重奏曲、ヴァイオリン、チェロ、ピアノなどのための協奏曲など、数多くの作品があり、それらすべてが彼の輝かしい名声を高めるのに貢献している。165

ダドリー・バック。
音楽も、生活必需品と同様に、需要と供給の法則に従う。しかし、より簡素で純粋な形で音楽に対する需要が生じるためには、まず音楽に対する人々の嗜好を高める必要がある。そのためには、巧みな妥協者、つまり大衆の嗜好を満たしつつ、同時に鑑識眼を養うことができる作曲家が必要とされた。こうした貴重な人材の中でも、優先順位と業績の両面において、ダドリー・バックは傑出した存在である。彼は、停滞していた発酵を、活気に満ちた健全な沸騰へと変える強力な推進力、あるいは触媒として機能した。古代ギリシャの進化論者が言うように、アメリカの俗物主義という原始的な泥沼に、最初の進歩をもたらしたのである。

これ以上にニューイングランドらしい祖先を見つけるのは難しいだろう。一族の創始者はすぐにイングランドからやって来た。166メイフラワー号が上陸した 後、バックはプリマス植民地のダドリー総督にちなんで名付けられた。彼は1839年3月10日にハートフォードで生まれた。彼の父親は裕福な海運業者で、南北戦争中、彼の船の1隻が、メリマック号の役目を潰した重要な航海で、モニター号 をニューヨークからモンロー要塞まで曳航した 。

バックは商業音楽家を目指していたものの、通奏低音とフルートの楽譜を借りて、自らの音楽的才能を開花させようと試みた。フルートはメロディオンに取って代わられ、16歳でピアノという当時としては珍しい楽器を手に入れた。（今ではもっと珍しい楽器であってほしいものだ！）彼は数回のレッスンを受け、教会オルガンを演奏して給料をもらった。ささやかなことではあるが、彼にとってかけがえのない財産となった。

トリニティ・カレッジの3年生になった後、彼は両親を説得して音楽の道に進み、それはほとんどスキャンダラスなことだった。167 当時のニューイングランドの人々の心の中では、まだブルーロー（日曜休業法）の面影が残っていた時代において、それはキャリアだった。

19歳の時、彼はライプツィヒに行き、同地の音楽院に入学した。そこで、ハウプトマンとE・F・リヒターに作曲を、リーツにオーケストレーションを、モシェレスとプレイディにピアノを師事した。その後、ドレスデンに移り、シュナイダーにオルガンを師事した。

ドイツで3年間過ごした後、パリで1年間学び、帰国してハートフォードに教会オルガニスト兼教師として定住した。彼は15年間続くオルガンコンサートツアーを開始した。彼はほぼすべての主要都市と多くの小さな町で演奏し、古典作品を人々の心に届けるために必要な、あの熱のこもった解釈によって最高の音楽を普及させた。1869年、彼はシカゴの「母教会」に招かれた。シカゴ大火で彼は多くの貴重な楽譜を失ったが、その中にはコンサート序曲も含まれていた。168 ドレイクの絶妙な詩「罪人フェイ」は、特に惜しまれるに違いない。彼は家族をボストンに移し、10日後にはセント・ポール大聖堂のオルガニストの職に就き、その後ミュージック・ホールの「偉大なオルガン」の責任者となった。そのオルガンは、アーテマス・ウォードが実に魅力的に描写したオルガンである。

1875年、バックの作品を数多く演奏してきたオーケストラの指揮者、セオドア・トーマスは、シンシナティ音楽祭とニューヨークのセントラルパーク・ガーデンで行われた最後のコンサートシリーズで、バックをアシスタント指揮者に招いた。バックはこの誘いを受け入れ、ブルックリンに居を構えた。以来、彼はホーリー・トリニティ教会のオルガニスト、そして自身が創設し、高い水準にまで高めたアポロ・クラブの指揮者として、ブルックリンに留まり、同クラブのために数多くの男声合唱曲を作曲した。

バックは教会の仕事に深く関わってきたため、自然と主に宗教音楽の分野に進み、このジャンルの作曲では169 多くの権威者から、アメリカの作曲家の中でも最高位に位置づけられている。オルガン独奏曲、ソナタ、行進曲、パストラーレ、ロンド・カプリス、多数の演奏会用編曲作品に加え、ペダル・フレージングのための練習曲集や、様々な音楽的主題に関する重要な論文も数多く執筆している。彼の2つの「モテット集」は、深みと温かさのある宗教的なプロテスタント音楽を渇望していた教会の聖歌隊にとって、爽快な安らぎとインスピレーションとなった。

カンタータ形式においても、バックは重要な地位を占めている。1876年、彼は南部詩人シドニー・ラニアーが記念のために書いた詩「コロンビア百周年記念瞑想」に曲をつけるという栄誉に浴した。これはフィラデルフィア万国博覧会の開会式で、1000人の合唱団、オルガン、そしてセオドア・トーマス指揮による200人編成のオーケストラによって演奏された。1874年には、「ドンの伝説」の韻文版を作曲した。170 アーヴィングの『アルハンブラ宮殿』から「ムニオ」を抜き出し、小編成のオーケストラと合唱団のために作曲した。小規模都市の合唱団の編成にも容易に対応できることから、彼の最も人気のある作品の一つとなっている。

ワシントン・アーヴィングの影響は、バックのカンタータ「コロンブスの航海」にも見られる。このカンタータの台本は、アーヴィングの「コロンブスの生涯」から取られている。6つの夜の場面、「パロスの聖ジョージ礼拝堂」、「 サンタ・マリア号の甲板」、「晩課の賛歌」、「反乱」、「遠いアンダルシア」、「陸と感謝」から構成されている。バックの巧みな合唱の扱いとソロにおける劇的な感覚を発揮する機会は明白であり、この作品はアメリカとドイツの両方で頻繁に上演され、大きな成功を収めている。実際、バックは英語の台本だけでなくドイツ語の台本も作成し、多くの作品の歌詞を書いている。彼の最大の作品は「アジアの光」である。1711885年に作曲され、サー・エドウィン・アーノルドの叙事詩に基づいている。上演時間は2時間半で、バックの音楽にありがちな成功を収めている。ロンドンではノルディカ、ロイド、サントリーといったソリストを招いて上演された。当地でも時折上演されている。

彼は作品の大部分をアメリカ詩、特にラニアー、ステッドマン、ロングフェローの作品から着想を得ており、ロングフェローの「オラフ王のクリスマス」と「ニダロスの尼僧」に曲をつけたほか、自身の作品「黄金伝説」はシンシナティ音楽祭の大規模なコンクールで1000ドルの賞金を獲得した。彼の作品はAJグッドリッチの「音楽分析」で詳細に分析されている。

[聞く]

音楽

著作権は1893年、G.シャーマーに帰属します。

澄み切った空気の高みで、
心の願いのように高く、
憧れと情熱の炎の中で、
鳥は甘く美しく歌います。
陽光が力強く、
歌の喜びに応え、
春、美しい春がやって来ます！

バック氏著『春の目覚め』からの抜粋。

ここでも、スコットの「マーミオン」の交響的序曲と同様に、バックはワーグナーのライトモチーフの考え方を採用し、さまざまな登場人物とそのさまざまな感情を音楽的に区別する鮮やかな手段として用いている。しかし、彼の音楽は特にワーグナー的ではない。173 他の点では異なるものの、彼の個性の裏には、古き良きカノンとフーガの様式と、イタリア特有の朗唱的で円熟した旋律の傾向が融合しているように見える。

バックが時折世俗的な歌曲を作曲する際に、イタリアのアリアやイギリスのバラードの様式にあまり囚われず、シューマンやフランツ・カプールが体現した、より新しく高貴なリートの精神をもっと取り入れてくれていたらよかったのにと思う。多くの若いアメリカ人作曲家が、それを大成功させ、少なからぬ高揚感をもって実践しているように。例えば、シドニー・ラニアーの「日没」のような詩が持つ情熱的な完璧さ、そしてそうでなければ抑え込まれてしまう炎に対して、旧来のバラードがいかに不十分であるかに注目してほしい。

しかし、宗教音楽の分野において、バック氏は独自の地位を確立しており、その音楽は優雅さと威厳をもってその地位を占めている。174

ホレイショ・W・パーカー。

ホレイショ・W・パーカーのサイン

ニューイングランドの音楽活動において賛美歌が占める巨大な位置を考えると、その作曲家のほとんどが賛美歌的な傾向を示すのも不思議ではない。バックとパーカーはどちらもニューイングランド出身である。

ホレイショ・W・パーカー

パーカーは1863年9月15日、マサチューセッツ州オーバーンデールで生まれた。彼の最初の音楽教師は母親だった。母親はオルガン奏者で、パーカーに徹底した音楽技術教育を施した。その技術は後にラインベルガーから最高の称賛を受け、ラインベルガーはパーカーに新作オルガン協奏曲の初演を託した。 175スティーブン・A・エメリー、ジョン・オース、G・W・チャドウィックに師事してボストンで研鑽を積んだ後、パーカーは18歳でミュンヘンへ渡り、そこでラインベルガーの特別の寵愛を受け、王立音楽学校管弦楽団によって様々な作品が演奏された。ヨーロッパで3年間過ごした後、アメリカに戻り、セント・ポールズ・スクールの音楽監督に就任した。その後も様々な役職を歴任し、1894年からはイェール大学のバトル音楽教授を務めている。

彼のかなり堂々たる作品リストには、交響曲（1885年）、オペレッタ、演奏会用序曲（1884年）、ミュンヘンとロンドンで上演された序曲「レグルス」（1885年）、ニューヨークで上演された序曲「パリのロベール伯爵」（1890年）、合唱とオーケストラのためのバラード「トロイア王」（1885年にミュンヘンで上演）、女声合唱とオーケストラのための詩篇第23篇（1884年）、牧歌（1891年）、「ノルマン人」、「176 合唱と管弦楽のための「コボルド」と「ハロルド・ハーファガー」はすべて1891年の作品で、オラトリオ1曲、カンタータ3曲以上、その他室内楽曲もいくつかある。彼の作品数はすでに43に達しており、オルガンやピアノのソロ曲、賛美歌、歌曲といった大作によってわずかに増えている。1893年にはカンタータで国立音楽院賞を受賞し、1898年には無伴奏合唱曲でマッカッグ賞を受賞した。

パーカーのピアノ曲や世俗歌曲は多くはない。それらはむしろ、主に大規模な宗教音楽に傾倒していたファンたちの、付随的な遊びや娯楽といった趣である。

作品19は「4つのスケッチ」から成り、そのうち「エチュード・メロディーズ」は、細かなメロディーがさらに細かなアルペジオの波で囲まれた、あの過剰な様式で必要十分な出来栄えである。「ロマンツァ」は叙情的で楽しいが、「スケルツィーノ」は177 セロリのように美味しく、歯ごたえがあり、シューマンを彷彿とさせるだけでなく、彼の持つクールな音色や作風を多く取り入れている。

「5つの特徴的な小品」は全体的に優れている。「スケルツォ」は遊び心にあふれ、ベートーヴェン風に優しく愛に満ちた間奏曲となっている。この真摯さは、極めて哀愁を帯びた終結部によってさらに強調されている。「カプリス」は華やかで気まぐれな曲で、アクセントにやや奇妙な効果が見られる。「ガヴォット」は珍しい三連符の使い方をしているが、優れたガヴォットに不可欠な、貴重な情熱の源泉が欠けている。

しかし、この熱意は彼の「即興曲」にも欠けておらず、彼の「エレジー」を傑作たらしめている。おそらく小声楽作品の中では最高傑作と言えるだろう。この作品は全体的に哀愁に満ち、最も陰鬱な深みで強烈な感情を湛え、ショパンの「葬送行進曲」のように激しい叫び声を惜しみなく発し、そして178 最後には途方もない情熱へと至る。それは、うっとりするほど流麗なアルペジオ、いわば「メロディアスな涙」へと収束し、ショパンのきらめく「子守歌」と似たような効果を、やや異なる形で生み出す。この注目すべき作品は、左手が低音で荒々しさをつぶやき、右手が軽やかな装飾音に忙しい間奏曲によって損なわれている。これは、ベートーヴェンの「月光ソナタ」第1楽章の終結部のあまりにも忠実な模倣である。左手の伸びやかな跳躍もまた、ベートーヴェンの特徴である。

パーカーの音楽表現は、どちらかというと古風だ。つまり、物語的なスタイルと言えるだろう。彼は主題を魅力的な筋書きとして描き、華麗な脱線や付随的な描写を必要とせず、それ自体で十分に魅力的だ。彼の作品にはイタリア的な手法が見られる。彼は、メロディーや主題は難解な和声によってのみ損なわれ、179 気晴らし。色彩の可能性への配慮の欠如と、冷たく灰色がかった音色への単調なまでの忠実さが、彼の特徴と言えるかもしれない。簡素で冷たいオクターブへの彼の愛着は顕著である。それは、彼の「オクターブのないピアノのための6つの抒情詩」の不成功によって強調されている。それらはどれも価値が薄く、「ノヴェレット」は危険なほどシューマン的である。

「三つの恋歌」は陽気で、「恋の追跡」はベドーの詩の皮肉と気まぐれさを保っている。「オルサメの歌」は滑らかで優雅で、最後には「悪魔が彼女を連れて行ってくれ！」という、よく言い放たれた唐突な言葉で終わる。「ジュリアへの夜の小品」は特筆すべき作品だ。ロビン・ヘリックほど歌詞に曲をつけるのが難しい詩人はいないだろう。彼の詩には、普通の音楽とは相容れない独特のリズムがある。しかし、パーカーはこの作品で完全に成功している。神秘的で夜のようなカリヨンの伴奏は、ヒメツリガネソウのように繊細で、突然別の方向へと移る。 181曲の最後に力強い爆発が起こるのを、見事に支えている。

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音楽

著作権 © 1886 Arthur P. Schmidt & Co.

夜の星々は、数えきれないろうそくのように
、あなたに光を貸してくれるでしょう
。
さあ、ジュリアよ、私にあなたを求愛させてください
。こうして私のところへ来てください。そして、 あなたの銀色の足
に出会ったとき 、私の魂をあなたに注ぎ込みます、 私の魂をあなたに注ぎ込みます。

パーカー氏の歌「ジュリアへの夜想曲」の断片。

「六つの歌」には、私がパーカー氏の作品の多くに否定してきた現代性と色彩の豊かさが少なからず表れている。「ああ、私に尋ねないで」はまさにインスピレーションの結晶であり、意外な音程を巧みに用いた、うっとりするほど美しい曲だ。「エジプトのセレナーデ」は斬新で美しい。他の曲も素晴らしく、「騎兵隊の歌」のコミカルなオペラ風の雰囲気さえも、そのキャッチーな旋律によって救われている。

パイプオルガンのための数多くの作品の中で、「幻想曲」ほど、オルガン奏者が陥りがちな目的のない散漫さが顕著に表れている作品は少ない。作品20の「メロディーと間奏曲」は、軽快でユーモラスな曲である。作品17の「アンダンテ・レリジオーソ」は、実際にはアレグレットの効果があり、宗教的な練習曲というよりは、陽気な牧歌としての方がはるかに優れている。これは、公言されている「牧歌曲」（作品20）よりもはるかに牧歌的で、ほとんど182 リードやパイプの音色をオルガンで活かした「エクロッグ」も同様に素晴らしい。「ロマンツァ」はまさに珠玉の一曲。スウェルでレガートに演奏されるアリアの伴奏と、グレートでスタッカートで奏されるアリアのエコーが、チャーミングで古風な効果を生み出している。間奏曲は優美なメロディーで、見事にまとめられている。2つの「コンサート・ピース」は、扱いが非常にシンプルで、技巧的な練習というよりは感情表現であるという稀有な長所を持っている。情熱的な「凱旋行進曲」、楽しい「カンツォネッタ」、そして重厚でありながら豊かでよく調律された色彩を持つ高貴な「ラルゲット」が、彼のオルガン作品のリストを締めくくる。これらの作品はどれも過度に凝ったものではない。

パーカーは聖歌に重要な貢献をしてきた。荘厳でありながら情熱的な「聖餐式のための朝夕の礼拝」全曲に加え、彼は数々の歌曲や賛美歌を作曲している。183

しかし、彼を凡庸さから一段上の存在へと押し上げたのは、傑作「Hora Novissima」である。12世紀以来有名で、ラテン語の韻律のまろやかさで音楽化されたクリュニーのベルナールの詩「De Contemptu Mundi」の3000行のうち、作曲家の母であるイザベラ・G・パーカー夫人は210行を翻訳した。この英語訳は、次の無作為な類似例が示すように、大まかな言い換えに過ぎない。

Pars mea, Rex meus, 最も力強く、最も聖なる、
In proprio Deus、 栄光はどれほど偉大か、
イプセデコレーション。 あなたの玉座は包み込む。
あるいは、こんな巧みな回避策もある。

トゥンク・ヤコブ、イスラエル、 長い歴史すべて、
リア、レイチェル すべての深い謎
有効。 幾世紀にもわたって隠されてきた。
しかし、文字通りの解釈というカリュブディスを避けるためには、その方が良いのかもしれない。

ロッシーニの「スターバト」を非難する人々は184 宗教的というよりは演劇的な熱意を持つ「マター」は、パーカーの作品に、純粋に教会的な部分だけでなく、同じ欠点を見出すだろう。彼の悲しみは不機嫌になりがちだが、精神的にも扱いにおいても壮大な部分が多い。この作品は、メンデルスゾーン風の扱いを頻繁に行っている。詩がほとんど残されていないので避けられたかもしれない古風な表現は、意味の空虚さや陳腐さを全く無視して、同じ言葉を際限なく繰り返す悲しいヘンデル風のスタイルである。そのため、「Pars mea, Rex meus」という言葉は、アルトによってちょうど13回繰り返される！これは、誰もが認めるように不吉な数字であり、特に他の声部が同じ不吉な言葉を音楽のバトルで投げ続けていることを考えると、なおさらである。

この作品（1892年に作曲され、1893年に初演され、ほぼセンセーショナルな成功を収めた）の特に優れた部分は、壮大な冒頭の合唱、ソプラノのソロ、大きくて情熱的な185 第1部のフィナーレ。おそらく全曲の中で最も独創的でスリリングな、見事なテノール独唱「ゴールデン・エルサレム」は、あらゆる点で変化に富み、精緻に練り上げられ、力強く展開され、壮大で効果的な二重合唱「スタント・シオン・アトリア」への準備として最適である。この壮大な構成は、その野心的な試みが技巧によって十分に実現されている。独創的なアルト独唱、そしてやや長めではあるが、素晴らしいフィナーレ。この作品について、WJヘンダーソンのような慎重な批評家は次のように書いている。

「彼の旋律のアイデアは豊富であるだけでなく、美しく、優雅で、時には見事に力強い。近年制作された純粋な教会ポリフォニーの最高傑作の一つと言える無伴奏合唱曲がある。ホブレヒト、ブリュメル、あるいはジョスカン・デ・プレが作曲したと言われてもおかしくないほどだ。これ以上の賛辞はあり得ない。オーケストレーションは驚くほど豊かである。全体として、この作品は現代における最も優れた業績の一つ​​として位置づけられるだろう。」

186そして、非常に目の肥えた音楽愛好家であるフィリップ・ヘイルは、合唱曲「パルス・メア」を次のように評した。

「傑作、真の教会音楽」であり、「ヨーロッパの著名な作曲家なら誰でも喜んで署名するだろう……。無伴奏合唱団には限りない賞賛しかない……。言​​葉を天秤にかけるならば、この国、いやイギリスに、生まれつきの才能と努力によってこの11ページを書き上げた人物はいないと断言できる……。パーカー氏の準オペラ的な傾向については既に述べたが、彼は現代人である。この作品において、彼は古代の宗教音楽に対する深い理解と熟練ぶりを示している。しかし、現代人である彼は、宗教音楽における劇的な力を感じざるを得ない……。だが、彼が最も深く、最も崇高で、比類なき至福を体現しているのは、パレストリーナとバッハの言葉遣いである。」

1899年9月、この作品はロンドンでパーカーの指揮により大成功を収めて上演された。

これに加えて、いくつかの世俗的な187 カンタータ、特に「トロイア王」は、トロイア王の歌いやすい旋律と繊細なニュアンスに満ちた伴奏、そしてハープ伴奏による小姓の歌が実に素晴らしい。さらに、アーロ・ベイツの詩「コボルド」には、パーカーが蜘蛛の糸のように繊細な音楽を添えている。

彼の最新作は聖クリストファーの伝説を題材としており、機会があればいつでも大規模で複雑な楽曲を作曲する才能を発揮している。一方で、この作品はパーカーの弱点も露呈している。台本には、対比のために必要だと考えたと思われるものの、物語には明らかに不要な恋愛エピソードがいくつか盛り込まれているのだ。例えば、王妃のキャラクターは全く役に立たず、むしろ不穏な印象を与える。王と王妃の恋愛シーンは、トリスタンとイゾルデを不快に連想させる。また、作品全体を通して絶えず下降音階が用いられている。188 伴奏の楽曲は、サン＝サーンスの「サムソンとデリラ」を絶えず想起させる。

しかし、欠点はあるものの――欠点はどこにでも見つかるものだが――パーカーの作品には優れた点もある。悪魔と聖なるラテン語賛美歌を歌う者たちの闘いは、タンホイザー効果を巧みに利用している。大聖堂の場面では、合唱隊を大規模に用いるパーカーの手腕が非常に大きいことがわかる。川の波が船歌のように押し寄せる様子は魅惑的に描かれており、泣き叫ぶ子供の声も効果的に導入されている。巨人クリストファーが嵐の中で歌う歌は特に素晴らしい。

フランク・ファン・デル・スタッケン。

フランク・ファン・デル・スタッケン。

私たちの音楽のために立ち上がる能力と勇気の両方を持っていた人々の名簿には、フランク・ヴァン・189 デア・シュトゥッケンは高く評価されるべき人物だ。生まれや育ちといった点では、彼のアメリカ人らしさは非常に希薄だが、彼は自国の音楽に対する情熱によって帰化を勝ち取ったのだ。

ファン・デル・ストゥッケンの生涯は、労苦と栄誉に満ちていた。彼は1858年、テキサス州フレデリックスバーグで、ベルギー人の父とドイツ人の母の間に生まれた。南北戦争後、父は南軍のテキサス騎兵隊大尉として従軍し、一家はベルギーに戻った。アントワープでファン・デル・ストゥッケンはブノワに師事した。彼の作品は教会で演奏され、王立劇場ではバレエとして上演された。

1878年、彼はライプツィヒで学び始め、ライネッケ、グリーグ、シンディングといった重要な人物と知り合った。彼の最初の男声合唱曲はそこで歌われ、大成功を収めた。9曲からなる彼の第5作目について、エドヴァルド・グリーグは熱烈な批評を書いた。しばらく旅をした後、ヴァンは190 デア・シュトゥッケンはブレスラウ市立劇場の楽長に任命された。これが彼の指揮者としてのデビューとなった。ここで彼はシェイクスピアの「テンペスト」に基づく有名な組曲を作曲し、国内外で上演された。また、ここで彼はワーグナー風の重要な作品である「祝典歌」と、情熱的な「愛の小ページ」を作曲した。「愛の小ページ」は、彼の抒情劇「ヴラスダ」の出版された部分とともに、多くの著名なオーケストラによって演奏されている。

1883年、ファン・デル・シュトゥッケンはワイマールでリストと出会い、リストの後援のもと、自身の作品によるコンサートを開催した。このコンサートは、グリーグ、ラッセン、リストをはじめとする多くの著名な音楽家から称賛を受けた。ある著名なドイツ人評論家は、この演奏会について「音楽界に新たな星が誕生した」と評した。

ファン・デル・スタッケンはニューヨークの有名なアリオン男声合唱団の指揮者に招かれ、その職を191 11年間で目覚ましい成果を上げた。1892年には合唱団を率いてヨーロッパツアーを行い、各地で最高の称賛を浴びた。

1885年以降、ファン・デル・シュトゥッケンはオーケストラによる「ノベルティ・コンサート」を指揮しました。これは、アメリカ人作曲家による交響曲を初めて世に送り出したという点で歴史的に重要な意義を持っています。ベルリンとパリでも、彼はアメリカの音楽家たちに公開演奏の機会を与えました。1891年から1894年にかけては、北東部合唱団の改革に尽力し、5000人の男性歌手に難曲を芸術的に歌わせるという途方もない偉業を成し遂げました。1895年以降、ファン・デル・シュトゥッケンは新設されたシンシナティ交響楽団の指揮者を務めるとともに、同市の音楽大学の学部長も務めています。間違いなく同時代で最も重要な音楽家の一人である彼の影響力は、シンシナティをかつての音楽的名声へと再び導いています。192

作曲家としてのファン・デル・ストゥッケンは、組織者としての彼と同様の独創性と力強さを発揮している。オペラ「ヴラスダ」（作品9）の前奏曲は、情熱的な甘美さに満ちた、長く続く恍惚の音楽であり、楽器編成も見事である。この曲は、ホレイショ・W・パーカーによってピアノ連弾用に編曲されている。

ファン・デル・シュトゥッケン作曲の「テンペスト」（作品8）の音楽は、3つの形式で出版されている。オーケストラ譜の他に、A.シロティによるピアノ独奏版があり、「小人の踊り」「ニンフの踊り」「刈り入れ人の踊り」が収録されている。特に小人と刈り入れ人の踊りは優れた編曲となっている。ハンス・シットは、これら3つの踊りに加え、短くも内容豊かな「悪魔払い」、華麗なメロドラマティックな音楽、そして不気味なグロテスクな「カリバンを追う猟犬」を連弾用に編曲している。これらの作品はいずれも、繊細な想像力と芸術的な技巧によって生み出されている。193

ピアノ独奏曲としては、3つの小品（作品7）がある。1つ目は、不思議な薄茶色のアルバムブラット。2つ目は、奇妙な気まぐれによるカプリチェット。3つ目は、「五月の花」と呼ばれる美しい小品である。

ファン・デル・シュトゥッケンの歌曲集は2つのグループに分けられており、1つ目はリュッケルトの5つの恋愛歌詞に曲をつけたものです。最後の曲を除いて、どれも2ページを超える長さではありません。最高の現代リート様式で書かれており、全く陳腐ではありません。常に予期せぬ出来事が起こりますが、この予期せぬ出来事はほとんどの場合、正しい結果をもたらします。彼は無理な表現や誇張をすることなく、見事なクライマックスに到達し、奇抜さもなく個性を貫き、彼の歌曲はまさに歌詞の真髄を体現しています。この5曲のうち、「薔薇が咲くとき」は素晴らしく情熱的な作品であり、「時間が過ぎ去る」は想像しうる限り最も美しいエンディングの一つを持ち、「私は今、それを持っている」は深い感動を呼び起こします。 195簡潔さの中に深い意義があり、連続するオクターブを禁じる規則を破ることで終わるその結末は、規則破りが往々にしてもたらす不快な効果のように、見事な効果を生み出している。「Liebste, nur dich seh’n」は情熱的な叙情歌であり、「Wenn die Vöglein sich gepaart」は華麗でトリルが効いているが、それは正当なものであり、コンサートで頻繁に演奏されるだろう。実際、これらの歌曲は単なる旋律以上のもの、すなわち表現なのである。

[聞く]

音楽

著作権は1892年、ベルリンのフリードリヒ・ルックハルトに帰属します。
ルックハルト＆ベルダー社（ニューヨーク）の許可を得て掲載しています。

Der Stunde sei geflucht,
wo ich dein Herz geucht,
wenn in dir diese Liebe
stattmilder Freudentriebe
soll tr​​agen herbe Frucht!
Gesegnet ist die Stunde,
sprach sie mit süssem Munde,
mir ist kein Leid geschehn
den Himmel fühl’ ich stehn
in meines Herzens Grunde. 呪いに満ちたあの時、
私があなたの心を求めたあの時、
もし私が愛を捧げ、
喜びを知る代わりに
苦い悲しみを買ってしまったのなら、
「あの時、私の魂は永遠に祝福される」と、
バラ色の唇が告白する。
「あなたの愛こそが私の切望するすべてです。
ならば、天国そのものが
私の心の奥底にあるのです。」

Mr.の断片ヴァン・デル・シュトゥッケンの『DIE STUNDE SEI GESEGNET』。

低音声のための8曲からなる第2グループのうち、「O Jugendlust」は若々しい恍惚感に満ち溢れ、「Einsame Thräne」は陰鬱な雰囲気と壮大なクライマックスを持つ、見事な色彩感に溢れた曲です。「Seeligkeit」は感情豊かで、ハーモニーも魅惑的で、「Ein Schäferlied」は絶妙な美しさを誇り、「Von schön Sicilien war mein Traum」はラッセンのスタイルで始まりますが、その繊細なメロディーメーカーをはるかに凌駕する力強さと活気で終わります。これらのグループの他に、豊かな叙情性を持つ「Moonlight」や、多くのパートソングがあります。196

長年前に作曲され、ワイマールでフランツ・リストによって初演された、非常に重要な作品が、1899年にシンシナティとニューヨークでアメリカ初演を迎えた。これはハイネの悲劇「ウィリアム・ラトクリフ」の交響的プロローグである。悲劇の様々な心理的局面は、互いにせめぎ合う特徴的なモチーフによって表現されている。スコットランドの舞台設定は鮮やかに示され、恋人たちの絶望は、主要なモチーフの歪みと引き裂きによって一箇所に集約されている。鐘の音を伴う挽歌と、容赦ない運命への最後の思索と諦めが、情熱を博識かつ現代的に駆使したこの作品に、威厳ある終幕を与えている。

WWギルクリスト。
賞を競う競争には、疑いなく弊害がある。そして、地位が安定した場所においては、おそらく弊害の方が利点を上回るだろう。197 しかし、アメリカ音楽においては、それは大規模な作品制作を物質的に後押しする効果があった。第一に、受賞できなかった者も刺激を受けて行動を起こし、少なくとも努力に見合う報酬を得ることができた。第二に、受賞できた者は数百ドルもの収入を得ることができ、飢えた人々に空腹の歌よりも効果的な賄賂を差し出すことができるようになった。

フィラデルフィア市には、数々の賞を受賞する並外れた幸運を持つ作曲家が住んでいる。この大きく歴史ある都市は、独創的な音楽の創作活動で特筆すべき場所ではない。実際、「音楽家にとって最大の恥辱はそこに住むことだ」と評する人もいる。この都市で著名な作曲家はウィリアム・ウォレス・ギルクリストただ一人だが、彼はイギリスを代表する作曲家の一人である。特に興味深いのは、彼が純粋なイギリス生まれの作曲家であり、海外留学を一度も経験していないにもかかわらず、イギリスの作曲家の中でも傑出した地位を築いている点である。198 作曲の形式。彼は1846年1月8日にジャージーシティで生まれました。父親はカナダ人、母親はこの国の出身で、両親とも音楽に長けており、彼の家庭生活は音楽、特に古い教会音楽で満ちていました。普通の学校生活を送った後、彼は写真、法律、ビジネスなどさまざまな仕事に挑戦しましたが、音楽が彼を惹きつけ続けました。優れたバリトンの声から声楽協会に入会し、フィラデルフィアのH.A.クラーク博士に声楽、オルガン、作曲を学んだ後、ついに音楽を職業としました。彼は数年間オラトリオのソリストとして成功しましたが、次第に教会での仕事や指揮、作曲に専念するようになりました。ただし、彼の音楽は32歳になるまで出版されず、その年にフィラデルフィアのアプト男性合唱協会から2つの賞を受賞しました。

アプト協会賞を受賞した直後、彼はメンデルスゾーン財団から3つの賞を受賞した。199 彼はニューヨーク・グリークラブに所属し、1884年にはシンシナティ・フェスティバル協会が提供する1000ドルの賞金を獲得した。

この最後の功績は、ソプラノ独唱、合唱、オーケストラのための詩篇第46篇の編曲によって得られたものである。序曲は高貴なアンダンテ・コンテンプラティーフで始まり、その形容にふさわしいが、しばらくするとやや退屈な雰囲気に陥り、最後の句点でようやくそこから抜け出す。冒頭の合唱「神は我らの避難所、我らの力なり」は、私にはやや陳腐で空虚な主題に基づいているように思われ、それを勇敢で古風で大げさなカノン様式で、まるでシャトルコックのように扱っているが、それは科学と労働以外にはほとんど意味を持たない。しかしながら、AJ・グッドリッチは著書『音楽分析』の中で、この合唱の「力強さと威厳」を称賛し、主題を引用しながら作品全体を詳細に分析していることを述べておくべきだろう。詩篇全体としては、古い旋律に基づいているものの、200 これらの歌詞、そしてソロ曲「神は彼女の真ん中にいる」は、特にコーラスによって見事に歌い上げられている。「異教徒の怒り」もまた、非常に巧妙に構成されたコーラスである。

カンタータ「祈りと賛美」も同様に型にはまった作品で、繰り返しが多いという欠点はあるものの、力強い要素も多く含まれている。

メンデルスゾーン・グリークラブのために書かれた3つの賞受賞男性合唱曲のうち、「太陽への頌歌」は最も成功していない。ヘマンズ夫人の大げさな歌い方に合わせて書かれており、まさにヒステリックで、時折、ほとんど叫び声のように聞こえる。「秋に」はより静かで、陰鬱な作品だが、最後には見事な爆発が見られる。「人生の旅」はアンダンテ・ミステリオーソで、ブライアントの詩の陰鬱さを捉えており、ギルクリストが得意とする声の織り交ぜる技法をうまく活かしている。

「The Uplifted Gates」は、ソプラノと201 アルトの声部による作品で、精緻で温かみがあり、輝かしい。より軽やかなトーンの作品としては、歌詞はやや安っぽいものの、明るい音楽と豊かなエンディングを持つ三重唱「春の歌」と、女性合唱による優美で繊細な合唱「海の妖精」がある。後者には4手ピアノ伴奏が付いている。同じく女性合唱という難曲の枠内には、滝のように優雅で銀色に輝く、比類なき美しさを持つ「泉」がある。その作風ではなく、完成度の高さから、ワーグナーの「ラインの乙女」という最高傑作を彷彿とさせる。ギルクリストの合唱曲のピアノ伴奏が、作品全体の印象を一層引き立てている。

ローウェルの詩「薔薇」を独唱と合唱のために編曲したこの作品は、実に魅力的な作品である。孤独な詩人と孤独な乙女の陰鬱さは、二人の出会いの恍惚感と強いコントラストを成している。詩の前半は陰鬱ながらも旋律的で、後半は歓喜に満ち溢れ、そして結末は深い優しさに満ちている。202

しかし、これらの合唱曲の中で間違いなく最高なのは、ヘマンズ夫人による素晴らしい戦いの歌「曲がった弓の伝説」である。言い伝えによると、古代ブリテンでは、曲がった弓を持った使者が人々を戦争に召集した。この詩は、様々な愛国者に呼びかける様子を描いている。刈り手は立っている穀物を放っておくように、猟師は狩りをやめるように命じられる。族長、王子、母親、姉妹、恋人、吟遊詩人など、あらゆる人々が呼びかけられ、勇気を奮い起こすように諭される。各エピソードの後に​​は「そして弓は渡った」という言葉が続くが、音楽が巧みに管理されているため、このような繰り返しの危険性は、厳粛な力へと転換されている。唯一の前奏曲は、ホルンの5回の大きな響きである。声部での模倣とユニゾンの頻繁な使用により、力強い活力が生み出されている。合唱曲は全体を通して、最も強烈で叙事詩的な力、ほとんど野蛮さで特徴づけられている。壮大な武勇。クライマックスは壮大だ。確かに203 この国でこれまでに行われた同種のものの中で、最高傑作と言えるでしょう。

もう一つ、全体的に質の高い作品として、独唱、合唱、オーケストラのための「クリスマスの牧歌」がある。前半は、際立った簡潔さによって、恐ろしいほどの重苦しさが表現されている。後半はより明るいトーンで、独唱曲「そして汝、ベツレヘム」は特に高揚感に満ちている。自筆譜には、独唱、合唱、オーケストラまたはオルガンのための大規模な作品「イースターの牧歌」も存在する。

個々の歌曲には、ギルクリストが初期に受けた賛美歌の訓練の影響が明白に表れている。シューマンやフランツの後期の手法を踏襲しているのはごくわずかである。「疑いの歌と信仰の歌」はおそらく彼の最高の声楽ソロである。それは、皮肉な絶望に満ちた嘆きで始まり、そこから突然、陽気なアンダンテへと変化する。「二つの村」は、いわゆる日曜日のバラードの伝統的な形式に沿った力強い作品である。「挽歌204 「夏」は際立った独創性を持ち、ギルクリストのミューズに特にふさわしい、深い思索に満ちている。スコットランド民謡は魅力的で、「私の心は悲しい」は繊細な感情に溢れ、バーンズのこの詩に曲をつけた数多くの作品の中でも最高傑作の一つに数えられるべきだろう。

ギルクリストのボーカルソロの中で最も現代的な感覚を持つのは、「8つの歌」のグループである。歌詞は忠実に解釈され、伴奏も歌に調和しているが、それぞれ独自の個性も備えている。「恋の歌」は優しく、伴奏もよく練られている。「海の声」は効果的だが、アルドリッチの詩の持つ大きなシンプルさには及ばない。「秋」は実に陽気で、「ゴールデンロッド」は華麗で優雅であり、「遠い昔」は古風である。「子守唄」は、この使い古された形式の中で、実に斬新なリズムを持っている。

ラブソング。
[聞く]

作：バリー・コーンウォール。音楽：WW・ギルクリスト。

音楽

著作権 © 1885 Arthur P. Schmidt & Co.

私が生きても
死んでも愛して。
私にとって生と死は、
あなたがそばにいてくれるなら、どうか愛して。
私にとって生と死は、
あなたがそばにいてくれるなら、
どうか愛して。

断片。

光と光の間には大きなコントラストがある206彼の著書『子供のための歌』の素晴らしさ、そしてキプリングの『退場曲』の重厚な作曲も特筆に値する。ポール・ローレンス・ダンバーの『南部の子守唄』の扱い方も独特で、手書きの歌曲「マイ・レディ」と「理想」も注目に値する。

ギルクリストは膨大な量の宗教音楽を作曲しており、その中にはいくつかの「テ・デウム」も含まれている。私の考えでは、ハ長調と変イ長調のものが最高傑作である。ピアノ曲は、一連の二重奏曲を除いてほとんど作曲しておらず、その中でも魅力的な「メロディ」と心惹かれる「スティリエンヌ」が傑作である。

しかし、彼が最も高く評価されているのは、管弦楽曲である。これには、フルオーケストラのための交響曲（これは頻繁に演奏され、成功を収めている）、管弦楽のための組曲、ピアノと管弦楽のための組曲、そして弦楽器と管楽器のための九重奏曲、五重奏曲、三重奏曲などが含まれる。これらの作品はいずれも出版されていないが、私は幸運にもいくつかの楽譜を閲覧する機会に恵まれた。207

これらの作品の精神と扱いは、非常に古典的である。オーケストレーションは学術的で穏やかではあるが、操作性においても豊かさにおいても、ワーグナー的とは程遠い。交響曲は全く標題音楽ではない。スケルツォは、この上なく陽気で奔放である。そのアクセントは、ベートーヴェンのピアノソナタ（作品14、第2番）によく似ている。オーケストレーションには模倣がふんだんに用いられており、まるで口論のような愉快な効果を生み出している。交響曲は、陽気さに満ちた、躍動感あふれるフィナーレで幕を閉じる。ギルクリストは、より現代的な第2交響曲の作曲に取り組んでいる。

「九重奏曲」はト短調で、アレグロで始まります。このアレグロでは、非常に独創的で厳粛な主題が、限りない優雅さと並外れて豊かな色彩で展開されます。アンダンテは宗教的で、陰鬱というよりはむしろ熱烈です。終結部は特に美しいです。続いて軽快なスケルツォが続きます。これは非常に巧妙に構成されており、その効果は208 楽器間では、異例なほど公平に役割が分担されている。フィナーレは、興味深く精緻なアレグロ・モルトで締めくくられ、「九重奏曲」は意外にも唐突な長調の和音で終わる。

「五重奏曲」の冒頭のアレグロは、スケルツォ風のチェロのソロで始まりますが、他の声部が加わるにつれて、より情熱的なトーンを帯び、恍惚とした美しいムードへと展開し、壮大に終わります。ピアノパートは大きな価値を持ち、弦楽器が奏でる主題を単に装飾するだけでも魅力的です。スケルツォは、その伝染するようなコミカルさにおいて、再びベートーヴェン的な様相を呈しています。最初はピアノがその大部分を担っていますが、終盤に向かうにつれて、他の楽器は装飾を手放し、自らジョークを飛ばし始めます。アンダンテは実に素晴らしい作品です。とろけるような優しさから、情熱的な怒り、そして純粋な気高さまで、幅広い感情を表現しています。ピアノパートは非常に209 精緻に練り上げられているが、他の楽器には学術的で声楽的な個性がある。終盤直前にピアノのカデンツァが現れたのは驚いたが、その優美な輝きは楽章の誠実さと見事に調和していた。「五重奏曲」は壮麗なアレグロで締めくくられる。

この写本には、ヴァイオリンのための興味深い作品が3つ、ラプソディ、パーペチュアル・モーション、そしてファンタジーが収められている。

この最後の曲は、非常に独創的なピアノ伴奏が特徴である。作品の幻想的な雰囲気は、主にその展開部にあり、驚くほど叙情的で、主要主題の断片を基に様々な旋律が美しく構築されている。形式的な部分は一切なく、芸術性と魅力に満ち溢れている。ギルクリストは対位法において最も洗練された作曲家の一人だが、ここでは非常に叙情的な作風を見せている。

彼はフィラデルフィア・メンデルスゾーン・クラブの創設者兼指揮者であり、210概して有能な組織者であり、地元の写本クラブの創設者の一人であり、ハリスバーグにある200人規模の合唱団の指揮者であり、2つの教会合唱団の指揮者でもある。

GWチャドウィック。

GWチャドウィックのサイン

最も洗練され、同時に最も折衷的なアメリカ人音楽家の一人がジョージ・W・チャドウィックであり、権威者たちの一般的な見解では、彼はアメリカを代表する作曲家の一人として位置づけられるべき人物である。

ジョージ・ホワイトフィールド・チャドウィック。

彼の名声は主に2つの交響曲、多数の演奏会用序曲、そして多くの室内楽曲に基づいている。211 高く評価されている。チャドウィックは1854年11月13日、マサチューセッツ州ローウェルで生まれた。両親はアメリカ人で、ボストンでユージン・セイヤーに師事し、ミシガン州オリベットの大学で音楽を教えた後、1877年になってようやく、ライプツィヒでヤダッゾーンとライネッケに2年間、その後ミュンヘンでラインベルガーに1年間師事した。1880年にアメリカに戻り、ボストンに定住。以来、オルガニスト、教師、指揮者として、ボストンの音楽界で重要な人物として活躍している。

彼の数少ないピアノ作品の中には、「6つの特徴的な小品」（作品7）がある。「ショパンの回想」は、ショパンの断片的な主題や示唆を巧みに連ねた興味深い作品である。「エチュード」は、シューマン風のやや単調な練習曲だが、優雅な終わり方をする。「お祝い」は陽気なバガテル、「アイルランドの旋律」は力強く、シンプルで魅力的だが、「スケルツィーノ」は難解な作品である。212 ベートーヴェンの作風にユーモアを交えつつも、巨匠の持つ荘厳さは完全に欠如している。

この作品は、「Please Do!」という、弁解の余地のないタイトルの残念な楽曲で締めくくられている。

明るい「カプリス」が2曲と、素晴らしいワルツが3曲収録されており、中でも3曲目が最も優れている。「BJL」という人物の主題による、夢のような優美な作品で、おそらくBJ・ラング氏のことだろう。

チャドウィックは膨大な量の合唱曲を作曲している。彼の「ラブリー・ロザベル」は合唱とオーケストラのための曲で、多くの独創的な効果で特徴づけられている。彼の「ライターリート」は実に陽気だ。ルイス・キャロルの不朽の名作「ジャバウォック」の作曲は、大学の合唱団のような豊かなユーモアに満ちている。破壊の道具が「スニッカースナック」と鳴る、抗いがたいほど面白いエピソードがあり、

「『ああ、素晴らしい日だ
、カロー、カレイ』
彼は喜びのあまり、くすくす笑った。」

213ヴァイキングが発明されていなかったら、パートソングの作曲家たちはどうしていただろうか？ 最も大きな声を出した歌手に賞を与えるような、男声合唱の荒々しい曲はどこから生まれただろうか？ チャドウィックは、バリトン独唱、男声合唱、オーケストラのための「ヴァイキング最後の航海」（1881年）でこの流れに乗った。この作品によって、彼はこの形式の作曲家の中でも非常に高い地位を占めている。また、力強い「ヴァイキングの歌」や、HBカーペンター牧師の示唆に富む言葉による独唱、合唱、オーケストラのための優れた献呈頌歌（1884年）のほか、混声合唱のためのカンタータ「フェニックス・エクスピランス」と「巡礼者たち」も作曲している。1889年には、合唱とオーケストラのためのバラード「ラブリー・ロザベル」が出版された。この作品には、嵐の場面で興味深い不協和音が用いられている。そして、彼の喜劇オペラ「タバスコ」についても触れておかなければならない。また、膨大な量の宗教音楽も忘れてはならないが、正直に言うと、私はそれを研究する忍耐力がなかった。214 肉体は意欲に満ちていたが、精神は弱かった。

チャドウィックの楽曲の中には、極めてシンプルなハーモニーでまとめられたブルターニュの旋律集がある。その他には、永遠の花の歌として十分な出来の「陽気な小さなタンポポ」、芸術的な要素が1、2箇所ある以外は駄作である「過ぎ去りし日々」と「リクエスト」、そして子供じみた甘ったるい「アデレード」と「水車小屋」がある。「美しい巻き毛」はスコットランドの雰囲気を忠実に捉えている。

しかし、チャドウィックはたいてい異国の雰囲気を捉えることに成功している。彼の「ペルシャの歌」は彼の最高傑作の一つであり、おそらく最高傑作はライダー・ハガードの素晴らしい歌詞による「ソライスの歌」だろう。叙事詩的な力強さと荒々しい絶望感を湛えている。最後の小節の軽薄さに至るまで、実にインスピレーションに満ちており、アメリカの歌の中でも最も力強い作品の一つだ。「ダンサ」は魅力的で斬新さに溢れている。「緑は生い茂る215 「柳」は、魅力的な哀愁と古風さが漂う作品だが、主にテーマの扱い方を研究した作品と言える。「アッラー」は、イスラム教というよりはむしろエチオピア風だ。「ベドウィンの恋歌」には東洋的な色彩はほとんどないが、勢いと情熱に満ち、見事な結末を迎える。この歌の数ある編曲の中でも最高傑作と言えるだろう。「汝は花のように」についても同じことが言えればよかったのだが、ハイネのような強烈な抑制が欠けている。

「セレナーデ」は興味深いリズムを奏で、「粉屋の娘」は優しく、「警告」は愉快なほど機知に富んでいる。しかしながら、その最も優れた点がシューマンの完璧な民謡「朝、庭へ」で既に用いられていたことは残念である。とはいえ、チャドウィック自身も2曲の民謡を作曲しており、どちらも素晴らしい。「彼は私を愛している」は、子守唄のような優しく色彩豊かな曲である。「子守唄」は、このテーマにおける真に興味深い研究と言えるだろう。218練り上げられた形式。「百合」はシャミナードのような情熱的な叙情性を持ち、「甘い風が吹く」は素晴らしい狂乱だ。「夜想曲」は優美で、唯一の優れたクライマックスがある。「夜明け前」にはチャドウィックの最高の作品がいくつか含まれており、特に大胆な和声的、あるいは厚塗りとも言える手法が特徴的である。

G・H・ストッダード夫人へ。
2つの民謡。
私
[聞く]

GWチャドウィック

音楽

音楽は続いた

著作権、1892年、アーサー・P・シュミット。

ああ、愛と喜びは一日限り、
その後は涙と悲しみが続く。
ああ、愛は夏の一日限り、
その後は笑い声に別れを告げる。
もし愛と喜びが一日限りで
、その後は笑い声に別れを告げるのなら、たとえその後永遠に涙が続くとしても、
愛と共に生きる一日を私に与えてください
。

前述の作品の他に、彼の主な作品は目録化できる（私は「百合の妖精」の演奏しか見たことがなく、「メルポメーネ」序曲の楽譜しか読んだことがないので、ほとんどの作品を目録化することしかできない）：演奏会用序曲、「リップ・ヴァン・ウィンクル」（1879年ライプツィヒで作曲され、同年同地で演奏された）、「タリア」（1883年）、「メルポメーネ」（1887年）、「粉屋の娘」（1887年）、および「アドナイ」（友人を偲んで、1899年）；交響曲、ハ長調（1882年）、ロ長調（1885年）；弦楽オーケストラのためのアンダンテ（1884年）、および多数の室内楽曲。カンタータ「百合の妖精」の場合、219 チャドウィックの芸術は、彼が使用した楽譜のひどい愚劣さによって完全に無駄にされてしまった。「メルポメーネ」は、それよりもはるかに重厚な作品である。アメリカの管弦楽曲の中でも最も重要な作品の一つと言えるだろう。

彼の「タリア」が「架空の喜劇への序曲」であったように、本作は「架空の悲劇への序曲」と言えるだろう。ボストン交響楽団をはじめ、多くのオーケストラによって演奏されてきた。本作は、音楽が最も威厳ある輝きを放つ、明確な雰囲気と曖昧な状況が見事に融合している。

曲はイングリッシュホルンの孤独な音色で始まり、際立った哀愁を帯びる（ベルリオーズのこの絶望的なエレジーについて読み、また「トリスタンとイゾルデ」の最終幕での心に残る嘆きを思い出してほしい）。ティンパヌムの低く不吉なロールの上で息づくこの音色の悲痛な嘆きは、たちまち憂鬱な雰囲気を醸し出す。他の楽器も嘆きに加わり、オーケストラ全体から激しく響き渡る。クラリネットの揺らめく伴奏の上で、他の木管楽器はより叙情的で希望に満ちた旋律を奏で、チェロの独白でゆっくりとした序奏が終わる。220 これらは、古典的なソナタ形式に基づいて構築された序曲の2つの主要主題から取られています。第1主題は第1ヴァイオリンがオーケストラ全体を前にして提示し、副主題はフルートとオーボエに与えられます。力強いクライマックスの後、低弦楽器の嵐が美しく静まった後、第2主題が平行長調で甘美な叙情性をもって現れます。後世の交響曲作曲家によってかなり凝ったものになっている終結部は、チャドウィック氏によって短い転調に簡略化され、ほとんど気づかないうちに彼はその凝った部分の真っ只中にいます。この作品はあらゆる技術的手段の披露と、抗しがたい情熱の嵐の両方で注目に値するため、作曲家の感情と対位法のどちらがより自由に発揮されているかを判断するのは難しいです。再現部には、楽譜を穏やかに読んでいるだけでも心を躍らせるクライマックスがあり、実際の演奏では圧倒的な迫力となるに違いない。第二主題の明るい慰めは、嵐のような悲しみの爆発を引き起こし、金管楽器の狂気じみた轟音の上に、スリリングなフルートとヴァイオリンの激しいクライマックスがあり、その間、ティンパニのスティックの打撃の下でシンバルが震える。突然の静寂が、ティンパニと大太鼓（サイドドラムのスティックで叩かれる）からの激しい雷鳴の轟音の準備となる。これは、単発の鈍い音に収まる。221 ティンパニの音。そしてまた雄弁な沈黙が訪れる。イングリッシュホルンは最初の哀歌に戻る。しかし悲しみはあらゆる努力によって消え去り、作品は長調のハーモニーを確立するコーダで終わり、聴く者の心は清められ、白く澄んだままとなる。

「メルポメーネ」序曲は、そのインスピレーションと学識の高さから、間違いなく音楽史において長く語り継がれる作品となるだろう。

アーサー・フット。

アーサー・フットのサイン

アメリカ人が熱狂的なドイツの男声合唱団に最も近いのは、大学の合唱団である。選曲の品格は必ずしもドイツの合唱団に匹敵するとは限らないが、色彩や陰影に対する健全な愛着を育み、222 おそらく些細なことかもしれないが、適切な温かさと多様性を目指している。彼らがよく用いるマザーグースの童謡の凝った言い換えや回りくどい表現でさえ、劇的な効果と豊かなハーモニーへの努力、そして鋭い機知とユーモアのセンスを示しており、これらは決して音楽の真の価値と矛盾するものではない。

アーサー・フット。

彼らの数々の功績の中でも特筆すべきは、ハーバード大学グリークラブのリーダーを2年間務めたアーサー・フットの音楽的野心を育んだことである。彼はグリークラブのレベルを超えて音楽の世界に深く踏み込むことに決して満足していなかったが、その訓練は確かに価値があり、彼の作品にはその独特な特徴がはっきりと表れている。彼は特に男声合唱曲を好んで作曲し、その扱いにも非常に長けており、個々の声の個性よりも、むしろ音色の豊かさを追求している。

男声合唱のための彼の主要な作品の中で223 ロングフェローの詩「鎧を着た骸骨」を精緻に脚色したこの作品は、力強く、特にヴァイキングの戦争や航海の描写において、全体的に堅実な構成となっている。嵐の場面は、フット氏の「ヘスペラス号の難破」と同様に、ワーグナーの「ドナー・ウント・ブリッツェン」をかすかに彷彿とさせるが、フット氏は概して、多くの人がバイロイト音楽の本質と考える様式を模倣するという普遍的な傾向に抵抗している。愛の歌に糸車を伴奏として用いるのはなかなか凝った演出だが、詩には紡錘はどこにも登場しない。実際、糸を紡ぐことは、ヴァイキングの花嫁の象徴的なモチーフとして扱われており、これは「さまよえるオランダ人」におけるゼンタのモチーフと似ている。

「スケルトン」の合唱の最大の欠点は、常に合唱であることだ。ソロはなく、異なる音域が1、2小節以上別々に使用されることはなく、すぐに全体が合唱する。224 器楽の間奏は短く、全体的な印象はやや単調で、休息をとれていない合唱団への同情を誘うものとなるだろう。

『ヘスペラス号の難破』は、壮大な行で構成された意欲的な作品ではあるが、フット氏の最高傑作とは言い難い。混声合唱で、極めて陰鬱な調子で、常にパニックに陥って騒々しいか、些細な悲しみに沈んでいるかのどちらかである。さらに厄介なのは、短い詩を長い作品に無理やり押し込めようとしている点だ。このプロクルステスの寝台のような試みは、ロングフェローでさえも悲しく感じさせる。

男性の声のために書かれた「ハイアワサの別れ」には、この欠点は見られない。こちらも悲しい調子ではあるが、その陰鬱な色合いはタペストリーのように豊かで変化に富んでいる。効果は力強いものの、より誠実で、技巧に走った印象は少ない。実に高貴な作品である。

他の多くのアメリカ人作曲家が誇れるよりも多くの混声合唱のための宗教音楽の作品群も、フットの作品集を充実させている。ここで彼は、彼の他の作品と同様に、四重奏曲でも優れた技巧を発揮している。225 他の作品も同様です。実際、合唱団での訓練が彼の若い心に与えた影響は、彼の生涯の作品全体に強く影響を与えたと私は考えています。ちなみに、偉大なセバスチャン・バッハの21人の子供たち（それぞれが音楽作品の作者でもあります）の中で最も才能に恵まれた人物は、本来目指していた哲学者の道から、プロの音楽家へと転身しましたが、それはまさにライプツィヒ大学とフランクフルト大学での合唱団での訓練によるものでした。

フットの作品はほぼ全て、声楽曲特有の緊密な和声と限られた音域で書かれており、ピアノ曲では鍵盤を縦横無尽に駆け巡ったり、ピアノ特有の効果を狙って斬新な表現を試みたりすることは極めて稀である。彼は高音域の曖昧な領域を好まず、時折、軽やかな空気にも耐えうる翼を持っていることを示すかのように華々しく空高く舞い上がることはあっても、すぐにまた中音域へと戻っていく。

彼は忠実な努力によって高い地位を獲得した226彼は自身の冷静で穏やかな理想と、真摯な教養と真面目さによって、アメリカ人としての地位を確立した。生まれも育ちも完全にアメリカ人だが、イギリスの血を引いているため、イギリス音楽の優れた精神に強く傾倒している。彼は1853年3月5日にマサチューセッツ州セーラムで生まれ、少年時代はピアノをよく弾き、エメリーに作曲の勉強を始めたものの、本格的に勉強したのは1874年にハーバード大学を卒業してからだった。その後、ジョン・ノウルズ・ペインの指導の下、作曲のより高度な分野に取り組み、1875年に音楽特別学科でAMの学位を取得した。また、ボストンでBJラングにオルガンとピアノを師事し、以来ボストンを拠点としてオルガンを教え、演奏している。

彼の序曲「山の中で」は、ボストン交響楽団をはじめとする多くのオーケストラによって、自筆譜に基づいて頻繁に演奏されてきた。227 彼はアメリカ室内楽に多大な貢献をし、2つの素晴らしいピアノ組曲を残しただけでなく、数多くのピアノ曲や歌曲も作曲しており、それらは技術的に難解ではないものの、永続的な価値を持つため、現在よりもさらに広く知られるに値する。

現代の作曲家の中で、古き良きガヴォットやフーガ、前奏曲に宿る情熱の炎をこれほどまでに再び燃え上がらせた作曲家を私は他に知りません。彼の2つのガヴォットは、私にとってバッハ以来最高の作品の一つです。それらは、単なる空虚な空虚さに陥ることなく、アカデミックな音楽とは何かを示す好例と言えるでしょう。また、彼はショパンの単なる模倣から最もかけ離れたノクターンを作曲しました。これは、ショパンがジョン・フィールドからその形式をそのまま取り入れ、自らのものとして以来、書かれた夜想曲の中でも群を抜いて素晴らしいものです。

彼の最も独創的な作品の1つは、ニ短調組曲のカプリッチョであり、228色彩は時に鮮やかで、アレグレットは古き良き時代の純粋なユーモアに満ちたスケルツォである。実際、フットは決して感傷的になりすぎない。

数多くの楽曲の中でも、マーロウ、シドニー、シェイクスピア、サックリング、ヘリックといった古き良きイギリスの詩人たちは、彼に多くのインスピレーションを与えた。「恋人とその娘」は特に印象的だ。現代の詩人が半ば古風な調子で書いた「修道女になるとき」「キューへの道」「おや、可愛いページ！」の3曲は、繊細で皮肉な音楽的ユーモアの宝庫を実に巧みに示している。「サンザシはダマスクローズを勝ち取る」は、優れたイギリスのバラッドがいかに素晴らしいものになり得るかを示している。彼の悲しい歌の中では、「アイルランド民謡」「私はアワを着けている」、そして奇妙な「あずまやで」は深い哀愁に満ちている一方、「真実の愛は甘い」は、歌われる哀れなエレインの運命と同じくらい激しく、心に深く残る悲しみを湛えている。229 これは現代の楽曲の中でも特に魅力的な曲の一つだと私は思います。

それは恋人とその恋人の物語だった。
[聞く]

アーサー・フット、作品10、第1番。

音楽

音楽は続いた

著作権 © 1886 Arthur P. Schmidt & Co.

1. 恋人と恋人が、
   ヘイ、ホー、
   ヘイ、ホー、ヘイ、ヘイ、ノニノ！と
   緑のトウモロコシ畑を通り過ぎていった。
   春の季節、春の季節、 鳥たちがヘイ、ディン、ディンと歌う
   、唯一の美しい季節。 甘い恋人たちは春が大好き。
2. だから今を楽しもう、
   ヘイ、ホー、
   ヘイ、ホー、ヘイ、ヘイ、ノニノ！
   愛は最高の時に輝く、
   春、春、 鳥たちがヘイ、ディン、ディンと歌う、
   唯一美しい鐘の音の時。 甘い恋人たちは春を愛する。（シェイクスピア）

彼の最高傑作は間違いなく、ダンテの「フランチェスカ・ダ・リミニ」の物語を題材にした、オーケストラのための交響的プロローグでしょう。主題について詳しく知っているわけではありませんが、冒頭の引用文には示されていないものの、このプロローグにはある種の標題音楽的な要素があるように感じます。

「ネッスン・マジオール・ドロレ、
チェ・リコルダルシ・デル・テンポ・フェリーチェ
・ネラ・ミセリア。」

しかし、序章には、私には『地獄篇』第5歌のこれらの詩句が持つ心理的な内容以上のものが含まれているように思える。

ハ短調のゆっくりとした序奏は、長く深い溜息で始まり、続いてヴィオラとチェロの下降パッセージが、ダンテとウェルギリウスを永遠に地獄の渦が渦巻く崖っぷちへと導くステップを示しているかのようだ。叫び声と震えが聞こえ、232 そして、不吉なティンパニの鈍い音（珍しい音に調律されている）に続いて、ダンテがフランチェスカに、なぜ愛に身を委ねたのかと問いかける短いレチタティーヴォが続く。渦巻く弦楽器の中から突然、第一主題が現れる。それは第一ヴァイオリンが情熱的に歌う狂乱であり、危機の場面ではフルートがそれを強調する。第二主題は金管楽器による突然の前奏の後に現れる。それは平行長調の非常に叙情的なワルツの旋律であり、間違いなく悲しみの中で思い出される喜びを描写している。終結部はかなり長く、これもワルツの形式で、まずヴァイオリンとヴィオラの上で一本のフルートが告げ、第一ヴァイオリンは陰鬱なG線を奏でる。この旋律は今やソロホルンに与えられ、激しく抗いがたい舞踏の熱狂が生み出される。展開は、下降の急激な流れから一気に引き上げられる嬰ヘ短調の第1主題で始まる。再現部は間もなく現れ、第2主題は慣例に反して、主音短調ではなく主音長調で現れる。コーダは、この上なく優しく美しい。おそらく、この作品がプロローグであるため、明るく始まるドラマへの準備が必要だったからだろう。あるいは、結局のところ、悲しみの中で思い出される幸福には慰めがあるからかもしれない。

チャイコフスキーは同じ主題で交響詩を作曲しており、233 また、数え切れないほどの戯曲の着想源となり、文学作品の中でも最も哀れな場面の一つである。あの厳格な老ダンテでさえ、フランチェスカが自分の物語を語るのを聞いた時、あまりの哀れさに死にそうになり、まるで死んだように地面に倒れ込んだと述べている。

弦楽オーケストラのためのセレナーデ（作品25）は、前奏曲、優美なアリア、ヴァイオリンとチェロのソロを伴う豊かなロ長調の魅力的な間奏曲、見事なクライマックスを持つロマンス、そしてこれまで軽視されがちだったヴィオラに特別な注意を払った勇ましいガヴォットから成ります。

作品36はフルオーケストラのための組曲です。ボストン交響楽団によって演奏されたことがあり、輝かしいアレグロ、深い誠実さと美しく変化に富んだ色彩を持つアダージョ（ここでは、重厚なスコアで金管合唱が単独で歌い、疾走する弦楽器の上で木管楽器が主題を分割する部分が特に効果的です）、テンポが頻繁に変化する非常に気まぐれなアンダンテ、そして234 イングリッシュホルンのソロと、第1オーボエとの対位法による演奏、そして第1ヴァイオリンによる、突拍子もないプレスト。

他に発表された作品としては、弦楽四重奏曲（作品4）とピアノと弦楽のための五重奏曲（作品36）がある。この五重奏曲は、巧みに構成され、よく練られた主題でイ短調で始まり、紡ぎ歌のような特徴を持つイ長調のスケルツォで終わる。この2つの楽章の間には、スコットランドの音色が強く表れた間奏曲が挟まれている。この曲はクナイゼル四重奏団によって演奏されている。

SGプラット。
ほとんどすべての音楽家はクリストファー・コロンブスの名前を聞いたことがあり、彼の尽力がなければアメリカ大陸の発見はずっと遅れていたであろう人物として、彼を一定の敬意をもって見ている。しかし、彼の苦難と成功を音楽の基礎とするほどの感謝の念を抱いているアメリカ人音楽家はほとんどいない。235適切な楽曲の作曲という課題に対し、サイラス・G・プラットは果敢にもこの壮大な仕事に挑み、膨大な学識、研究、そして情熱を注ぎ込んだ。この作品は、アメリカ大陸発見400周年記念の年にニューヨークで上演された。

プラットが古代エジプトに生まれていたら、ピラミッド建設を主な趣味としていたに違いない。それほどまでに彼は仕事の規模にひるむことがない。彼の愛国心は彼を強く突き動かし、ポール・リビアの騎行に捧げた管弦楽曲、南北軍の戦いを描いた幻想曲「マニラの戦い」、アメリカ独立100周年を記念してベルリンで2回、ロンドンのクリスタル・パレスでグラント大統領の訪問時に上演された「アニバーサリー序曲」、そして「シカゴへのオマージュ」という奇妙な名前の行進曲を作曲することを可能にした。これらの作品の他にも、236 プラットは、ムリーリョの絵画に着想を得た初の管弦楽曲「マグダレンの嘆き」、抒情オペラ「アントニオ」、交響曲第1番（アダージョ楽章はベルリンで上演され、その他の楽章はボストンとシカゴで上演された）、交響曲第2番「放蕩息子」、ロマンティック・オペラ「ゼノビア」（シカゴで上演）、抒情オペラ「ルシール」（シカゴで3週間上演）、シェイクスピアの「テンペスト」に基づく交響組曲、弦楽四重奏のためのカノン、弦楽オーケストラのためのセレナーデ、アントン・ザイドルによってニューヨークとブライトン・ビーチで上演されたグロテスク組曲「ブラウニーズ」などを作曲した。これらの楽曲の他に、プラットは様々な音楽講演を行い、聴衆を楽しませると同時に知識を深めるよう巧みに工夫を凝らした。また、シカゴのアポロ・クラブをはじめとする様々な音楽事業の組織にも積極的に関わってきた。237

プラットは1846年8月4日、バーモント州アディソンで生まれた。12歳で自力で生計を立てなければならなくなり、シカゴの音楽出版社と契約を結んだ。様々な公演を行った後、1868年にドイツへ渡り、ベンデルとクラックにピアノを、キールに対位法を学んだ。1872年にシカゴに戻り、自作のコンサートを開催した。しかし、1871年の大火災の後、不死鳥の都シカゴはまだ完全には復興しておらず、プラットは野望を抱くための支援を得られなかった。教鞭を執り、コンサートを行った後、1875年にドイツに戻り、バイロイトでワーグナーの三部作のリハーサルを見学し、リストと出会い、ワイマールで自作のリサイタルを行った。彼の「記念序曲」はベルリンとロンドンの両紙から好意的に受け入れられた。 1885年には、クリスタル・パレスで「放蕩息子」を上演するために3度目のヨーロッパ訪問が行われた。238 その際、ベルトルト・トゥールズは、交響曲と「記念序曲」の両方について、「壮大な構想の作品であり、際立った独創性、現代的なハーモニー、流麗な旋律、そして美しく荘厳な効果に満ちている」と評した。

こうした活動に追われるあまり、プラットは小規模な作曲に割く時間がほとんどなくなってしまった。出版された作品はいくつかあり、その中にはシューマンの「トロイメライ」をヴァイオリンのオブリガートに用いた歌曲「ドリーム・ヴィジョン」や、詩的なテキストを用いたピアノ曲「6つの独白」などがある。これらの作品では、それぞれの和音に色彩への細やかな配慮が見られ、作品全体が半音階的であるため、彼がバッハを徹底的に研究してきたことがうかがえる。

彼の膨大な作品群の中でも、当然ながら長く愛され続けるであろう作品が2つある。それは交響組曲「テンペスト」と「放蕩息子」である。後者の素晴らしい作品に、AJグッドリッチは数ページを割いている。239 彼の著書『音楽分析』のページを参照されるのが一番でしょう。『テンペスト』はもちろんシェイクスピアの戯曲に基づいており、作曲家自身は次のように説明しています。

第1楽章アダージョでは、プロスペローの悲しみと、敵の恩知らずと迫害に対する彼の魂の抗議が象徴的に表現されています。彼の忠実な従者アリエルは、終盤で簡潔に示されています。パストラルは、遠くで羊飼いの笛の音に合わせて、恋人たちミランダとフェルディナンドが愛の歌を歌う場面の雰囲気、あるいは舞台設定を提供します。プロスペローが彼らの情熱的な愛の誓いを遮り、不快な任務を押し付ける場面が簡潔に触れられ、楽章はパストラルの繰り返しと恋人たちの歌の交互の反復で締めくくられます。フィナーレは、短い序奏の後、非常に陰鬱な調子で、アリエルとその仲間の精霊たちが宴のために集まり、飛び回る様子を示しています。プロスペローの最初の主題が控えめな調子で繰り返されることで、主の存在がすぐに明らかになります。アダージョから、妖精たちの幻想的な軽快な踊りが続き、まるで支配する精霊が恋人たちと自分自身の楽しみのために祭りを催しているかのようだ。

240

「丘や小川、湖や森に住む妖精たちよ。
砂浜で足跡を残さずに、潮が引いていく
ネプチューンを追いかけ、
戻ってくると彼を追い払う者たちよ。」

そしてダンスが始まり、幻想的で、時にはグロテスクで激しい様相を呈しながら続いていく。恋人たちのテーマは、さりげない形で時折織り込まれていく。やがて、キャリバンが酔っぱらった歌を歌いながら近づいてくる音が聞こえる。

「バン、バン、カ・カリバン
には新しい主人がいる。新しい男を雇え。」

「アリエルとその仲間たちは飛び回り、彼を嘲笑し、あざけり、笑い飛ばす。やがて彼を突いたりつねったりし、彼は震えながら、関節の痛みに耐えかねてよろめきながら立ち去る。その後も宴は続き、恋人たちの歌は次第に目立つようになり、やや広がりを見せながら、アリエルとその仲間たちが飛び回り、プロスペローは幸福で、キャリバンは屈服し、主要なテーマがすべて一つにまとまって、作品のクライマックスと終結を形成する。」

プラットは意図的にイングリッシュホルンとバスクラリネットを省略したが、そのスコアリングは色彩豊かで妖精のような雰囲気に満ちている。241 この作品は叙情性に富み、森の情景が美しく表現されている。プロスペローの荘厳さ、恋人たちの巧みな駆け引き、そして気まぐれなアリエルと大柄なキャリバンの対照的な性格が織りなす登場人物像は、音楽によって見事に描き出されている。キャリバンの甲高い独白とよろめきながらの踊り、そして彼が受ける嘲りや拷問は、素晴らしいユーモアを生み出している。

ヘンリー・K・ハドリー

ヘンリー・K・ハドリー

「交響曲」という言葉は、特に現代作品に用いられる場合、恐ろしい響きを持つ。なぜなら、現代音楽は本質的にロマン主義的であり、古典形式を自身の新しいアイデアに無理やり当てはめようとする意欲や能力を持つ作曲家はごく稀だからである。その結果、そのような作品は往々にして自発性や説得力に欠ける。242 現代の作家は交響詩において遥かに優れた才能を発揮する。

聴く価値のあるアメリカの交響曲の数は、指で数えられるほど少ない。しかし、ヘンリー・K・ハドリーの交響曲「青春と人生」によって、その数は新たに増えた。このタイトルは二重の意味で喜ばしい。心理学的には、この曲は若者の激しい感情生活を描いたものであり、作曲者自身もアメリカの若者である。ちなみに、この若者は、不思議なことに、マクモニーズが理想の彫像として描いたネイサン・ヘイルに象徴されるアメリカ人像を彷彿とさせる容姿をしている。

そして音楽的に、この作品は若さと生命力に満ち溢れている。血と魂が込められているのだ。第1楽章は、中世の天使のように英雄の魂をめぐって争う善と悪の動機の葛藤を描いている。より善なる力が勝利を収める。しかし、第2楽章では、疑念と絶望、後悔、そして深い精神的な苦悩が描かれている。243プレッシャー。この感情のクライマックスは、静かに打たれる死の鐘であり、言葉では言い表せないほど陰鬱な効果を与え、驚かされることなくスリルを味わわせる。ペダルポイントのアンジェラスの鐘は、希望と祈りの期間を通して続くが、後悔が再び支配する。この素晴らしい荘厳さを獲得し、並外れた陽気さのスケルツォでそれに続く能力は、天才が我々の間にいることを証明している。スケルツォは、太ももを叩き、歌を歌うような 奔放さを示し、若々しい軽薄さを魅力的に典型している。フーガは、ベルリオーズの「ファウストの劫罰」における「アーメン」のパロディを思い起こさせる滑稽な効果で、付随的に使用されている。フィナーレは、野心と英雄主義の動機を利用し、愛の瞬間がある。クライマックスは力強い。全くアリオスではないが、交響曲はメロディーに満ちている。その旋律は対位法ではなく表現であり、それぞれの楽器、あるいは楽器の合奏は個​​性を持っている。

ハドリーはエネルギーと楽観主義に満ち溢れている244作曲家は、作曲の仕組みにおいて驚くほど巧みな手腕を発揮している。彼のスコアリングは円熟し、情熱的で、確固としている。彼の交響曲は正真正銘の標題音楽であり、知性、力強さ、そして血潮――作曲における三つの偉大なB――が息づいている。

ハドリーは1871年、マサチューセッツ州サマービルで生まれた。父親は音楽教師で、ハドリーは幼い頃から音楽の素養を身につけていた。彼はスティーブン・A・エメリーに和声学、G・W・チャドウィックに対位法、ボストンのヘンリー・ハインドルとチャールズ・N・アレンにヴァイオリンを師事した。成人する前に、劇的な序曲、弦楽四重奏曲、三重奏曲、そして多くの歌曲や合唱曲を完成させた。1894年、ウィーンに渡り、マンディチェフスキに作曲を師事した。そこで彼は管弦楽のための第3組曲を作曲した。1896年、アメリカに戻り、ロングアイランドのガーデンシティにあるセントポールズ・スクールの音楽科主任に就任した。指揮者としての経験も多少ある。245 そして、作曲においても非常に多作である。彼の最初の交響曲は、1897年12月にアントン・ザイドルの指揮で初演された。また、1900年1月に行われた自身の作品のコンサートで、ハドリーはこの交響曲と、彼の2番目の交響曲「四季」から2つの楽章を指揮した。これらの2つの楽章は、おそらくより穏やかな技巧を示しているが、生命力はやや劣る。彼は3つのバレエ組曲を作曲し、いずれも大きな成功を収めている。これらの作品は音楽的でありながら、ダンスの陶酔感に満ちている。彼の3番目のバレエ組曲は最高傑作であり、サム・フランコ指揮のアメリカ交響楽団のコンサートで初演された。

祝祭行進曲、演奏会用序曲、「ヘクトルとアンドロマケ」、2つの喜劇オペラ、合唱と管弦楽のための6つの歌曲、さらに多数のパートソングとピアノ曲、そして100曲を超える歌曲（うち40曲は出版されている）の存在は、この人物の飽くなきエネルギーを証明している。246 奨学金の平均成績は、彼が真剣に受け入れられる資格があることの証明である。

オーケストラのためのカンタータ「レレワラ」は、ナイアガラの伝説を題材にしており、ピアノ伴奏付きで出版されている。さて、ナイアガラは、韻文、散文、音楽といった繊細な小舟で乗り出すには危険な題材である。樽板は渦潮を通り抜けることができるかもしれないが、楽譜はストレスに耐えられない。私がこれまで読んだり聞いたりしたナイアガラの滝に関するコメントの中で、滑稽なほど不適切ではないと思えるものはたった一つだけだった。それは、滝と対面した少年が、畏敬の念に押しつぶされそうになりながら、ただ「まあ、なんてこった！」とささやいたというものだ。しかし、これらの言葉は、ヘンデルの「ハレルヤ・コーラス」の作曲家でさえ、音楽を作る意欲を失わせるだろうということは認めざるを得ない。今は亡き博識な作曲家ジョージ・F・ブリストウは、合唱曲でナイアガラを網羅しようと試みるという間違いを犯した。247 オーケストラ。ハドリーは「レレワラ」で、まさに同じ致命的な失敗を犯したわけではない。なぜなら、この詩は主に愛と犠牲の物語だからだ。しかし、ナイアガラはプログラム的な出来事として登場し、作者はいくつかの点で主題を十分に表現できていない。一方で、真に魅力的な文章を書いている部分もあり、音楽にも多くの価値ある要素がある。

彼が発表した歌曲の中で特筆すべきは、ハイネの「Wenn ich in deine Augen seh’」の優れた作曲と、あまり知られていない「Sapphire sind die Augen dein」や「Der Schmetterling ist in die Rose verliebt」である。また、「I Plucked a Quill from Cupid’s Wing」は当然ながら人気を博している。陰鬱な作風や学校生活に追われる作曲家が多い中で、ハドリーは健全で陽気な音楽に喜びを感じているという点で特に重要である。248

アドルフ・M・フォースター
アメリカの歌曲にとって幸運だったのは、狭量で騒々しいイギリスのバラードという流派を捨て、後期のドイツ楽派の歌曲を国民的な模範としたことである。確かに、初期のイギリスには、ヘンリー・ローズやパーセルといった作曲家の作品に見られるような、詩を尊重する音楽があったし、「平均律クラヴィーア曲集」の調性を自在に操るという点でバッハよりはるか以前に活躍した作曲家もいた。しかし、その精神はイギリスでは消え去り、ロバート・フランツのような人物にその最後の形を見出した。フランツ自身も、アメリカで初めて、そして最も全面的に認められたと語っている。

アドルフ・M・フォースター

ピッツバーグの音楽界に名を刻んだ、最も堅実なアメリカ人作曲家の一人、アドルフ・M・フォースターは、フランツと18年間文通を続けた。彼はフランツと個人的に親交があり、彼について重要な賛辞を書いている。249 雑誌「ミュージック」より。フォースターは1854年にピッツバーグで生まれた。3年間の商業生活の後、本格的に音楽に取り組み、1872年から1875年までライプツィヒで過ごし、コッキウスとヴェンツェルにピアノを、グリルとシモンに声楽を、E・F・リヒターとパッペリッツに音楽理論を学んだ。アメリカに戻ると、当時ヴァージル・クラヴィーアの発明者として知られる人物が指導していたフォートウェイン（インディアナ州）音楽院に所属した。1年後、ピッツバーグに戻り、それ以来そこに留まっている。しばらくの間、現在は存在しない交響楽団と合唱団の指揮者を務めた。それ以来、教育と作曲に専念している。

フォースターのピアノ作品のうち、作品11は温かくメロディアスな「華麗なるワルツ」である。作品13は、リストの構想に基づき、ペトラルカの詩「Gli occhi di ch’io」からの美しい翻訳による「ソネット」である。 250「parlai si caldamente」は情熱に満ちており、執拗な反復の扱いに素晴らしい多様性を示している。作品18は2つのソナチネをカップリングしている。2番目のソナチネの方が優れているが、どちらも、ほとんどのソナチネと同様に、心理描写が浅薄で形式ばりすぎているため、子供の練習曲としてもお勧めできない。「エロス」は流麗な旋律で、2番目の部分はスケルツォ風である。

作品37には2つの演奏会用練習曲が収められており、どちらも素晴らしい作品である。1つ目の「高揚」は非常に独創的だが、冒頭も終結も特に印象的ではない。しかし、その間の音楽にはタイトルにふさわしい熱気が漲っている。この練習曲は、ショパンの練習曲と同様に、技術的な練習であると同時に、雰囲気のある作品でもある。2つ目の「嘆き」は、最も響き渡る下降和音で始まり、低音部からの急上昇は、引き潮の弱まりを思わせる。全体を通して、和音と感情は驚くほど深く、クライマックスは激しく盛り上がる。251 これは現代ピアノ曲の中でも最高傑作の一つと言えるだろう。

作品38には12曲の「幻想小曲」が収録されている。これらは短い交響詩である。2曲目の「森の精霊」は魅力的で、「プリティ・マリー」は抗いがたいほど陽気な旋律を持つ。作品6の6曲はロバート・フランツに献呈されている。これらは主にアルペジオを用いない緊密なスタイルで書かれているが、その簡潔さの中に深い意味が込められている点が非常に興味深い。2曲は特に印象的で、有名な叙情歌「ライン川のほとりで、聖なる流れの中で」と「海の静けさ」である。作品12は注目すべき3曲のグループで、「霧」は素晴らしいハーモニーを奏でている。作品25には「ヘザー・グレイに問うなかれ」が収録されている。これは旋律と伴奏において極めて独創的なラプソディである。人を惹きつける至福感と活気に満ちており、最高のアメリカ歌曲の1つとなっている。作品28は「花々の中で」というタイトルの本である。音楽はどの部分も素晴らしく、特に解放感という点で満足のいくものである。 252フォースターの初期の歌曲のゲルマン主義から。歌曲「バラの中で」は美しい詩があり、素晴らしい音楽にふさわしい。属音の属音上の解決されない長九和音で、心に残る終わり方をする。したがって、「花咲く時」の熱狂は、植物的なものではなく、人間の感情である。「子守歌」はジークフリートの牧歌を翻案したもので、「古いことわざ」は陽気である。作品34の2つの歌曲にはバイロンの歌詞が付けられている。作品44の3つの歌曲も、今では作曲家の間であまり流行していないこの詩人を利用している。作品42には3つの歌曲があり、哀愁漂う「小さな野バラ」と、厳粛さに満ちた「海辺で」である。 「羊飼いの嘆き」は彼の最高傑作の一つで、オクターブでペダルポイントが反転した奇妙な伴奏が特徴的である。他にもいくつかの合唱曲がある。

より大きな形式では、フォースター氏はさらに成功を収めている。作品10は、253 フルオーケストラによる作品で、カール・シェーファーの詩「トゥスネルダ」に基づいている。短いが力強く、よくまとまっている。作品15はヴァイオリンとピアノのための幻想曲で、ピアノが優勢である。扱いは非常に独創的で、力強いアイデアがよく保たれている。作品21はヴァイオリン、ヴィオラ、チェロ、ピアノのための四重奏曲である。第1楽章は荘厳に始まるが、アパッショナートに変わる。4つの楽器すべてが対話の中で同等の声を持ち、すべての爆発は対位法的なものではなく感情的なものである。圧倒的な力のクライマックスに達する。第2楽章ではピアノが省略され、美しいアダージョとなる。第3楽章は陽気なアレグロで、終楽章はさらに陽気なプレストで、突然の厳粛さが突然押し寄せる。フォースターはこの四重奏曲を、2番目の作品40よりも「はるかに劣る」と評している。しかし、私はこれを見たことがない。しかし、私は躊躇なく作品21を傑作と呼ぶ。

作品24はチェロとピアノのための「アルブンブラット」です。254 ピアノ。それは感情と深いハーモニーの豊かさ、絶対的な誠実さとインスピレーションの驚異的な作品です。作品29はヴァイオリン、チェロ、ピアノのための三重奏曲です。3つはアンダンテでユニゾンで始まり、そこからチェロが離れ、すぐに他の楽器もそれに続いて、酒宴の陽気さへと入ります。軍隊的な瞬間、より真剣な叙情性、そしてアジタートでの終わりがあります。第2楽章は高度に装飾されたラルゲットです。第3楽章はベートーヴェンのプレストの精神を持つヴィヴァーチェです。

作品36はヴァイオリンとピアノのための組曲で、非常に魅力的で技巧的なノヴェレットで始まる。

写本には、精緻なバラード「ヘロとレアンドロス」があり、不適切な後奏と「トリスタンとイゾルデ」を彷彿とさせる部分があるものの、情熱的で生き生きとしている。「絶望」は苦々しく、絶望に満ちている。ピアノのための組曲（作品46）には、独創的で魅力的なワルツが含まれている。255ヴァティング、そして「ブラームスへのオマージュ」と呼ばれるフィナーレ。これは非常に巧妙な作曲で、ブラームスの特徴である低音部の3度音程は欠けているものの、ブラームスの最高の作風を多く備えている。それは言葉遊びの技巧というよりは、絶え間ない展開と叙情的な感情の代わりに記念碑的な主題を用いる点にある。また、MS.にはフルオーケストラのためのゲーテの「ファウスト」の前奏曲もある。非常に明確な主旋律があり、「ファウストの瞑想」、「マルガレーテの幻視」、「悪」と「愛」（ほぼ互いに反転している）、「メフィストフェレス」などが含まれる。これらの要素の葛藤は非常に巧妙に処理され、木管楽器の中で消えゆくグレートヒェンの動機で至福の終わりを迎える。

出版されているオーケストラ楽譜は、ピッツバーグのカーネギーホールの献呈行進曲です。舞台裏で聞こえる長いホルンのファンファーレで始まります。突然、歓喜に満ちたテーマが現れ、256 アンドリュー・カーネギーのイニシャルが刻まれており、アメリカ音楽が多大な恩恵を受けている人物へのふさわしい賛辞となっている。

シャルル・クロザット・コンバース。
音楽家は、一般的に言って、多岐にわたる博識に恵まれているとは言えない（これは、他の分野で博識な人々からもよく言われることだが、彼らはほとんどの場合、音楽という芸術そのものについては全く無知である）。この法則を証明する例外の一人が、多くの哲学を探求してきたチャールズ・クロザット・コンバースである。彼の多才な関心を示す例として、「thon」（「彼または彼女」や「彼のまたは彼女の」といった、どこにでもある不自然な表現の便利な代替語）という造語があり、これは標準辞典にも採用されている。

チャールズ・クロザット・コンバース。

コンバースの祖先は1630年まで遡るアメリカ人である。コンバースは1832年10月7日、マサチューセッツ州ウォーレンで生まれた。英語と古典をしっかりと学んだ後、1​​855年にドイツへ渡った。そこで彼は 257彼は法律と哲学を学び、ライプツィヒ音楽院で音楽を学んだ。リヒター、ハウプトマン、プレイディ、ハウプトの指導を受け、リストやシュポアとも親交を深めた。特にシュポアは彼の作品に強い関心を持ち、影響力のある人物であり、その成功を確信していた。

アメリカに戻った彼は、1860年にオールバニ大学法学部を卒業し、法学士（LL.B.）の学位を取得した。彼の並外れた功績を称え、Bは後にDに格上げされた。コンバースは、ケンブリッジ大学の教授であり、著名なイギリスの作曲家であるスターンデール・ベネットから、彼の詩篇カンタータ第126篇の5声の二重フーガに表れているように、彼の音楽的知識の深さを認められて、ケンブリッジ大学から授与される音楽博士号の栄誉を辞退した。

この学術研究は、1888年にシカゴでセオドア・トーマスの指導のもとで行われた。258

宗教音楽への広く知られた貢献の一つに、コンバースの賛美歌「イエスはわが友」がある。キリスト教世界のあらゆる言語で印刷され、5000万部も売れたと言われている。この曲は、ムーディーやサンキー風の歌いやすい曲とともに、日曜学校に通っていた私の心の中で温かい場所を占めていたが、今思い出しながら口ずさむと、甘ったるく薄っぺらく感じられる。少なくとも音楽的には、その人気は恐ろしいほどだ。コンバースは他にも多くの賛美歌を作曲しており、それらは教会音楽の眠気を誘うような曲として定着している。さらに、彼は最近、世界最高の賛美歌を集めた「スタンダード賛美歌集」を編纂した。この分野において、コンバースは慣習的ではあるが（そして、この分野では慣習的であることは避けられないと考えられるかもしれない）、和声はまろやかで、感情は誠実である。

明確な自然の欠如という不快な欠如を補うために無数の試みがなされている259国歌の雰囲気はあるものの、その第一の条件である情熱的なキャッチーさを備えているものはほとんどなく、大抵は7月4日の祝祭に耐えられる人でも飽きてしまうほど大げさなものばかりだ。コンバースは、「アメリカ」の問題は「運命がスミスという名前で隠そうとした」人物が書いた高尚な言葉には全く起因しないことを認識し、この詩に新しい曲をつけた。しかし残念なことに、彼が多くの人に借用された元の曲を変える方法はあまりにも露骨だ。彼はアイデアを全く捨てていないし、リズムや精神も変えていない。ただ「女王陛下万歳」が下がるところで曲を上げ、イギリスが上がるところでメロディーを下げただけだ。これが、彼の国歌が大多数の人々に受け入れられず、たいまつ行進や批准といった公の場で目立って使われていない主な理由だと私は思う。

別名で発行された作品を除く 260「カール・レダン」、あるいはアナグラムの「CO Nevers」と「CE Revons」として知られる彼の世俗音楽作品で出版されたものは、パリで出版された「アメリカ序曲」と、ドイツで出版された6曲の歌曲集のみである。

音楽は普遍的な言語と呼ばれていますが、強い方言があり、時には外国の人々に翻訳できない国民的な特色があります。この6曲も、歌詞だけがドイツ語というわけではありません。ゲルマン語を基盤としており、ベルリンからブラウンシュヴァイク、そしてライプツィヒへと転調するだけです。これらの曲は研究する価値がありますが、厳密な叙情的な感情よりも、ピアノによる瞑想的な雰囲気が強く表れています。「Aufmunterung zur Freude」は穏やかなアレグレット、「Wehmuth」はより良い曲、「Täuschung」は情熱と深みのある短いエレジー、「Ruhe in der Geliebten」は豊かな感情とハーモニーに満ちた中間部が最も優れています。エンディングは安っぽい。「Der gefangene Sän261「ger」は、最初はシューベルト作とされる「Adieu」のわずかな変形に過ぎないが、その後は素晴らしい。

コンバースは膨大な量の楽譜を自筆譜で残しているが、私がじっくりと目を通す機会に恵まれたのは、優美な聖歌の子守唄だけだった。そこには、交響曲2曲、組曲10曲、演奏会用序曲、交響詩3曲、オラトリオ「捕囚」、弦楽四重奏曲6曲、そして詩篇をはじめとする声楽曲のミサ曲が含まれている。

これらの作品のうち、3つは大きな成功を収めた。ウォルター・ダムロッシュの指揮でマニュスクリプト・ソサエティの公開コンサートで演奏された「クリスマス序曲」、セオドア・トーマスの指揮でブルックリンとニューヨークのコンサートで演奏された序曲「春に」、そしてパトリック・ギルモアの指揮でボストン平和記念祭、トーマスの指揮でコロンビア万国博覧会、アントン・ザイドルの指揮でニューヨークで演奏されたアメリカ序曲「ヘイル・コロンビア！」である。262

この最後の序曲は、パリのショット社から出版されるという栄誉に浴した。「コロンビア万歳！」の力強い旋律を基に構成されており、これは緩やかな短調の序奏で示唆されている。旋律自体は、後にコーダで勢いよく現れる主題の一つとして示されている。楽器編成は華麗で、クライマックスは圧倒的である。

この作品は、単なる巧みな楽曲構成にとどまらない。それは、燃え盛る愛国心の炎なのだ。

LA・コーネ。
アメリカ人作曲家がアメリカを題材に壮大なオペラを制作するというのは、期待に胸を膨らませる偉業である。私は「マーブルヘッドの女」というタイトルのこのオペラをまだ観ていないが、作曲家の他の作品を研究した限りでは、きっと素晴らしい作品に違いないと断言できる。

ルイ・アドルフ・コルネ。

ルイ・アドルフ・コーネは、 263このオペラの音楽を作曲した彼は、1870年にニュージャージー州ニューアークで生まれ、6歳から10歳までシュトゥットガルトとパリで音楽の留学生活を送りました。アメリカに戻ると、ハーバード大学に入学し、ジョン・ノウルズ・ペインの下で和声と作曲を学びました。ヴァイオリンはクナイゼルに師事しました。1890年にミュンヘンに行き、王立音楽院でラインベルガーにオルガンと作曲を、ハイバーにヴァイオリンを学びました。ここでヴァイオリニストとしてのキャリアを捨て、作曲家、指揮者、オルガニストとしてのキャリアを歩むことを決意しました。1893年にボストンに戻り、オルガニストとして活動しました。1年後、バッファローに行き、3年間リーデルタフェルを指揮しました。

ハーバード大学在学中、コーネは弦楽オーケストラ伴奏のヴァイオリンとチェロのための協奏曲、フルオーケストラのための幻想曲、そして大学の礼拝堂で演奏された数々の賛美歌を作曲・制作した。ミュンヘンとシュトゥット滞在中、264ガートは弦楽組曲、弦楽器、ホルン、ハープの伴奏によるオルガン協奏曲、3つの合唱曲、そして彼自身の題材によるバレエ「エヴァドネ」を作曲・制作した。ロングフェローの「ハイアワサ」に基づく彼の交響詩も、彼自身の指揮で、後にボストン交響楽団によって大成功を収めて上演された。その後、彼はセオドア・トーマスに招かれ、シカゴ万国博覧会に出席し、フェスティバルホールの大オルガンでリサイタルを行った。

バレエ「エヴァドネ」（作品155）からの出版された「キャラクター・ピース」を除いて、彼の作品をほとんど聴いたり見たりしたことがないのは、私の不運だった。ボレロのリズムの「道化の踊り」は楽しい。「第2幕への序曲」には多様なアイデアと独特の和声美を持つ一節が含まれている。「サロンのワルツ」には良い部分もあるが、やや大げさすぎる。「悪魔の踊り」には優れた和声効果がいくつかあるが、「合唱付きワルツ」は 265そして「フィナーレ」はこの作品の中で最も素晴らしい楽曲である。オーケストラによる、まさにワルツのあるべき姿を示す、抗いがたいほど魅力的なワルツ楽章で幕を開ける。このラプソディに合唱が重ねられ、この上なく豊かなクライマックスへと到達する。

コーネはオルガンのために多くの優れた作品を作曲している。弦楽四重奏曲（作品19）から3曲を編曲したものがあり、優雅なメヌエット、趣のあるアリア、そしてフーガである。さらに3つの行進曲があり、瞑想的な音楽家が作曲した行進曲の多くと同様に、活気よりも主題性を重視しており、待ち望む壮大な聖歌への焦燥感と入念な準備が特徴的だが、その聖歌は決して現れない。これらに加えて、非常に心地よいパストラル、優れたエレベーション、そしてノクターンがある。

コーネの交響詩「ハイアワサ」はピアノ連弾用に編曲されており、ヴァイオリンまたはチェロとピアノのための編曲もあるが、私は見たことがない。 266これらだ。我々が皆待ち望んでいるのは、アメリカのグランドオペラ「マーブルヘッドの女」だ。彼女が大理石の心臓を受け取ることはないだろうと予測される。

267

第4章
植民者たち。

芸術は隠遁生活では栄えない。もちろん、偉大な創造者には皆、ある種の超然とした精神と内なる孤立がある。しかし、時には自分の作品を同時代の芸術家と比較しなければならない。彼らの発見だけでなく、彼らの誤りからも学ばなければならない。誰も以前の信念を覆すことはないが、気性を高め、熱を養い、以前から抱いていた信念を深めるのに役立つ、情熱的な音楽論争に熱中しなければならない。他者と批評を交換し、基準について議論しなければならない。さもなければ、永遠に陳腐で世間にとって何の役にも立たない発見をし続けることになるだろう。 268長らく閉ざされてきた水路を通して人々の魂に訴えかけようとするならば、彼の業績は、幼稚な陳腐さと原始的な粗雑さによって損なわれるだろう。

つまり、芸術的傾向は普遍的な神経系であるかもしれないが、芸術家は神経節を形成する傾向がある。神経節の大きさや重要性は様々で、一つの主要な神経節が栄養供給脳として機能するかもしれないが、活動全体を独占することはできない。特にアメリカでは、こうした神経節、あるいは植民地は、我々の発展における興味深く重要な段階である。連邦を構成する様々な州が、その多くが旧世界の王国に匹敵するほどの規模を持つ国では、いかなる首都も支配することは明らかに不可能である。さらに、国民精神はあまりにも反抗的で、いかなる中心も神託として受け入れることはない。

ニューヨークは確かに多くの尊敬すべき作曲家を引きつけてきたが、最も重要な作曲家の多くを集めることはできておらず、 269フランス学士院は、著名人の欠席が目立つため、常に名声を損なわざるを得ない。第二に、ニューヨークは国内で最も真面目さに欠け、最も気まぐれな都市であり、他の都市からは羨望と庇護が入り混じった目で見られている。

ボストンは、国内の他の地域からはさらに不人気だ。ニューヨークをはじめとする他の都市が、かつてボストンの音楽界を牽引した多くの才能を引き抜いてしまったため、かつてのような圧倒的な優位性を主張することはもはやできない。それでもなお、ボストンは、濫用されがちな「文化」という言葉を体現する、アメリカにおける最高の代表都市であり続けている。そして、あらゆる芸術の中でも、音楽は間違いなくボストンから最も高い評価を受けている。

ボストンがアメリカ音楽に与えてきた貢献は極めて重要であり、他のどの都市の貢献をもはるかに凌駕する。ボストン交響楽団のような素晴らしい組織がこれほど人気を博しているのは、ボストンの芸術に対する一般的な理解の堅固さを示している。また、このオーケストラはアメリカ音楽に多大な貢献をしてきた。 270作曲家にとって、自分の作品を世に知らしめる機会が与えられる。ボストンはアメリカ音楽の普及者であるだけでなく、その指導者としての役割も大きく担ってきた。

ボストンでは、人々は物事を真剣に、そして入念に考える。ニューヨークでは、物事を激しく、気まぐれに考える。ほとんどの一般論と同様に、この一般論にも当てはまるものより例外の方が多いかもしれない。しかし、便利なのは確かだ。

また、私がこれまで他の場所では触れてこなかった、これら二つの町の住民をまとめて紹介するのも都合が良い。シカゴの音楽家集団もまた活気のあるコミュニティを形成しており、セントルイスとクリーブランドも、単なる地域内活動以上の価値を持つ活動を展開している。かつてはドイツ的な気風が強く、音楽的に非常に栄えていたものの、急速かつ不可解な衰退を辿ったシンシナティは、再び活気を取り戻しつつあるようだ。これは主にフランク・ファン・デル・シュトゥッケンの尽力によるところが大きい。シンシナティには外国生まれの作曲家もいるが、リチャード・キーザーリング・ジュニアとエミール・ヴィーガントの作品も特筆すべきだろう。 271前者は1891年にヨーロッパへ渡り、ライプツィヒ音楽院でライネッケ、ホーマイヤー、ラスト、シュレック、ヤダッゾーンに師事した。また、シットに指揮を師事した。卒業時には、自身の作曲による「ジャンヌ・ダルク」を指揮した。1895年に故郷のシンシナティに戻り、以来そこで教鞭を執り、指揮を続けている。ピアノ曲や歌曲のほか、女声合唱とピアノのための「5月の歌」、ヴァイオリンとピアノのための6曲、男声合唱、バリトン独唱、オーケストラのためのバラード「ハロルド」、男声合唱のための「愛がなければ」、男声合唱曲集数曲、混声合唱のアカペラのためのモテット、弦楽オーケストラのための子守歌、ヴァイオリンとオーケストラのための序奏とロンド、大オーケストラのための「結婚行進曲」などがある。

エミール・ヴィーガントもシンシナティで生まれ、父親から初めてヴァイオリンの手ほどきを受けた。彼の理論研究は 272作品はすべてシンシナティで発表されている。彼は地元の交響楽団のメンバーであり、大編成オーケストラのための序曲、弦楽四重奏曲、そしてヴァイオリン、ピアノ、声楽のための様々な作品を作曲している。

サンフランシスコでは、ケリーやペイジが活躍していた時代に比べて、重要な音楽作曲活動は減少している。HB パスモアの作品は音楽通から高く評価されている。また、サンフランシスコ生まれでドイツで学び、交響曲、交響詩「ラミア」、ロマンティック・オペラなどを作曲したフレデリック・ゼック・ジュニア、カリフォルニア生まれで海外で教育を受けたコンサートピアニストで、ニューヨークで上演された序曲「ヘロとレアンドロス」などを作曲したサミュエル・フライシュマン、ヨーロッパで学び優れた作品を作曲した PC アレンの作品も同様に高く評価されている。

しかし、大都市にすべての優れた作品が含まれているわけではない。 273多くの小都市、さらにはいくつかの村にも、高い教養と真摯な努力を持つ人々が見られる。

ニューヨーク州ヨンカーズ在住のフレデリック・R・バートンは、ロングフェローの「ハイアワサ」を題材にした劇的カンタータを作曲し、頻繁に上演されている。この作品では、H・E・クレブヒールが書き留めた実際のインディアンの主題が用いられており、カンタータの中で見事に展開されている。不釣り合いなリズムで絶えず打ち鳴らされる太鼓が、明らかに野蛮な雰囲気を醸し出している。カンタータには、風変わりで感動的なコントラルトのアリアや、ミネハハの死の歌の哀愁漂う編曲も含まれている。バートンはハーバード大学卒業生で、作曲家であると同時に作家でもある。彼は1896年にヨンカーズ合唱協会を設立し、現在も指揮者を務めている。

コネチカット州ハートフォードには、1848年にマサチューセッツ州マリオンで生まれたネイサン・H・アレンがいる。彼は1867年にベルリンに行き、そこで学生として学んだ。 274彼はハウプトで3年間過ごした。この国ではオルガニストおよび教師として活躍している。彼の宗教音楽作品は数多く出版されており、カンタータ「聖ドロテアの神格化」もその一つである。

ロードアイランド州プロビデンスでは、ジュールズ・ジョーダンが著名な人物として知られています。彼は1850年11月10日、コネチカット州ウィリマンティックで植民地時代の家系に生まれました。主にオラトリオの歌唱に熱心で、その分野では著名な存在でしたが、数多くの歌曲も作曲しており、その中には非常に人気のあるものもあります。中でも傑作とされるのは、恍惚とした「愛の哲学」、魅力的な「オランダの子守唄」、「古い歌」、「そばにいて歌おう」です。彼は宗教歌、パートソング、そして独唱、合唱、オーケストラのための3つの作品、「風に吹かれた麦」、「夜の礼拝」、「バーバラ・フリッチー」も作曲しています。また、ソプラノとオーケストラのための劇的な場面である「ジョエル」は、ウースター音楽祭でノルディカ夫人によって歌われました。私はこの作品を見たことがありませんし、彼の 275ロマンティック・オペラ「リップ・ヴァン・ウィンクル」の作曲家。1895年6月、ブラウン大学より音楽博士号を授与された。彼の歌曲集が2枚出版されている。

宗教的な独唱曲や合唱曲を数多く作曲したE・W・ハンスコムは、メイン州オーバーン在住である。彼は1848年12月28日、同州ダーラムで生まれた。著名な教師のもとで特別な研究を行うため、ロンドン、ベルリン、ウィーンにそれぞれ長期滞在したが、主にメイン州で学んだ。ハンスコムは聖歌の他に、知的に書かれた6曲の歌と、特に優れた歌詞の「Go, Rose, and in Her Golden Hair」、非常に豊かなハーモニーの「子守唄」、そしてヴァイオリンのオブリガート付きの「クリスマスソング」2曲を出版している。

オハイオ州デラウェアにあるオハイオ・ウェズリアン大学には、作曲家のウィラード・J・バルツェルがおり、多くの優れた作品のインスピレーションを得ているが、出版されているのは2曲のみで、どちらもパートソングで、「ドリームランド」と 276『人生は花』という作品は、後者の文章が非常に優れている。

バルツェルは長年、フィラデルフィアの音楽的停滞の犠牲者であった。彼はそこで音楽教育を受けた。彼は大規模な作品として、ロセッティの「愛の夜想曲」に基づく組曲、序曲「三人の衛兵」、管弦楽のための「ノヴェレット」、カンタータ「生命の神秘」、そしてバリトン独唱付きの詩篇第17篇の未完の編曲を作曲した。これらはすべて管弦楽のために作曲されており、私が見た自筆譜には顕著な心理的力強さが表れている。その他の作品には、弦楽四重奏曲、三重奏曲、ロセッティの詩「エデンの庭」に基づく「リリス」、九重奏曲、そしてヴァイオリン・ソナタがある。彼はまた、ピアノとオルガンのためのフーガやその他の作品も作曲している。これらは見たことがないが、彼の歌曲の自筆譜を数多く読んだことがあり、それらは驚くべき力強さと詩に対する優れた理解を示している。彼の歌曲「欲望」は、 277太陽の光の中で金色の塵のように踊る、色鮮やかなハーモニーの斑点。彼の「マドリガル」にはスタイルとユーモアがたっぷりある。彼はラングドン・E・ミッチェルの詩に曲をつけたほか、歌曲集「旅」も作曲しているが、これは興味深い失敗作である。公の場で歌う歌手の興味を引けないという意味で失敗作であり、芸術的な音楽的風景の示唆という点で興味深い。また、深く憂鬱な歌曲「落ち葉」や、注目すべきディテールと奇妙だが効果的な曖昧な結末を持つ「喪失」もある。その他の歌曲としては、EC・ステッドマンの「汝は我がもの」の素晴らしく恍惚とした曲付けや、作曲家にとって非常に興味深い詩人であるリチャード・ワトソン・ギルダーの詩による一連の歌曲がある。「アザミの綿毛」は抗いがたいほど不安定で、「薔薇は必ず散るから」は気高い気分である。 「冬の心」は力強い短い歌で、「女性の思考」は1つか2つの危険な点を除けば 278瞬間は感動的で強烈だ。バルツェルは精緻な伴奏を作曲しているが、その技量は十分であり、彼はその効果を恐れていない。

遠く離れたコロラドの楽園に、有名なカール・ゴールドマークの甥であるルービン・ゴールドマークが住んでいる。彼は1872年にニューヨークで生まれ、公立学校とニューヨーク市立大学に通った。7歳でアルフレッド・M・リヴォニウスにピアノを師事し、17歳で彼と共にウィーンへ渡った。ウィーンではアントン・ドールにピアノを、フックスに作曲を学び、和声と対位法の3年間の課程を2年で修了した。ニューヨークに戻ると、ラファエル・ヨゼフィーとドヴォルザーク博士に1年間師事した。1892年、健康のためにコロラドスプリングスへ移住。そこで音楽大学を設立し、成功を収め、現在も学長および音楽関連の講師として活躍している。279

19歳の時、彼は管弦楽のための「主題と変奏曲」を作曲した。1895年にザイドル氏の指揮で演奏され、大成功を収めた。その和声は、古き良き時代のものらしく、非常に明快で甘美である。20歳の時、ゴールドマルクはピアノ、ヴァイオリン、チェロのための三重奏曲を作曲した。音楽院のコンサートでこの作品が初演された後、ドヴォルザーク博士は「これでゴールドマルクが二人になった」と叫んだ。この作品はカルテンボルン四重奏団のコンサートでも演奏され、出版もされている。それはためらいがちな問いかけから始まり、そこから真剣なアレグロへと導かれる。それは叙情的で健全だが、特に現代的ではなく、確かに精神的に革命的ではない。第2楽章のロマンツァは、より対位法的な工夫が見られ、深い憧れと魅力に満ちており、非常に美しい楽章である。スケルツォは、真剣な間隔を伴う、魅力的な陽気さを示している。 280ピアノパートは特にユーモラスだ。終楽章は、おそらく無意識のうちにエチオピア風の雰囲気を漂わせながら始まる。楽章全体が非常に独創的で趣がある。

ゴールドマルクの音楽は、保守的な簡素さから現代的な精緻さへと着実に発展を遂げており、もしそれが難解さを招かなければ、大いに称賛に値する発展と言えるだろう。しかし、合唱と管弦楽のためのカンタータ「ケブラーへの巡礼」を見る限り、この難解さがゴールドマルクのキャリアを脅かしているように思われる。この作品は、ところどころ非常に興味深く、独創性にも富んでいるものの、あまりにも難解で陰鬱なため、一般の人々に理解される可能性は低いだろう。

私が原稿で調査する機会に恵まれた作品の多くはその後出版されており、彼の歌曲の多くには独創性、達成感、そして将来性があります。マーロウの「カム・リヴ・ウィズ・ミー」の作曲は、多少の奇癖はあるものの、全体として、 281精緻で美しい伴奏に乗せた、流麗な旋律。荘厳で神秘的な「森の歌」は、「森から生まれた」という宣伝文句にふさわしい。「最初の恋」は瞑想的な独創的な和声を示し、奇妙な不協和音と解決で終わる。「森の眉を越えて」は、やや難解ではあるものの、非常に奇妙で興味深い。それほど難解ではない歌曲「夕べの星に」は、比較を強いるタイトルだが、楽しい歌曲である。「奇跡でなければならない」は、水晶のような和声に軽やかな不協和音がファセットを縁取る斬新な効果が注目に値する。ピアノとヴァイオリンのためのソナタとチェロのためのロマンツァが出版され、彼の「ハイアワサ」序曲はボストン交響楽団によって演奏された。この機会に、常に引用に値するメゾチント画家、ジェームズ・ハネカーは次のように書いている。

「非常に優れた作曲家の甥であるカール・ゴールドマルクは、今日ではすべてのグリーグを凌駕する作曲家である。 282マスネ、マスカニ、サン＝サーンス、ドヴォルザークなど、彼の作品には叔父のような存在が必ず現れる。先週水曜日、ゲリッケ氏とボストン交響楽団が彼の「ハイアワサ」序曲を演奏した。弦楽器による最初のカンティレーナで、私は思わず席から飛び上がりそうになった。それは驚くほど豊潤で、ゴールドマルク的だった。若きゴールドマルクが裁きを下したかのようだった。この家系の才能は色彩とリズムだ。この若者はそれらを備えているだけでなく、頭脳も持ち合わせている。独創的な発想はまだこれからだが、私は期待している。序曲はインド風ではないが、良いところがたくさんある。ただし、自由幻想曲は長すぎる。生命力があり、生命力がある限りリズムがあり、そして素敵な多様性がある。アレグロには力強い旋律が一つあり、勢いとダイナミックな輝きが続く。ルービン・ゴールドマルクは持続力があり、私はこの曲を二度聴きたかった。その若いアメリカ人作曲家は、最近怠けていたわけではない。

ニューヨーク植民地。
芸術が活気に満ちた時代には必ず激しい派閥争いが存在し、激しい派閥争いがあるところには必ず、その争いを仲裁しようとする 第三勢力が存在する。283 ダニエル・ウェブスターはロバート・ヘインズを想起させ、その二人が揃うと妥協主義者、ヘンリー・クレイを思い起こさせる。

音楽が活気に満ちている時に常に繰り広げられる、近代主義と古典主義の闘争において、異なる学派の相反する理論を調和させ、自らの作品の中でその調和を具現化しようと努める、情熱的な人々が必ず存在する。その興味深い例として、アーサー・ホワイティング作曲のピアノと管弦楽のための幻想曲、アメリカを代表するピアノ作品の一つにおける、その緻密な構成が挙げられる。

作曲家は、古典的なソナタ形式に敬意を払いつつ、それをよりロマンティックで現代的な用法へと変容させることを目指した。彼の実験の結果、あらゆる作曲家が興味を持つであろう形式が生まれた。ホワイティングが言うように、彼はソナタ形式を「テレスコープ化」したのだ。緩やかな序奏は第1主題と第2主題への準備となる。 284それらは通常通り現れるが、現れる時点でやや展開されている。ここで、通常の展開の代わりに、牧歌的な楽章が前面に出てくる。これに続いて、第1主題と第2主題の再現部が現れる。そして終楽章が現れる。これらの楽章はすべて間を置かずに演奏され、その結果は非常に成功したため、ホワイティングは同じ構成を五重奏曲にも用いている。

筆跡鑑定士は、書かれたページの「絵のような効果」について言及するのが好きだ。異なる作曲家の楽譜の「絵のような効果」の類似性を見ると、驚くことがある。例えば、美しくも酷評されているペロージは、腕を伸ばして見るとパレストリーナの楽譜だと断言できるようなページを数多く書いている。ホワイティング氏の音楽の中には、明らかにブラームス的な絵のような効果を持つものがある。ホワイティングのコンサートでブラームスに対して示された熱意を思い出すと、この感覚はさらに強まる。 285そこでは、ウィーンのウルサス・ミノールの作品が特別な地位を占めている。しかし、その類似性は表面的なものに過ぎず、ホワイティングの音楽は独自の個性を持っている。

問題の幻想曲（作品11）は、個性と輝きに満ちている。第1主題は弦楽器によって情熱的に提示され、ピアノが全体的な輪郭に沿ってアラベスク模様で加わる。これがいくらか展開された後、第2主題が気まぐれに平行長調で現れる。これは非常に豊かな半音階で書かれており、かなり自由に展開される。それは突然、通常第2楽章と呼ばれる牧歌的な楽章に消え、ピアノにオーボエ、フルート、クラリネット、そして最後にホルンが応える。これは徐々に情熱的になり、第1楽章の再現部に融合する。この再現部では、牧歌的な楽章の思い出がかすかに垣間見える。非常に勇ましいコーダが最後の楽章へと導く。 286「スケルツァンド」と記されているものの、むしろ行進曲風の雰囲気を持つ。実に高貴なこの楽曲は、華麗かつ力強く幕を閉じる。オーケストラ譜と2台ピアノ譜が出版されている。

ホワイティングは1861年6月20日、マサチューセッツ州ケンブリッジで生まれた。ウィリアム・H・シャーウッドにピアノを師事し、ボストン交響楽団やクナイゼル弦楽四重奏団で演奏家として成功を収めた。両楽団は彼の作品を演奏している。1883年にはミュンヘンに2年間滞在し、ラインベルガーに対位法と作曲を師事した。現在はニューヨークを拠点に、コンサートピアニスト兼教師として活動している。

彼のピアノ作品は4曲あり、「6つのバガテル」のうち「カプリス」は魅力的で心に残るコーダを持つ一方、「ユーモレスク」はそれほど単純ではなく、面白​​みも少ない。「アルバム・リーフ」は心地よい気まぐれで、「イディール」は羊毛のように繊細である。288 3つの「特徴的なワルツ」の中で、中でも「感傷的なワルツ」は群を抜いて興味深い。非常にロマンチックな、一種の和声的な霞を巧みに作り出している。

牧歌的。
[聞く]

アーサー・ホワイティング。

音楽

著作権は1895年、G.シャーマーに帰属します。

断片。

ホワイティングは声楽曲をほとんど作曲していない。教会音楽に強い関心を持ち、様々な賛美歌、朝と夕方の礼拝曲を作曲している。これらの曲は、米国聖公会の伝統的な教会音楽の様式を概ね踏襲しつつも、演劇的になりすぎることなく熱烈な印象を与える。その他、三重奏曲、ヴァイオリン・ソナタ、ピアノ五重奏曲、弦楽のための組曲、管弦楽のための演奏会用序曲などが彼の作品リストに名を連ねている。

ホワイティングの「ファンタジー」の上演の際に、フィリップ・ヘイルは次のように彼を的確に表現した。

「以前から私は、ホワイティング氏が初めて天職について考えたとき、チェスと音楽のどちらを選ぶか迷ったに違いないと考えていた。彼の音楽は、まるでゲームのように、オープニングやギャンビット、そして奇妙な仕掛けに満ちているように思えたからだ。」 289彼は演奏者であり、観客は彼の敵役だった。ホワイティング氏は概して容易に勝利を収めた。観客は勝負を諦め、音楽家の技量に感嘆した。

「あなたはホワイティング氏の音楽を尊重していましたが、個人的な愛情は感じていませんでした。その音楽には人間味が欠けていました。ホワイティング氏は当時も今も、高い理想を抱いていました。音楽における官能性は、彼にとって耐え難いものであり、公序良俗に反するものであり、町議会によって抑圧されるべきもののように思えました。おそらく彼は音楽における性表現の差し止めを求める請願までには至らなかったでしょうが、彼の唯一の目的は厳格な知性でした。彼は『敬虔で神聖な作曲への真摯な呼びかけ』や『音楽的完成度に関する実践的論考』を書いたかもしれません。後者には、同じ著者による『舞台娯楽の絶対的違法性の完全な証明』が新たに加えられています。」

ホワイティング氏の音楽に対する姿勢には、ほとんど不寛容とも言えるものがあった。彼はユーモアよりも機知に富んだ人物で、皮肉のセンスに長けている。勤勉で几帳面、そして自身の作品に対しては厳しい評価を下す。音楽家としては、たとえ最も精彩を欠く時期であっても、心からの尊敬に値する人物だった。

「この幻想曲は、ホワイティング氏の音楽的思考様式の変化を明確かつ明確に表したものであり、その変化は間違いなく良い方向への変化である。」 290純粋な知性の発揮は依然として見られるし、自ら課した問題の解決も依然として見られる。しかし、ホワイティング氏の音楽的喜びはもはや厳密には利己的なものではない。ここに真の意味でのファンタジアがあり、形式は想像力に従属している。伝統的な用語に従うならば、第1楽章は、特に目立った本質的な価値を持たない主題素材を扱う際の技巧、いや、想像力によって際立っている。パストラーレは新鮮で示唆に富んでいる。ありふれたパストラーレは退屈だ。お決まりのレシピがある。卵ほどの大きさのオーボエを用意し、フルートでかき混ぜ、少しピアノを加え、ミュートをかけた弦楽器をひとつかみ入れ、全体を9対8のシチュー鍋で弱火でじっくり煮込む。しかし、ホワイティング氏は風景と動物の世界を稀に見るほど慎重に扱っている。音楽は喜びを与え、静かで苦悩のない美しさ、その単純さ、その慎重さによって心を癒した。同様に、明確な印象を抱こうとも望まなかったとしても、フィナーレはありきたりな華麗な語り口ではなかったため、興味をそそられた。フィナーレは、私が耳にしたひどい表現を借りれば、「巧妙」以上の何かを持っている。それは個性的であり、この賞賛は作品全体に与えられるべきである。また、これは幻想曲ではあるが、単なる無秩序で制御不能な、支離滅裂な眠りを追いかけるようなものではないことを忘れてはならない。

「この作品には、それよりも温かい精神が宿っている。」 291それは、ホワイティング氏の以前の作品に活気を与え、生命を吹き込んでいたものだった。そこには深い感情も、官能性も、鮮やかな色彩も、「落葉樹の季節の色」もない。これらは現在の作風にはそぐわないかもしれない。しかし、より際立った生命力があり、世界や人々に対するより確固たる共感があり、より人間味にあふれている。

「ピアノはここではオーケストラの楽器として扱われており、ホワイティング氏はそれを実に巧みに演奏した。彼の演奏スタイルは独特で、音色さえも彼独自のものである。金属的な響きではなく、明瞭さを持ち、その力強さは一見すると意外なほどだ。彼の演奏は驚くほど清らかでしなやかであり、その個性は新鮮だった。彼はホワイティング氏の思いを、ホワイティング氏自身のやり方で表現した。こうして彼は作品と演奏の両方で、正当な成功を収めたのだ。」

ヘンリー・ホールデン・ハス

多くのアメリカ人作曲家は母親から最初の音楽教育を受けており、父親から受けた人はごく少数である。ハス氏は後者の一人である。彼の音楽的基礎の堅固さは、非常に正しい出発点であったことを物語っている。彼は1862年6月21日、ニュージャージー州ニューアークで生まれた。彼の音楽理論の最初の教師は 292オーティス・B・ボイスは、この国で生まれたが、過去20年間ベルリンで理論の教師を務めている。フスは1883年にミュンヘンに行き、3年間滞在した。彼はラインベルガーの下で対位法を学び、その熟練度で公に称賛された。2回目の試験では、小オーケストラのための牧歌「森の中で」が上演され、卒業時にはピアノとオーケストラのためのハ長調の「狂詩曲」を演奏した。アメリカに戻って1年後、この作品はボストン交響楽団によって演奏された。その1年後、ファン・デル・シュトゥッケンは、アメリカ人作曲家による最初のコンサートでこれを演奏した。翌年、フスの女声合唱、弦楽オーケストラ、ハープ、オルガンのための「アヴェ・マリア」が公開された。その翌年、彼は自身の作品のコンサートを開催し、同じ1889年、ファン・デル・シュトゥッケンはパリ万国博覧会で彼のヴァイオリン・ロマンスとヴァイオリンとオーケストラのためのポロネーズを上演した。

293彼が作曲したピアノ協奏曲は、1894年にボストン交響楽団と初演して以来、数え切れないほど演奏されている。

その他の作品（そのほとんどが出版されている）には、女性のアカペラのための「泉」、合唱とオーケストラのための祝祭曲「サンクトゥス」、合唱、オルガン、オーケストラのための「復活祭のテーマ」、ソプラノとアルトのソロを含む合唱とオーケストラのための「風」、オルガンとオーケストラのための「祝祭行進曲」、ヴァイオリンとオーケストラのための協奏曲、ピアノ、ヴァイオリン、チェロのための三重奏曲、ピアノのための「熱情前奏曲」があり、これはアデル・アウス・デア・オーエ嬢に献呈され、彼女自身が演奏したもので、協奏曲も彼女に献呈されている。

このニ長調の協奏曲は、フスの持つあらゆる才能の豊かさを示す好例である。第1楽章には、軍歌的な威厳と高慢さ、そしてサルダナパーラ風の豪華さと色彩が備わっており、 294野蛮な勝利。ショパンが明らかに模範となっており、その結果は最も騒々しい部分でさえ常にピアノ的である。フスはピアノを徹底的に調べ、想像しうる限りのあらゆる色彩豊かな素材を略奪した。この作品の高度な技術的難しさは、壮麗さへの欲求にとって全く付随的なものである。その結果はゴージャスで紫色に染まっている。アンダンテは第1楽章に劣らず凝っているが、フィナーレではパレードの障害物がいくらか取り除かれ、まるでパレード参加者が壮麗さを脇に置いて、よりくだけた祝祭の期間を過ごしたかのようだ。その精神はスケルツォのものであり、主要主題は想像しうる限り最もキャッチーで、リズムは奇妙で抗いがたく、全体の雰囲気はサトゥルナリア的である。コーダでは第1楽章が想起され、全体は花火の輝きで終わる。

1889年にシンシナティで初演された際、ロバート・I・カーターは次のように記した。295

「これは紛れもなく交響曲であり、ピアノはオーケストラにおける一つの声部として、卓越した技巧で用いられている。この作品の魅力はその簡潔さにある。ピアニストはすぐに、この作品は本質的にピアノ的であると述べるだろう。もっとも、「ピアノ的」という言葉は濫用されがちで、あまり意味をなさない。伝統的なカデンツァは確かに存在するが、枠からはみ出すことは許されず、前後の楽章との関係性は完璧であるため、一般の聴衆はカデンツァが存在しないとさえ思うかもしれない。不当な比較をするつもりはないが、率直に言って、私にとってこれは間違いなく最高のアメリカ協奏曲である。」

フスは本質的に劇的で叙情的な作曲家だが、同時に旧来の主題作曲家としても自らを示そうとしているようだ。私がカルテンボルン四重奏団の演奏で聴いた彼の三重奏曲には、彼の活動の二つの側面が見られた。三重奏曲の大部分にはランプの匂いが漂っており、最も形式的で精緻な対位法に生命力を吹き込むような、必要なエネルギーの毛細管現象が概して欠けているように思われた。 296前ロマン派の層。しかし、この三重奏曲のアンダンテは、フスの類まれな歌唱の才能を如実に示していた。それは感情に満ち溢れ、キーツが生み出した難解な言葉を借りれば、「切ない」ものだった。フスはこの種の音楽をもっと書くべきだ。ティボルトが戦ったように「教科書通り」に作曲する人々の、あまりにも頻繁に見られる数学的な音楽ではなく、フスの稀有な自発性と真実味こそ、私たちには必要ないのだ。

ピアノ曲としては「3つのバガテル」があり、旋律よりも和声的な「メロディックな練習曲」、シューマンのアラベスクのように優雅に織り込まれた「アルバムブラット」、そして右手に与えられた音楽の優雅さが、左手に与えられた音楽の不可解な厳しさによって打ち消されてしまう「田園」がある。

声楽に関しては、もちろん「Du bist wie eine Blume」の編曲版があり、伴奏が先に書かれたように見える点を除けば、非常に純粋な作品である。「セイレーンの歌」は 297力強い構成と壮大なクライマックスが特徴的な「ジャスミンのつぼみ」は極めて繊細で、「涙を蒔く者たち」は威厳に満ちている。テニスンの歌曲「ここに甘美な音楽がある」と「彼らは彼女の戦士の死体を故郷へ連れて帰った」は、オーケストラ伴奏付きで収録されている。

間違いなく最も重要で、真に優れた作品は、ソプラノとオーケストラのためのアリア「クレオパトラの死」である。歌詞はシェイクスピアの戯曲から取られており、死にゆくエジプトに与えられた名台詞「私のローブをくれ、私の王冠をかぶせてくれ、私の中には不滅の憧れがある」などを用いている。音楽は聖なるテキストに敬意を払うだけでなく、そこからインスピレーションを得て、熱狂と悲劇の極みに達している。フスはシェイクスピアから、もう一つの非常に興味深いアリア、バリトン声のための「人生の七つの時代」の編曲の着想を得た。 298シェイクスピアの戯曲を音楽にするのは厳格だが、これらの戯曲は、適切な装備を備えた音楽家にとっては宝の山である。

アメリカ人作曲家がオーケストラに演奏してもらうことの難しさを鮮やかに示す例として、ハワード・ブロックウェイの経験が挙げられる。彼は1895年にベルリン・フィルハーモニー管弦楽団によって交響曲を演奏してもらったが、その後5年間、その作品の素晴らしさにもかかわらず、アメリカで演奏してもらう機会を得ることができなかった。この作品のスコアは非常に成熟しており、遠くから楽譜を一目見るだけでその技巧がわかるほどである。この作品がドイツで演奏された際、ベルリンの批評家たちは大いに好意的に受け止めたが、彼らはこの作品に、作曲家の若さゆえに自然に備わっていたであろうあらゆる特質が著しく欠けていると感じた。

ブロックウェイは1870年11月22日にブルックリンで生まれ、HOCにピアノを師事した。 299ブロックウェイは1887年から1889年までコルテウアーに師事した。20歳でベルリンに渡り、バルトにピアノを、アメリカから移住してきたOBボイスに作曲を学んだ。ボイスはブロックウェイに徹底的な訓練を施し、彼は最も流暢で完成度の高いアメリカ人作曲家の一人となった。24歳で交響曲（作品12）、管弦楽のためのバラード（作品11）、ヴァイオリンとピアノのためのソナタ（作品9）、そしてヴァイオリンと管弦楽のためのカヴァティーナを完成させた。これらの作品は、いくつかのピアノ独奏曲とともに、1895年2月にシングアカデミーで開催されたブロックウェイ自身の作品コンサートで演奏された。彼の作品は、非常に成熟しており、将来有望であると評価された。数か月後、ブロックウェイはニューヨークに戻り、以来、教師兼演奏家としてニューヨークに住んでいる。

ニ長調のこの交響曲は生命力に満ち溢れており、その躍動感あふれる第一主題はほんの数小節しか続かない。 300ゆっくりとした導入部。第2主題はより単純だが、喜びに劣らない。主題は学術的であると同時に熱意に満ちている。交響曲の各楽章は、最終楽章のコーダが第1楽章の補助主題の回想であるという点を除けば、主題的に関連していない。アンダンテでは、チェロが非常に叙情的で、優しく物思いにふけるような雰囲気である。プレストは生命力に満ち溢れ、陽気で、歓喜に満ちた三重奏がある。終楽章は陰鬱で行進曲風に始まり、その後、美しさと優雅さの期間が続く。実際、この楽章は、この上なく美しいと最も抑制のない技巧が見事に融合したものである。

アメリカ音楽において非常に重要なもう一つの管弦楽曲は「シルヴァン組曲」（作品19）であり、これはピアノ用に編曲もされている。この作品において作曲家は、 301楽器の使用法としては、小編成の合唱団を長期間にわたって多用している。この作品は心理学的にのみ標題音楽である。冒頭は「真夏の牧歌」で、暑い正午の眠気を誘う気まぐれさを表現している。2曲目は「鬼火」。ここでは弦楽器、木管楽器、ホルン1本による3声のフーガが、正当な効果と、非常に挑発的で束の間の気まぐれさをもって用いられている。3曲目は「妖精の踊り」と呼ばれるスローワルツで、ファゴットとチェロが繊細に揺れる非常にキャッチーな曲である。短い「夕べの歌」に続いて「真夜中」が続く。これはゴットシャルクの「夜の行進曲」を強く想起させる行進曲である。行進曲の後に、ヴェルギリウスが言うように「光の下で震える」夜の神秘を描いた間奏曲が続く。作曲家はこの楽章の終わりに、2本のフルートと弦楽器が震えるようなポンティチェロで奏でる和音によって、夜明けの冷たい灰色を表現しようと試みている。 302最後の楽章は「夜明けに」です。ファゴットの陰鬱な響きの中から、広く明るい歌声が湧き上がり、続いて生活の喧騒を描いた間奏曲が流れます。そして、非常に生き生きとした伴奏とともに、日の出のテーマが再び現れます。

ブロックウェイのその他の作品には、カンタータ、変奏曲、バラード、夜想曲、キャラクター小品、幻想小品、ピアノ曲4曲（作品21）、ピアノ曲2曲（作品25）などがある。カンタータを除くこれらの作品はすべて出版されている。また、2声歌曲とピアノ伴奏付き歌曲2​​曲も出版されており、ヴァイオリン・ソナタ、楽興の時、ヴァイオリンと管弦楽のためのロマンツァはベルリンで出版されている。

これらの作品はすべて、華麗で難解な音楽を作曲するという明確な傾向を示しているが、その難しさは効果と場面に見合った正当なものである。バラードは非常に力強いクライマックスへと盛り上がり、スケルツィーノは速いテンポで展開する。304実に魅力的であり、ピアノのためのロマンツァは、特に円熟した重厚な作品である。

[聞く]

音楽

著作権、1894 年、ベルリンの Schlesinger’sche Buch und Musikhandlung (Rob. Lienau) による。

ハワード・ブロックウェイの「バラード」の断片。

ハリー・ロウ・シェリーというロマンチックな名前をアメリカで広く知らしめたのは、2つのバラードである。トム・ムーアの情熱的な「ミンストレル・ボーイ」と、「ラブズ・ソロウ」という奇妙な言葉で綴られたバラードだ。どちらの曲も音楽は激しく情熱に満ちており、これほどまでに素晴らしさを増した曲は滅多にない。

ハリー・ロウ・シェリーのサイン

しかしシェリーは、多くの作品よりも、自分の芸術性と関心をより多く注ぎ込んだ作品によって評価されることを間違いなく望むだろう。305 彼が人気という名のもとに軽々しく発表した曲たち。

ハリー・ロウ・シェリー

シェリーの生涯は、主に教会活動に捧げられた。1858年6月8日、コネチカット州ニューヘイブンに生まれ、グスタフ・J・ストッケルに音楽を教えられ、その後7年間ダドリー・バックの指導を受けた。20歳でニューヘイブンのオルガニストとなり、3年後には同じ職でブルックリンに移った。ヘンリー・ウォード・ビーチャーが亡くなるまで、プリマス教会のオルガニストをしばらく務めた。1887年からはピルグリム教会に在籍している。1887年にはヨーロッパを訪れ、ボヘミアの巨匠ドヴォルザークが来日した際に、彼に師事した。

シェリーの最大の作品は、現在も原稿中のオペラ「レイラ」、交響詩「十字軍」、劇的序曲「フランチェスカ・ダ・リミニ」、宗教オラトリオ「神聖なる遺産」、管弦楽のための組曲、ピアノと管弦楽のための幻想曲などである。306トラ（ラファエル・ジョセフィのために書かれた）1幕の音楽劇、3幕の叙情劇、そして力強い交響曲。組曲は「バーデン＝バーデンの思い出」と呼ばれている。これは、非常に精巧に作られた陽気な小品の連続で、活気のある「朝の散歩」、夢のような「昼寝」、「会話の家の舞踏会」、そしてモーツァルトとベートーヴェンのトルコ行進曲の影響が見られる風変わりな「東洋風セレナーデ」が含まれている。この作品のオーケストレーションは、私は聴いたことも見たこともない。しかし、4手のための編曲は、セコンド奏者の関心に配慮した見事な出来栄えである。

このカンタータは「神聖なる遺産」と呼ばれ、シェリーの最高傑作と言えるでしょう。冒頭は「エルサレム」という言葉で始まり、長くゆっくりとしたクレッシェンドで力強く響きます。しかし、シェリーは想像上のアンコールに応え、その言葉は単なる罵り言葉へと変化していきます。307

7ページ目（専門用語ではなく便宜上こう呼ぶ）は、特に気高い響きのハーモニーが特徴です。ここで新しいアイデアが始まり、11ページの2小節目で突然のクライマックスの壮大さへと、豊かさと熱意を増しながら展開されます。2音のオルガンポイントで強化された最後のフレーズは、実にスリリングです。続いてテノールソロがあり、その導入のレチタティーヴォには多くの素晴らしい要素が含まれており、アリアは滑らかで旋律的です。次に、温かみのあるハーモニーと驚くほど美しく予想外のエンディングを持つ合唱があり、その後に重厚ながらも印象的なアルトソロが続きます。続く2つの合唱、四重唱、そしてソプラノソロは、作曲家の意図を汲み取っているようです。バスソロはさらに優れており、最後の合唱で再び高みへと戻ります。62ページ目は特に精神性に溢れており、ここから合唱は燃えるような高みへと昇っていきます。ベルリオーズの有名な「アーメン」フーガのパロディにもかかわらず、「地獄の業火」では 308シェリーは作品の締めくくりに「ファウスト」という言葉を20回以上も繰り返し用いている。しかし全体として、この作品は感情と表現の成熟度が高く、アメリカの宗教音楽に顕著な貢献を果たしている。

1898年に『死と生』が出版された。この作品は、十字架の前で群衆が歌う劇的な合唱で始まり、ソプラノ歌手までもがAナチュラルまで音域を下げていく大胆なユニゾンで幕を閉じる。キリストとマリアが息子をどこに葬ったのかを捜し求める二重唱では、台本作家はキリストに韻文を用いた言い換えを与えているが、これは趣味と文法の両面で疑問が残る。しかし、最後の合唱には春の炎のような熱気が感じられ、この作品は特に復活祭の礼拝にふさわしいものとなっている。

カンタータ「ヴェクシラ・レギス」は、勇壮な冒頭の合唱、バス独唱「槍が我々のために染められた深淵」、そして学術的かつ効果的な終結部で特筆すべき作品である。309

宝石細工師のような技巧と、小さな作品作りへの情熱は、ゲリット・スミスの持ち味である。彼の「アクアレル」は、彼の宝飾品における芸術性を示す好例と言えるだろう。このコレクションには、8曲の歌曲と8曲のピアノスケッチが収録されている。最初の「子守唄」は、声部が珍しい9度音程で始まる。ベースのシンコペーションによって控えめなアクセントが加えられ、エンディングの切ない優しさがこの絶妙な歌曲を締めくくる。「夢の翼」は、コールリッジの歌詞の繊細な感情を的確に表現した、優雅な幻想曲である。ハイネの「もみの木」の編曲は、この詩の数多くの編曲の中でも、ひときわ高く評価されるべき作品である。スミスは、冷たい音階の和声と大胆でシンプルな伴奏によって、もみの木の荒涼とした住処の寂寥感を表現している。同様に孤独なヤシの木の住処は、熱帯の豊かな間奏と伴奏によって、強い対比をなしている。

6曲目は素晴らしい曲です310軽快な音楽ではあるが、詩とは全く調和していない。例えば、「マージェリーはたった３人」という歌詞のところで、東洋的な絶望の宣言にふさわしい激しいクライマックスを迎える。これらの歌曲の最後を飾る「リュートのそばに」は、おそらくスミスの最高傑作だろう。最初から最後まで素晴らしい。ありきたりではない前奏曲風のアルペジオで始まり、そこから軽快な叙情詩へと展開し、力強いベースの対旋律によって情熱が高められる。全体を通して、和声は独創的で効果的、そして驚きに満ちている。

本書に収録されている8つの器楽曲の中で、優美で流麗な「即興曲」は、「子守歌」に次いで最高の作品と言えるだろう。「子守歌」は、甘美なハーモニーでうっとりするような雰囲気があり、オルガンのような荘厳な響きを持つ一節が含まれているため、子守歌とはやや不釣り合いなほどである。

スミスは1859年12月11日にメリーランド州ヘイガーズタウンで生まれた。彼の最初の教育は 311ニューヨーク州ジュネーブでモシェレスの弟子からオルガンの技術を習得。幼い頃から作曲を始め、14歳で作曲した作品は寄宿学校で演奏された。1876年にホバート大学を卒業後、シュトゥットガルトで音楽と建築を学んだ。翌年、ニューヨークでサミュエル・P・ウォーレンにオルガンを師事。バッファローのセント・ポール教会のオルガニストに任命され、夏期講習ではユージン・セイヤーとウィリアム・H・シャーウッドに師事した。1880年、再びドイツへ渡り、ベルリンでハウプトにオルガンを、ローデに音楽理論を師事。アメリカ帰国後、オールバニーのセント・ピーターズ教会のオルガニストに就任。その後ニューヨークに移り、コンサートツアーや海外旅行を除いて、以来ずっとニューヨークに在住している。イギリスやヨーロッパ大陸の主要都市でオルガンを演奏しており、アメリカで最も著名なコンサートオルガニストの一人と言えるだろう。 312彼は文学修士号と音楽博士号の両方を取得している。写本協会の創設者の一人であり、長年にわたり会長を務めた彼は、これまで埋もれていた多くの民族音楽に光を当てるために尽力した。

数多くのイースターキャロル、クリスマスアンセム、テ・デウムなどの小規模な宗教音楽に加え、スミスは聖歌カンタータ「キング・デイビッド」を作曲した。オーケストレーションや全体的な構成において、多大な労力を要するこの作品を除けば、スミス博士の作曲作品は概して小規模なものにとどまっている。

5曲からなる作品14は、円熟した叙情性と、高まる感情表現を示している。ブルディヨンの「夜は千の目を持つ」は、いくら音楽に乗せても決して飽きることのない名曲であり、ここでは実に素晴らしい演奏が聴かれる。フィナーレを兼ねる間奏曲は、特に魅惑的だ。 313「ハート・ロンギングス」は、スミス氏の最高傑作の一つです。彼のどちらかというと静かな作風からは想像もつかないほど、奔放な情熱と劇的な力強さが感じられます。ブルディヨンの美しい歌詞に曲をつけたこの曲は、実に感動的で、現代歌曲の中でも高い評価に値します。「メロディー」は、感情に欠けるわけではありませんが、スミスの欠点のほとんどを内包した歌詞です。例えば、ありきたりなアレグロである前奏曲は、間奏曲としても後奏曲としても機能し、両スタンザの旋律と伴奏は、後者のスタンザの終止形を除いて変化がありません。無限の可能性を秘めていたにもかかわらず、その才能が開花する前に命を落とした詩人、アンナ・リーブ・アルドリッチの力強い詩は、音楽家によるこのような扱いを受けるべきではありませんでした。スミスの作品のうち2つは、ミレーの「最高の作曲家たちとの30分」に掲載されました。これは、このアメリカ人音楽評論家に対する最初の本格的な評価の一つです。しかし、「ロマンス」は彼のピアノ曲の中で最も優れていて精巧な作品であり、315 実に素晴らしい作品だ。彼の最新作であるピアノのための10曲からなる連作「コロラドの夏」は、実に興味深い。どの曲も叙情的でシンプルだが、優雅さと新たな色彩に満ち溢れている。

春。
アルフレッド・テニスン作詞。
[聞く]

ゲリット・スミス、作品13、第4番。

音楽

著作権、1894年、アーサー・P・シュミット。

鳥の愛と鳥の歌、
あちこち飛び回り、
鳥の歌と鳥の愛、
そして金色の髪のあなた。
鳥の歌と鳥の愛、
天候とともに過ぎ去り、
男たちの歌と男たちの愛、
一度きりの永遠の愛。

断片。

しかし、スミスの最も個性的な作品は、子供向けの歌曲集であり、これは同種のライネッケの作品とよく比較され、高く評価されている。これらはまさにそのジャンルの傑作であり、主に作品番号12の「25の歌の小品」にまとめられている。

それらは非常に良く書かれているため、安全なガイドであり、子供の最初の味覚形成という最高の信頼に値する。不協和音さえも、控えめに、しかし十分に勇敢に用いられ、音楽を単なる甘美な無力感以上のものにするさまざまな要素を示唆している。それらは、特にアメリカの学校で子供たちが通常教え込まれるひどいゴミとは全く異なり、ほとんど治癒不可能な 316彼らの音楽的趣味の歪み。また、洗練と、子供を長く引き留めておくことができないユーモアに満ちているため、「大人」にとっても非常に興味深いものであり、これらの歌の真の芸術的価値は大人にのみ完全に伝わる。特に言及する価値があるのは、おいしい「星と天使」、楽しい「乗る馬車」、「神よ国王を守りたまえ」の伴奏の上にうまく構築された魅惑的なメロディーの「善良なアーサー王」、「子供時代の最初の悲しみよりも大きな悲しみがあるならば、より大きな目的に十分ふさわしい最も誠実な哀愁のエレジーである「バーディーの埋葬」、驚くほど滑稽な「大麦のロマンス」、すべてをきれいに掃き清めるプログラム的なグリッサンドを備えた「ほうきと杖」である。そして「雨の歌」「コガラ」「ママの誕生日」「玄関先のクリスマス」などの他の楽しい作品。これらの作品に現在の価値と完成度を与えたのは、 31712曲の安っぽい交響曲を作曲するよりもはるかに偉大なことを成し遂げた。

アメリカで出版されたピアノ曲の中で最も爆発的な人気を博した作品の一つが、ホーマー・N・バートレットの「グランデ・ポルカ・ド・コンセール」です。これは彼の作品番号1番で、何年も前に作曲されたものですが、彼は最近、「主よ、みもとに近づかん」と「古樫の木桶」を題材にした幻想曲の作曲という高額な依頼を断ったと私に話してくれました。ですから、彼が改心し、賢明になり、音楽の誓約書に署名した今、彼が印税を稼いだ過去の放蕩を許し、近年の彼の真摯で誠実な作品に目を向けるべきでしょう。例えば、作品番号38番の「ポロネーズ」は、ショパンを凌駕するほどの華麗さを持ちながらも、力強く、まとまりのある作品です。ピアノのための「小人の踊り」は六重奏用に編曲されており、単なる転写ではなく、発展的な編曲となっています。マズルカは2曲（作品番号71番）あり、最初のマズルカは非常に独創的です。 318そして幸福。「エオリアン・マーマリングス」は、鮮やかな色彩の見事な習作である。「カプリス・エスパニョール」は、スペインの熱狂を華麗に実現した作品である。また、オーケストレーションも素晴らしい。作品96は、歌詞のない2つの歌曲で構成されている。「瞑想」はワーグナーへの瞑想があまりにも明白である一方、「愛の歌」は音楽のブルジョワジーから完全に離れている。自由で、活気に満ち、大胆ですらある。明らかに、主題の展開よりも感情の表現に重きが置かれている。この「愛の歌」は、アメリカの小品の中でも最高傑作の一つであり、全くもって称賛に値する。

作品107には3つの「特徴的な小品」が含まれている。「ゼファー」はショパンのプレリュード第15番に危険なほど似ており、同じ変イ音で脈打つオルガンの音符がある。しかし、バートレットはこの異質な土台の上に豊かなハーモニーを築き上げている。「ハーレクイン」は優雅で陽気だ。最後はルービンシュタインのサインと印章である6度のアルペジオで終わるが、これは小説の結末と同じくらいありきたりな音楽的終結である。 319「彼らはその後、多くの尊敬する友人たちに囲まれ、幸せに暮らしました。」

作品125は3つのマズルカから構成されている。これらはショパンの作品を忠実に模倣しており、当然ながら、ポーランド人作曲家ショパンがほぼ唯一持ち合わせていた機知に富んだ作風には及ばない。しかし、バートレットは可能な限り独創的な模倣を成し遂げた。特に2曲目は魅力的である。

手稿には、よく知られた旋律線に沿って興味深く展開された前奏曲が収められている。また、素晴らしい「詩的夢想」もある。これは成功の頂点であり、学識あるインスピレーションの結晶と言えるだろう。数少ないアメリカのスケルツォ作品群において、バートレットのスケルツォは大いに歓迎されるに違いない。それは非常に祝祭的で、非常に独創的である。豊かな和声で構成された間奏曲は、ショパンの圧倒的な影響からの完全な解放を示しており、力強さと個性の両面で大きな進歩を遂げている。

バートレットの歌曲は、ピアノ曲よりも一貫して高い質を誇っている。 320「ムーンビームズ」には、繊細なハーモニーが数多く含まれている。「ラフィング・アイズ」は、ニム・クリンクル・ウィーラー氏の絶妙な歌詞にふさわしい曲付けとなっている。「カム・トゥ・ミー・ディアレスト」は、全体的な構成は簡素だが、細部にまでこだわりが見られる。

小川の歌を褒めるのは気が進まないのですが、バートレットの「小川のささやきが聞こえる」は実に美しく、切ない悲しみに満ち、気高い歌です。初期の重厚なスタイルが「おやすみ、愛しい人」に見られるように、この歌は後期ドイツ 歌曲の典型と言えるでしょう。「バラのつぼみ」の軽やかさと優雅さもまた、非常にドイツ的です。

あの素敵な童謡集『聖ニコラス歌集』に、バートレットは大きく貢献した。彼の歌詞はどれも素晴らしく、「小さなポニーを飼っていた」はきっと童謡の定番となるだろう。

バートレットは「主よ、我が祈りを聞きたまえ」でバッハ＝グノーの「アヴェ・マリア」に挑戦状を叩きつけるが、結果はむしろ悲惨なものとなる。彼はクレーマーの 321練習曲に加えて、声楽、ヴァイオリン、オルガンのパートも加えている。グノーは情熱的で奔放に見えるが、バートレットはあらゆる場面で慎重さと抑制を示している。いずれにせよ、クレーマーの練習曲は地上で最も憂鬱なもののひとつである。「エホバ・ニッシ」は賞を受賞した優れた宗教行進曲で、カンタータ「最後の族長」もある。バートレットのカンタータはインディアン色彩を狙ったものではないが、威厳、野蛮な厳しさ、そして情熱に満ちた堅実な作品である。

バートレットは1846年12月28日、ニューヨーク州オリーブで生まれた。彼の祖先はニューイングランドに深く根ざしており、母親は殉教者ジョン・ロジャーズの子孫である。バートレットは「数字を口ずさんでいた」と言われ、言葉を発音できるようになる前から歌は正しく歌っていた。ヴァイオリンが彼の最初の愛であり、8歳で人前で演奏していた。彼はピアノとオルガンも始め、14歳で教会のオルガニストになった。彼はピアノをSBミルズ、エミールに師事した。 322ギヨン（タルベルクの弟子）とアルフレッド・ピースに師事。オルガンと作曲はO・F・ヤコブセンとマックス・ブラウンに師事した。1887年の音楽巡礼を除けば、バートレットはヨーロッパで学んだ人々からここで学ぶこと以上に、ヨーロッパの恩恵に近づくことはなかった。オルガニスト兼教師として長年ニューヨークに在住。作曲家としては、最も多作な作曲家の一人である。彼の作品は着実に価値を高めており、最高の作品は間違いなくこれから生まれるだろう。

彼はオーケストラに居心地の良い場所を見出した。ザイドルはショパンの「軍隊ポロネーズ」の編曲版を何度か演奏した。この作品はより大きな形式では終楽章が必要と思われたため、バートレットは大胆なアレンジを加え、その成功が正当化される形で、3つの主要主題を織り交ぜた終楽章を追加した。最近の作品は、ヴァイオリンとオーケストラのための「コンサートシュテュック」である。ピアノ的な編成ではなく、ヴァイオリニストに好まれるだろう。 323技巧的なヴァイオリンの旋律や、派手な技巧 をひけらかすような試みは見られないが、この作品は輝きと堅実さを兼ね備え、オーケストレーションの色彩も実に豊かである。楽章間に休止はなく、各楽章は統一感を保ちつつ、変化に富んでいる。

未完成のオラトリオ「サミュエル」、未完成のオペラ「ヒノティート」、そしてテノール独唱「ハムシン」のみが完成しているカンタータがある。これはバートレットの作品の中で群を抜いて最高傑作であり、予想外の劇的な力強さを見せている。「疫病」におけるクライマックスに至るまでの、恐ろしい干ばつの様々な段階のエピソードの変奏は、非常に印象的な力強さを湛えている。オーケストレーションは、効果、色彩、多様性において驚くほど優れている。この規模でカンタータが完成すれば、その上演は国民的な一大イベントとなるだろう。

ニューイングランドの農民は、芸術に関しては頑固な俗物とみなされることが多い。CB ホーレーに父親がいたことは、非常に特別な幸運だった。 324彼は農夫としての尊厳に、優れた音楽的センスと技術という洗練された才能を付け加えた。コネチカット州ブルックフィールドにある彼の家には、グランドピアノだけでなくパイプオルガンもあった。そして、ホーレーの母親は美しく洗練された声の持ち主だった。

13歳（1858年バレンタインデー生まれ）の頃、ホーレーは教会のオルガニストであり、自身が卒業したチェシャー陸軍士官学校の音楽責任者でもあった。17歳でニューヨークに移り、ジョージ・ジェームズ・ウェッブ、リヴァルデ、フォダーラインらに声楽を、ダドリー・バック、ジョセフ・モーゼンタール、ルーテンバーらに作曲を学んだ。

彼はその歌声で18歳にしてカルバリー聖公会教会のソリストの地位を得た。その後、ジョージ・ウィリアム・ウォーレンの下でセント・トーマス聖公会教会の副オルガニストとなった。過去14年間、エルベロンのセント・ジェームズ礼拝堂の夏の音楽を担当している。 325グラント大統領とガーフィールド大統領が参列した礼拝堂。彼は17年間メンデルスゾーン合唱団の中心人物の一人であり、10年間メンデルスゾーン四重奏団のメンバーでもあった。彼のパートソングのほとんどは同合唱団のために作曲され、同合唱団のコンサートで初演された。彼は声楽教師としても成功しており、多忙のため多くの作品を作曲することはできなかった。しかし、出版された作品には、彼の真摯な情熱が表れている。

ホーレーの作品の際立った特徴は、メロディーの耳に残る美しさ、温かい誠実さ、そして伴奏のさりげない豊かさである。それは、独立した応答的な声というよりは、美しい彫像の背景を彩る、色とりどりのベルベットのようなタペストリーのようだ。じっくりと吟味し、深く研究して初めて、一つ一つの和音にどれほど入念で丹念な磨きがかけられているかが分かる。これこそが真の歌の芸術であり、歌詞はまるで自然に湧き出るかのように感じられるべきなのだ。 326心から湧き出る感情でありながら、より綿密な分析によって、知性が感情の声を完璧に表現していることが明らかになる。

例えば、彼の「レディ・マイン」は、春の息吹に満ちた輝かしいラプソディで、伴奏には豊かな色彩が添えられ、メロディーはバラの花びらのシャワーに半分隠れてしまうほどです。ラッセンのメロディーで有名な「ああ、夢だ！」に曲をつけるには勇気が必要でしたが、ホーレーはそれを、郷愁に満ちた雰囲気と、故郷の夕日のように移り変わる色彩に満ちた伴奏で、彼独自のやり方で表現しました。この詩について、一言だけ付け加えておきたいことがあります。この詩は、その最も巧みな想像力を再現するような翻訳がこれまで一度もなされていません。原文では、詩人は夢の中で美しい瞳の乙女に出会い、彼女が「ドイツ語で」挨拶し、「ドイツ語で」キスをしたと語っていますが、翻訳ではいずれもドイツ語でのキスを避けています。

「指輪物語」は、喜びとともに躍動する。 327婚約した恋人の熱狂を描いたこの曲は、高揚感のあるフィナーレがあり、より大衆的な好みに明らかに訴えかけるものの、良い点がないわけではない「Because I Love You, Dear」よりも洗練された伴奏に恵まれている。「My Little Love」、「An Echo」、「Spring’s Awakening」、「Where Love Doth Build His Nest」は、ホーレー独自の作風で構想されている。

「Oh, Haste Thee, Sweet」という曲には、ありきたりな部分もあるが、それ以上に斬新な部分が多い。特に「It groweth late」という歌詞の豊かな響きは、時折独特なハーモニーを奏でている。「I Only Can Love Thee」では、ホーレーは6-8拍子と9-8拍子を交互に用いることで、ブラウニング夫人のソネットの不均衡さを克服することに成功している。彼の「Were I a Star」は、まさに完璧な歌詞と言えるだろう。

彼のパート歌曲はどれも素晴らしく、中には傑作もある。ここで彼は、彼の作品と同様に、豊かで柔らかなタッチで彩色している​​。 328ソロ曲。「My Luve’s Like a Red, Red Rose」は、ミルトンがソネットにしたローウェスの歌曲に見られる古風な形式と宮廷風の優雅さを思わせる、実に魅力的な曲だ。テニスンの「ビューグル・ソング」に音楽を加えようとする音楽家は、百合を彩る以外にはできないとずっと思っていたが、ホーレーは妖精の国の儚さと消えゆくような澄んだ声で、満足のいくところまであと一歩のところまで来ている。

彼は2つの喜劇的な歌曲を作曲しており、そのうちの1つ「彼らはキスをした！私はそれを見た」は、何千人もの人々を大いに笑わせた。これは男声合唱のための声楽スケルツォである。曲は、ひどく陰鬱で薄っぺらい対話で始まり、バスが悲しげに他のメンバーに「彼らは木陰に座っていた」と告げ、他のメンバーもそれに同意する。「彼は彼女の手を握り、彼女は彼の帽子を握った」と、皆が同意する。そして今度は、こっそりとした息遣いで「私は息を止めて横たわった」と語られる。 329まったく平板だ。」突然、この薄っぺらさの中から、この上なく豊かなハーモニーが響き渡る。「彼らはキスをした！私はそれを見た。」それはさらに甘美に繰り返され、それからバスとバリトンが非難するように噂話を口にし、詩は愉快なからかいとともに続き、唐突に、そして皮肉っぽく終わる。「そして彼らは誰もそれを知らないと思っていた！」

これらのスケルツォの他に、ホーレーは質の高い宗教的な合唱曲をいくつか作曲しており、中でも「トリサギオンとサンクトゥス」は、荘厳な「聖なるかな、聖なるかな！」というフレーズが、畏敬の念を込めて静かに響き渡ったり、歓喜に満ちた崇拝の響きで鳴り響いたりする、高貴な作品である。しかし、彼の作品の中で私が最も好きなのは「愛が消えたとき」だ。静謐な緊張感に満ち、死にゆく日の最後の光のように、言葉では言い表せない美しさで幕を閉じる。

愛が消え去ったとき。
（ソプラノ、またはテノール。）
[聞く]

CBホーレー。

音楽

著作権は1894年、G.シャーマーに帰属します。

心には千の目があるが、
心臓にはたった一つしかない。それでも、 愛が消え去ると、
人生の光は消えてしまう。

イングランドの歌の地位は、どこにでもあるF・E・ウェザビーとジョン・オクセンフォードの歌詞の型にはまった騎士道精神に、その停滞の大きな原因があると言えるだろう。これらの言葉を操る者たちが、 331アメリカの作曲家たち。数少ない犠牲者の一人がジョン・ハイアット・ブリューワーで、彼は1856年にブルックリンで生まれ、それ以来ずっとそこに住んでいた。

ブリュワーは6歳で歌手デビューを果たし、14歳まで歌い続けた。その1年後、ブルックリンでオルガニストとなり、以来、同地でオルガニストとして様々な役職を歴任する傍ら、声楽、ピアノ、オルガン、和声の教師としても精力的に活動した。ピアノと和声はラファエル・ナバロに師事し、対位法、フーガ、作曲はダドリー・バックに師事した。

1878年、ブリューワーはバック氏がディレクターを務めるアポロ・クラブのセカンドテノール歌手兼伴奏者となった。彼は数多くの声楽団体やアマチュアオーケストラの指揮も務めた。

彼のカンタータの中で、「ヘスペロス」は最も将来性があり、大規模な演奏が期待できる作品である。

男性の声のために、ブリューワーは「愛の誕生」というカンタータを作曲した。 332エンディングは異例だが、美しいテノールソロと素晴らしいバス歌曲は、彼の真骨頂が優​​しさの領域にあることを証明している。ブリューワーの音楽はクライマックスをあまり好まないが、悲劇ではなく、蓮の花を食う人の夢想と後悔のような、優しく哀愁を帯びた情景において、彼は実にふさわしい存在感を示している。滑らかさは彼の最も優れた特質のひとつである。

男性合唱曲の数々の中でも、力強い「漁師の歌」、効果的な「理髪師の和音」が特徴的な「五月の歌」、そしてオリバー・ウェンデル・ホームズの魅力的な詩を機知に富んだ形で表現した「キリギリス」は特筆すべきでしょう。彼の「賢明なセレナーデ」もまた、機知に富んだ流麗な旋律が魅力です。これらの曲は、合唱団とその聴衆をきっと喜ばせることでしょう。

ブリュワーは女性の声のために数多くの作品を書いてきた。中でも特に優れた作品は、特に穏やかな「シー・シャイン」と、愛のスケルツォである「トレチャリー」である。

バイオリンには2つのパーツがあります。1つは、 333ニ長調のこの曲は、ヴァイオリンとピアノのソプラノパートによる二重奏曲です。独特の優しさに満ち、涙さえ誘うような情感に溢れています。ラフの「カヴァティーナ」が最もよく知られているヴァイオリンバラードの中でも、この曲は確固たる地位を築くでしょう。もう一つのイ長調のヴァイオリンソロは、より華やかですが、巧みに演奏されています。二人は、あらゆる楽器の中でも特に愛されるこの楽器のための作曲において、天性の才能を発揮しています。

フルオーケストラのための組曲「湖上の貴婦人」は、ピアノとオルガン用に編曲されており、滑らかで色彩豊かな作品となっている。弦楽器とフルートのための六重奏曲も好評を博している。

ブリュワーの最大の成功は、いわば最も抵抗の少ない道筋にあると言えるだろう。彼の歌曲集（作品27）はその好例だ。繊細で必然的な「Du bist wie eine Blume」では何も生み出せず、「The Violet」では同じ歌詞によるモーツァルトの牧歌的な作品と不運な対比を生み出している。しかし、「Meadow Sweet」はただただ虹色に輝き、 334「Cheer」は、非常に珍しいほど甘い歌で、「The Heart’s Rest」も同様に完璧です。

アメリカで最も酷評されている作曲家は、間違いなくレジナルド・デ・コーヴェンだろう。彼の絶大な人気は、細かな批評のサーチライトを彼に浴びせかけ、彼の業績は、王座に降り注ぐ激しい白光に耐えられないようなものだった。彼に最も執拗に非難されるのは、あまりにも鮮明な記憶の罪であり、それには理由がないわけではない。私は彼が意図的な模倣をしているとは考えないが、よく考えてみると、彼以前に誰かが言ったり歌ったりしていたことが分かるものを、自分の音楽から取り除くことを少し躊躇しているように思う。「我々の前に我々の歌を歌ったのは誰だ」と叫ぶ代わりに、彼は「他人のことは放っておけ」という方針を信じているのだ。しかし、ああ、デ・コーヴェンが、記憶に刻まれたものをすべて消し去ることができない唯一の作曲家だったらどんなに良かっただろう！

デ・コーヴェンは1859年にコネチカット州ミドルタウンで生まれ、 335音楽留学。11歳の時、彼はヨーロッパへ渡り、そこで12年間暮らした。オックスフォード大学で優等の学位を取得。音楽の師には、シュトゥットガルトでシュパイデル、レーベルト、プルックナー、フランクフルトで対位法の作曲家ハフ、フィレンツェで歌唱を指導したヴァンヌッチーニなどがいる。また、ジェネーとフォン・スッペのもとで軽歌劇を特別に学んだ。1882年にシカゴに居を構え、その後ニューヨークに移り、長年にわたり日刊紙の音楽評論家を務めた。

デ・コーヴェンは同世代の喜劇オペラの第一人者であり、「ロビン・フッド」のような理想的な作品や、他のオペラ（「ドン・キホーテ」「フェンシングの達人」「山賊」など）の一部のような魅力的な構成を提供してくれたことに感謝すべきである。特に、彼の音楽には常に一定の優雅さと下品さからの解放感があるからだ。336

彼のバラードの中で、「Oh, Promise Me」は冒頭の音符が「Musica Proibita」を彷彿とさせるが、人々の心に深く刻まれたのは、その心に響く歌詞だった。ユージン・フィールドの「Little Boy Blue」の彼の編曲は、純粋な哀愁と率直さに満ちた作品である。「My Love is Like a Red, Red Rose」の彼のバージョンは、数ある編曲の中でも最高傑作の一つであり、「The Fool of Pamperlune」、「Indian Love Song」、「In June」、その他いくつかの作品は、優れたバラード作品と言える。

ヴィクター・ハリスは、ニューヨークを故郷に選んだ数少ない人物の一人である。彼は1869年4月27日にニューヨークで生まれ、1888年にニューヨーク市立大学を卒業した。幼少期には少年ソプラノ歌手として名を馳せ、その後、オルガン奏者、ピアニスト、声楽教師という、彼自身が「一般的なキャリア」と呼ぶ道に進んだ。1895年と1896年には、ブライトン管弦楽団でアントン・ザイドルのアシスタント指揮者を務めた。 337ビーチでの夏のコンサート。彼はフレデリック・シリングから和声学を学んだ。

ハリスは伴奏者として最も広く知られており、国内屈指の伴奏者の一人である。しかし、彼自身の歌につける伴奏は、入念に磨き上げられ、色彩豊かではあるものの、これほど卓越した演奏技術を持つ人物に期待されるような、独自の個性が感じられない。

未発表の1幕オペレッタ「マドモワゼル・マイエとM.ド・サンブル」と数曲のピアノ曲を除けば、ハリスは短い歌曲の作曲に専念してきた。21歳の年に、出来不出来の異なる2曲が出版された。「噴水が川と混じり合う」は魅力的なメロディーだが、際立った特徴や独創性はなく、「スウィートハート」は慣習や必然性からより自由奔放である。

後の曲「My Guest」では、より凝った表現が見られるが、かつて人気を博したハリソン・ミラードの華麗なスタイルを踏襲している。338ラー・ラプソディ「待つ」。5曲が作品12にまとめられ、それらははるかに高い完成度と、他の調へのより優れた傾向に達している。また、それらはハリスの2つの癖、つまり言葉のフレーズの絶え間ない繰り返しと、三連符または四連符の密で途切れない和音を書くことを好むことを示している。「メロディ」は美しい。「蝶とキンポウゲ」は優雅さの完璧さ、「月光か星光かわからない」は素晴らしい恍惚、「失望」はキノコになると思っていた若い毒キノコについての悲惨な悲劇である。後奏にはショパンの「葬送行進曲」のカンタービレから2小節がユーモラスな効果で使用されている。「愛よ、こんにちは！」は、勢いのある春の情熱である。彼の最新曲のうち2曲は、独創的な要素を多く含んだ「Forever and a Day」と、テント職人の最も皮肉な四行詩から作られた「Song from Omar Khayyám」である。ハリスはそれらに340最後の行「かつて咲いた花は永遠に枯れる」まで、その力と苦味はすべて、稀に見る美しさで書かれている。「夜の歌」はおそらく彼の最高傑作であり、色彩豊かで独創的、そして叙情的な特質に満ちている。作品13には6つの歌曲が含まれている。「柔らかな声が消えるときの音楽」には多くの珍しい効果的な音程があり、「忘却の花」は通常よりも劇的で、大胆に不協和音を用い、伴奏に以前よりも個性を与えている。「四季の歌」は陽気さのおいしい一口であり、「恋人の胸の中の愛」は素晴らしい歌である。ハリスは男性と女性のための合唱曲もいくつか書いている。それらはすべての声部に対する称賛に値する注意を示している。

NNHへ

オマル・ハイヤームの詩からの歌。
[聞く]

ヴィクター・ハリス、作品16、第3番。

音楽

著作権、1898年、エドワード・シューベルト社。

ああ！地獄の脅威と楽園への希望！
少なくとも一つ確かなことがある――
この人生は過ぎ去る、
一つ確かなことは、そして残りはすべて嘘だ！
かつて永遠に咲いていた花は、永遠に枯れる。

アメリカ音楽史において最も著名な人物の一人に、ウィリアム・メイソン博士がいる。彼は1829年1月24日にボストンで生まれ、アメリカ作曲の先駆者であるローウェル・メイソンの息子であった。 341ウィリアム・メイソン博士はボストンで学び、ドイツではモシェレス、ハウプトマン、リヒター、リストに師事した。国内外でのコンサートでの成功は、彼の演奏技術哲学に高い評価を与え、彼のメソッドに関する著書は最高峰の地位を獲得した。

彼の教育者としての功績は作曲家としての業績を覆い隠してしまっているが、彼は優れた楽曲もいくつか残している。クラシック音楽における教育者としての影響力と同様に、彼の作品にも古典的な形式と理念への厳格な追求が表れている。そのため、彼の作品はインスピレーションよりもむしろ独創性に富み、感情よりも知性に溢れている。イェール大学は1872年に彼に音楽博士号を授与した。

技術の研究に没頭し、創作意欲がほとんど残らなかった作曲家の一人に、1847年9月16日にオハイオ州サンダスキーで生まれたアルバート・ロス・パーソンズがいる。彼はバッファローとニューヨークでリッターに師事した。その後ドイツへ渡り、そこで非常に徹底した教育を受けた。 342モシェレス、ライネッケ、リヒター、パウル、タウシヒ、クラックらの指導を受けた。帰国後はオルガニスト、教師、楽譜編集者として精力的に活動している。彼が作曲した作品はわずかだが、その正確さには彼の博識の賜物が表れている。

メイソン博士やパーソンズ氏のような人々は、著作の量にはほとんど貢献していないものの（ある意味では誰にとっても感謝すべきことであるが）、この国において彼らの職業に大きな威厳を与えている。

エセルバート・ネヴィンの弟であるアーサーは、その歌曲にネヴィンの特徴である叙情的なエネルギーとハーモニーの豊かさを多く示している。彼は1871年にペンシルベニア州セウィックリーで生まれた。18歳になるまで音楽に興味も知識もなかった。1891年にボストンで4年間のコースを開始し、その後ベルリンへ移り、そこでクリンズワースとボイジーに師事した。4つの優美な「5月のスケッチ」を収録した「ピエロの」という本が出版されている。 343特にギターの演奏は独創的だ。出版された曲は「Were I a Tone」と「In Dreams」の2曲で、どちらも情感豊かである。手書き原稿には、素晴らしい曲「Free as the Tossing Sea」と、巧みに構成された三重奏曲がある。

成功した歌曲作家の一人に、C・ホイットニー・クームズがいる。彼は1864年にメイン州で生まれ、14歳で海外へ渡った。シュトゥットガルトで5年間、ピアノをシュパイデルに、作曲をザイフリッツに師事し、その後ドレスデンでドレッセッケ、ヤンセン、ジョンに師事した。1887年にドレスデンのアメリカ教会でオルガニストとなり、1891年にアメリカに帰国。以来、ニューヨークでオルガニストを務めている。

1891年に出版された彼の作品集は、アラビアの詩句を巧みに取り入れた「My Love」で始まる。数多くの楽曲の中でも特に注目すべきは、「Song of a Summer Night」は華麗で詩的であり、「Alone」は美しい対旋律が特徴的である。 344効果は抜群で、彼の「インディアン・セレナーデ」は優雅な作品である。

J・レミントン・フェアラムは多作な作曲家である。フィラデルフィア生まれで、14歳で教会のオルガニストを務めた。パリ音楽院とイタリアで学び、リンカーン大統領によってチューリッヒ領事に任命された。シュトゥットガルト滞在中、二重合唱とオーケストラのためのテ・デウムでヴュルテンベルク王から「芸術科学大金メダル」を授与された。フェアラムの作品のうち、約200曲が出版されており、その中には多くの宗教音楽と2つのオペラの一部が含まれている。5幕からなる壮大なオペラ「レオネッロ」とミサ曲は手稿として残されている。

フランク・シーモア・ヘイスティングスは、金融業界から離れて音楽という楽しい趣味を見出し、数々の優美な歌曲を作曲した。また、英語による本格的なグランドオペラの上演を実現するための活動にも積極的に取り組んできた。

ブルックリンのジョン・M・ロレッツ博士は 345ベテラン作曲家で、作品数は200を超えている。多くの宗教音楽と、いくつかの喜劇オペラを作曲している。

ニューヨーク音楽界の著名人でありながら、作曲は時折しか行わなかったルイス・ラファエル・ドレスラーは、マニュスクリプト・ソサエティの創設メンバー6人のうちの1人で、長年会計係を務めた。彼の父はウィリアム・ドレスラーで、ドレスラー氏が1861年に生まれた初期のニューヨークを代表する音楽家の一人だった。ドレスラー氏は父に師事し、プロの伴奏者および指揮者としての才能を受け継いだ。彼はニューヨークで初めてアマチュアによるオペラ公演をプロデュースした人物でもある。彼の歌曲は、誠実さと自然さに満ちている。

リチャード・ヘンリー・ウォーレンは1886年からセント・バーソロミュー教会のオルガニストを務めており、技巧と情感を兼ね備えた多くの宗教音楽を作曲してきた。彼の重要な作品には、2つの完全な礼拝式曲、バリトンのための場面曲などがある。 346ソロ、男声合唱、オーケストラによる「ティコンデロガ」や、力強いクリスマス賛歌などがある。ウォーレンは他にも様々なオペレッタを作曲しており、楽器編成に対する卓越した理解力と、滑らかで歌いやすい歌唱法を保ちつつ、楽曲に新たな表現を与える能力を示している。未発表の短い歌曲「鳥が北へ行くとき」は、驚くほど美しい作品であり、彼の才能がもっと磨かれるべきであることを示している。

ウォーレンは1859年9月17日にオールバニーで生まれた。彼は著名なオルガニスト、ジョージ・W・ウォーレンの息子であり弟子である。彼は1880年と1886年に研究と観察のためにヨーロッパへ渡った。彼は教会合唱協会の組織者兼指揮者であり、同協会はニューヨークで様々な重要な宗教作品を初演し、場合によってはアメリカで初演した。特にドヴォルザークのレクイエム、グノーの「死と生」、リストの詩篇第13篇、サン＝サーンスの「天は告げる」などが挙げられる。 347ヴィリアーズ・スタンフォードの「神は我らの希望であり力なり」とマッケンジーの「来れ、創造主なる霊よ」が演奏された。ホレイショ・パーカーの「ホラ・ノヴィッシマ」はこの協会のために作曲され、チャドウィックの「フェニックス・エクスピランス」はニューヨークで初演された。

著名なオルガン奏者であり教師でもあるスミス・N・ペンフィールドは、数多くの学術的な作品の作曲にも時間を割いており、特にフルオーケストラのための序曲、詩篇第18篇のオーケストラ編曲、弦楽四重奏曲、オルガン、声楽、ピアノのための多くの作品などが挙げられる。彼の指導は驚くほど徹底している。1837年4月4日、オハイオ州オーバリン生まれの彼は、ドイツでモシェレス、パペリッツ、ライネッケにピアノを、リヒターにオルガンを、ライネッケとハウプトマンに作曲、対位法、フーガを学んだ。また、パリでも一定期間学んだ。

もう一人、著名なオルガン奏者としては、指揮者であり作曲家でもあるフランク・タフトが挙げられる。 348彼の最も重要な作品は、ボストン交響楽団によって演奏された「交響的行進曲」である。彼はニューヨーク州イーストブルームフィールドで生まれ、教育はすべてアメリカ国内で受け、クラレンス・エディにオルガンを、フレデリック・グラント・グリーソンに音楽理論を師事した。

数々の優美な歌曲を作曲した若き作曲家、チャールズ・フォンテイン・マニーは、1872年にブルックリンで生まれ、ニューヨークでウィリアム・アームズ・フィッシャーに、後にボストンでJ・ウォレス・グッドリッチに音楽理論を師事した。彼の最も独創的な歌曲は「オルフェウスとリュート」で、原文の古風で魅力的な不器用さを独特の魅力で再現している。彼はまた、ハイネの歌曲に曲をつけ、復活祭のための短いカンタータ「復活」も作曲している。

アーサー・ファーウェルの才能は、非常に個性的である。彼の最初の理論の師はホーマー・A・ノリスであり、後にドイツでフンパーディンクに師事した。349数多くの作品がある。彼の作品の中には、ピアノとヴァイオリンのための精緻なバラード、シェリーの「インディアン・セレナーデ」の編曲、そしてドイツの農民の天才、ヨハンナ・アンブロシウスの歌詞による4つの民謡などがある。出版された歌曲の中には、驚くほど独創的な作品である「麦わらのポピーのつぼみ」がある。

数々の優雅な小品と重厚な交響曲を作曲したハリー・パターソン・ホプキンスは、ボルチモア生まれで、1896年にピーボディ音楽院を卒業し、卓越した音楽家としての学位を授与された。同年、彼はボヘミアに渡り、ドヴォルザークに師事した。その後、アメリカに戻り、アントン・ザイドルによるドヴォルザーク作品の制作に携わった。

カール・V・ラハムントの海外での訓練は非常に徹底しており、彼の「日本序曲」はトーマスとザイドルの指揮で上演された。トーマスの場合は、多くの重要な人物が出席した同協会のコンサートで上演された。350ラハムントは1854年にミズーリ州ブーンビルで生まれた。13歳でケルンでヘラー、イェンセン、ザイスに師事し、その後ベルリンでシャルヴェンカ、キール、モスコフスキーに師事した。また、ワイマールで4年間リストの指導を受けた。ハープ、ヴァイオリン、チェロのための三重奏曲はベルリン・フィルハーモニー管弦楽団によって演奏され、ピアノのための協奏曲前奏曲はドイツでコンサートで頻繁に演奏された。アメリカに戻る前に、ラハムントはしばらくの間ケルンのオペラに関わっていた。

ボストン・コロニー。
壮大なオペラの作曲家になる可能性を秘めているが、ここでは全くオープニングがないために阻まれている作曲家にとって、劇的バラードは魅力的な形式となるはずだ。シューベルトの「魔王」のような作品は、 351完了。ヘンリー・ホールデン・ハスはいくつかの興味深い実験を行い、フレッド・フィールド・ブラードは現場を試みた。

フレデリック・フィールド・ブラード

ブラードがテニスンのほとんどけばけばしいメロドラマである6つのスタンザからなる詩「姉妹」に曲をつけたことで、愛と憎しみの苦い混合を見事に捉え、陳腐なクライマックスを実に印象的に回避している。

「In the Greenwood」（作品14）は優雅で、「A June Lullaby」には雨音の心地よい伴奏がついています。ブラードは作品17で、シェリーの歌詞を声楽とハープまたはピアノのために作曲しています。「From Dreams of Thee」には魅力的な古風な伴奏がついていますが、「Hymn of Pan」は奇妙で頑固なハーモニーとともに、とてつもない野蛮さと粗野さを示しています。リチャード・ホヴェイ作の歌曲「Here’s a Health to Thee, Roberts」、「Barney McGee」、「Stein Song」にも、同じように力強い男らしさが感じられます。これらの歌曲には、陽気な精神が溢れています。354 音楽的な技巧が平均的バラッドとは比べ物にならないほど優れている。同様に、傲慢なプライドを湛えた「フェラーラの剣」や「無関心な船乗り」、酒飲みの歌「最高の仲間」も、ホレス・グリーリーが「実に興味深い」と評したであろう作品だ。少し前までは、この時代の作曲家が自発的にカノンを書けるはずがないと、私はノコギリに頭を賭けていただろう。しかし、その前に私はブラードの3つの二重唱をカノン形式で聴いていた。彼は言葉を実に巧みに選び、それを実に容易に、そして皮肉たっぷりに表現しているので、二重唱は実に楽しい。同じくらい陽気なのが「ノーウィッチの娘」で、ヴァイオリンのオブリガートが 1899年のミュージカル・レコード・コンクールで賞を獲得した。

パンの賛歌。
[聞く]

パーシー・ビッシュ・シェリー作
。 フレッド・フィールド・ブラード作曲
、
作品17、第4番。
音楽

音楽は続いた

著作権、1894年、マイルズ＆トンプソン。

森や高地から私は来る、来る。
川に囲まれた島々から、
波が静かになる場所から。
森や高地から、
川に囲まれた島々から、
私は来る、来る、来る。
葦やイグサの風、
タイムの鐘の中の蜂、
ギンバイカの茂みの中の鳥、
そして…。

断片。

ブラードは1864年にボストンで生まれた。当初は化学を専攻していたが、音楽への興味があまりにも強く、1888年にミュンヘンへ渡り、そこで学んだ。 355ヨーゼフ・ラインベルガーと共に。ヨーロッパで4年間過ごした後、ボストンに戻り、独創的な方法で和声と対位法を教えている。彼は、大きな将来を予感させるアイデアと才能を持つ作曲家である。学識は彼を個性から遠ざけることはなかった。特に、彼の歌曲のほとんどが取るバラード形式とはあまり相容れない、予期せぬ表現やプログラム音楽的な要素を散りばめる傾向がある。彼の作品の主な欠点は、和声に全体的に陰鬱さが漂っていることである。それらは、古い瀝青音楽の流派に対する印象主義的な反抗を感じさせない。しかし、この陰鬱さを部分的に補うものとして、優れた力強さがある。

彼の他の発表された歌曲の中で、「夜明けに」は抑圧された美しい熱情を示している。「道中」は特に感動的な終結によって救われている。作品8の「祈り」はニ短調で始まりニ長調で終わるが、突然の強い効果を生み出している。 356憂鬱からの高揚。「歌手」もまた、陰鬱なスタイルで始まり、異例かつ唐突な転調を経て、明るい長調で終わる。「隠者」も同様に陰鬱だが、広がりと深みがある。伴奏には「オールド・ハンドレッド」の要素が感じられる。

作品11は2つの劇的なバラードを組み合わせたものです。この凝縮された劇の形式は作曲家にとってあまり開拓されていない分野であり、ブラードはいくつかのパートソングを作曲しており、その中でも「In the Merry Month of May」、「Her Scuttle Hat」、「The Water Song」は特筆に値します。「O Stern Old Land」は国歌としては少々陳腐な候補です。しかし、男声合唱のための「War Song of Gamelbar」はまさに傑作です。和声学者は声楽曲において器楽曲よりも滑らかさに関する規則に非常に厳密に従うことを要求するため、通常の作曲家はここでほとんど自由を与えません。しかし、ブラードは大胆な不協和音の適切な機会を見つけ、あえて 357それらを活用する。その効果は絶大な力強さだ。本作と『パンの歌』、『姉妹』によって、彼は他のネイティブ・ソングライターとは一線を画す存在となっている。

ドイツ音楽には敬意を表するものの、近年は世界、特にアメリカを支配しようとする傾向が強すぎるように思われる。こうした風潮に対抗する存在として、ホーマー・A・ノリスが挙げられる。彼はミュンヘンや近隣地域に飛び回る群衆から一歩踏み出し、パリの和声技法から恩恵を受けている。

ホーマー・A・ノリス

彼の著書『実践和声』は、私たちにとって斬新な方法で、変則和音という厄介な問題の数々を克服する方法を教えてくれる。彼はまた、「耳ではなく目に訴えるように構成された、いわば紙細工のような」音楽の衒学主義を攻撃している。これは、おそらくインスピレーションを阻害する最大の障害に対する、実に称賛に値する攻撃である。後の著作『対位法』では、章の見出しにギリシャの壺などを用いている。 358装飾的なデザインは、優美な輪郭の統一された複雑さとしての対位法の理想を刺激する。

ノリスはメイン州ウェインで生まれ、幼い頃からオルガン奏者となった。しかし、彼の主な関心は音楽理論にあり、エメリーのほか、G・W・マーストン、F・W・ヘイル、G・W・チャドウィックに師事した。海外留学を決意した際、ドイツではなくフランスを選んだことが、彼に独特の地位をもたらした。

彼はパリでデュボワ、ゴダール、ギルマン、ジグーのもとで4年間学んだ後、ボストンに居を構え、以来作曲の指導に専念している。

ノリス氏はまだほとんど作曲しておらず、その作品もシンプルな旋律に基づいているが、そのシンプルさには奥深さがあり、ハーモニーは奇抜ではなく、驚くほどまろやかである。

彼の最初の曲「ロック・ア・バイ・ベイビー」は12部印刷され、 359この国で出版された子守歌の中で、彼の作品はこれまでで最大の売り上げを記録した。彼の歌「抗議」は優しく、ヴァイオリンのオブリガートは声楽パートよりも重要な役割を果たしている。「別れ」は情熱に満ち溢れ、見事なメロディーがふさわしい和声構造の上に成り立っている。「黄昏」はアメリカ最高の歌の一つだと私は考えている。10度と9度の音程が独特の効果を生み出し、驚くほど深い感情表現を見せている。

より大規模な作品としては、演奏会用序曲「ゾロアスター」（概要を見る限り、多くの印象的な効果が期待できる）とカンタータ「ナイン」がある。「ナイン」は言葉の繰り返しが多すぎるという欠点はあるものの、それ以外は深い哀愁と時折見られる激しい劇的感情の爆発が特徴的である。

おそらく彼の最も独創的な作品は、彼の著書『メゾソプラノのための4つの歌』に見られるだろう。最初の歌はキプリングの「おお、わが母よ」で、厳しい言葉の後に最も優しい思いが続く。 3602曲目は、ハ長調のゆっくりと下降する音階のみで構成された伴奏を持つ、気品あふれる歌「平和」。続いて、色彩豊かな軽快な曲「世界と一日」があり、その下には、メーテルリンク風の、この上なく心を揺さぶる哀愁を帯びたレチタティーヴォが続く。この本は、現代においてアメリカが最高の歌を生み出しているという私の信念を、改めて裏付けるものだ。

平和。
[聞く]

エドワード・ローランド・シル。ホーマー・A・ノリス。

音楽

音楽は続いた

著作権は1900年にHB Stevens Co.が保有。国際著作権保護済み。

著作権所有者であるボストンのHB Stevens Co.の許可を得て使用しています。

探すことの中にも、
果てしない努力の中にも、
汝の探求は見いだされる。
汝の探求は見いだされる。
静かに耳を澄ませ、
静かに周囲の静寂を味わえ。
汝の泣き声や、
大声での嘆願によっても、
平和は近づくことはない。
平和は近づくことはない。
両手を合わせて休め、
まぶたを閉じて休め
。見よ、平和はここにある。

ボストンで最も高く評価されている音楽家の一人であるG・E・ホワイティングは、作曲よりもオルガン奏者としてのキャリアに力を注いできた。彼が作曲に時間を割いた作品の多くは出版されていない。それらの作品には、オルガン・ソナタ、オルガン曲数曲、オルガン練習曲集、歌曲6曲、そして独唱、合唱、オーケストラのためのカンタータ3曲、「ヴァイキング物語」、「夢の絵」、「真夜中のカンタータ」などがある。

ホワイティングは1842年9月14日、マサチューセッツ州ホリストンで生まれた。5歳の時、兄と共に音楽の勉強を始めた。 36115歳の時、彼はコネチカット州ハートフォードに移り住み、そこでダドリー・バックの後任として教会のオルガニストに就任した。彼はここでベートーヴェン協会を設立した。20歳の時、ボストンへ行き、モーガンに師事した後、リバプールへ移り、ウィリアム・トーマス・ベストにオルガンを師事した。その後、彼は二度目のヨーロッパ巡礼を行い、ラデックに師事した。

彼は長年ボストンに住み、音楽教師およびオルガン奏者として活動してきた。私がまだ目にする機会に恵まれていない作品が数多く残されている。合唱、管弦楽、オルガンのためのミサ曲2曲、演奏会用序曲、協奏曲、ソナタ、幻想曲とフーガ、幻想曲と練習曲3曲、チェロとピアノのための組曲、そしてロングフェローの「黄金伝説」の編曲である。この編曲は1897年の1000ドル音楽祭で5票中2票を獲得したが、賞はダドリー・バックに贈られた。

彼の作品の中で、HE クレブヒールは364 1892年の記録には、「彼はこの国で最も優れた音楽家の一人としての地位にふさわしい」という意見が記されている。彼はアーサー・ホワイティングの叔父にあたる。

GW マーストンによる、どこにでもある「君は花のよう」の作曲は、ハイネの詩に付けられた作品の中でも最高傑作の一つと言えるでしょう。おそらく、アメリカで作曲された作品の中でも最高傑作かもしれません。彼の「老いた君主」は、同じ歌曲に対するグリーグの扱いと率直に比較する価値があります。この歌曲に対する二人の態度の根本的な違いに注目するのは興味深いことです。グリーグは、厳粛で陰鬱な民謡調で作曲しています。これは古い歌曲なので、彼の言う通りです。ハイネの扱いもまた、表面的には冷淡です。しかし、マーストンはこの歌曲を、最も豊かなハーモニーと最も深い哀愁を湛えた音楽に仕上げました。彼が正しいのは、物語の底流を解釈したからでもあります。

ボーデンシュテットの遍在する歌詞「Wenn der」 365作曲家たちの間で「君は花のように美しい」に匹敵するほどの人気を誇る「春は山に昇る」は、マーストンをもその虜にした。彼はこの曲に、聴く者を圧倒するようなクライマックスを与えているが、続く最後のフレーズが、クライマックスの豊かなハーモニーを完全に放棄してしまっているのは残念だ。

この曲は、1890年に出版されたソプラノのための「歌曲集」の最初の曲です。この曲集では、伴奏はすべて丁寧に扱われ、押し付けがましくなく、意味のある役割を果たしています。「二重唱」は、少女の歌声と鳥の歓喜に満ちた歌声が見事に融合した、素晴らしい作品です。

「美しく輝く5月」の旋律に添えられた、魅惑的な小ぶりで華やかな旋律が、この曲に価値を与えている。「水上で」は、重厚さと素朴さが見事に融合した深みのある曲だ。「恋人の舟」は、どこか懐かしくも楽しい曲である。

マーストンはマサチューセッツ州で生まれた。 366彼は1840年に小さな町サンドイッチで音楽を学び始めた。そこで、そして後にメイン州ポートランドでジョン・W・タフツに師事し、さらに指導を受けるために2度ヨーロッパへ渡航した。15歳で故郷の町でオルガンを演奏し、学業を終えてからはポートランドに住み、ピアノ、オルガン、和声を教えている。彼の歌は当初から人気を博し、コンサートで頻繁に歌われた。

マーストンは、宗教劇カンタータ「ダビデ」をはじめ、広く用いられている教会音楽を数多く作曲している。また、女声のための四重奏曲と三重奏曲、男声のための四重奏曲も作曲している。

おそらく彼の最も有名な歌は「ダグラス、戻ってきてくれないか」だろう。クレイグ夫人は、この歌を自身の詩に曲をつけた数多くの作品の中で最高傑作だと評した。

マーストンの後期のピアノ曲だけが本当に klaviermässigである。彼の「ガヴォット ロ短調」のような素晴らしい作品は、367 現代楽器の持つ資源を駆使している。独創的な配色ではあるが、繰り返しが多すぎるのが難点だ。「スペインの夜」はスペインの精神を感じさせる、粋な回想録であり、「アルバム・リーフ」は伝染するような熱狂に満ちた気晴らしである。

GWマーストンのサイン

アリエルの歌は「テンペスト」から、高みに達したピアノ解釈で演奏される。嵐のプロローグは、ピアノを吹き飛ばす竜巻ではなく、遠くでささやく嵐を、見事なハーモニーで表現している。「Full Fathoms Five Thy Father Lies」は、素晴らしい深みと独創性を持つ夢想曲で、 368古き良き時代のリズムで始まり、そこから力強いクライマックスへと盛り上がっていく。続いて「フット・イット・フィートリー」というダンスが続く。軽快な曲調で、魅力的なカデンツァが含まれている。

アメリカの歌曲界で最も多作な作曲家の一人に、クレイトン・ジョンズがいる。彼の作品は概して心地よく、洗練されている。決して革新的ではないものの、独特の気楽さと、情熱の激しさや緊張感のない叙情性を兼ね備えている。例えば、ウーラントの7つの「放浪歌」に彼がつけた曲は、荒々しさこそないものの、旅の精神を余すところなく表現している。

彼の「Du bist wie eine Blume」の設定は、非常に優しくて甘いです。

ジョンズの最も成功した作品のうち2つは、エジプトを題材にした曲である。「もし私がエジプトの王子だったら」と、アーロ・ベイツの素晴らしい叙情詩「ガンジス川に咲く蓮の花はない」だ。後者は並外れた情熱に満ちた素晴らしい歌で、最後に強い効果があり、声は欺瞞的な終止で止まり、伴奏は369ment は、原曲のキーで運命へと突き進んでいく。彼はまた、オースティン・ドブソンの「バラと庭師」という、彼にとって親しみやすい題材を見つけた。彼は「私の魂の内を見つめて」で、その華麗な優雅さから一時的に離れ、それは異例の壮大さを持ち、真のリートである。

後年、ジョンズの歌曲は、特に音楽（この国では概してひどく粗悪な印刷がされている）のために、非常に芸術的に装丁された小冊子として出版された。これらのアルバムには、巧みに書かれた3つの「イギリス歌曲」と3つの「フランス歌曲」が含まれており、「Soupir」は旋律的なレチタティーヴォの形式をとっている。作品19は「驚異の歌曲」群で、オリバー・ハーフォードの風変わりな着想を巧みに解釈している。

作品26には9つの歌曲が収録されており、そのうち「プリンセス・プリティ・アイズ」は魅力的なほど古風である。ヘリックとエミリー・ディキンソンという、遠く離れたところから似たような精神を持つ二人の詩人に曲をつけたことは素晴らしい。後者はほとんど知られていないが、 370作曲家によって発見されたが、前者はあまりにも軽視されている。

ジョンズは、彼らしい特徴を保ちつつ、いくつかの声部歌曲と器楽曲も作曲している。中でも、魅力的な「カンツォーネ」、陽気な「プロムナード」、そして「マズルカ」が挙げられ、ヴァイオリンとピアノのための作品も数多く残している。その中には、精緻に構成された間奏曲、子守歌、非常に効果的なロマンツァ、そして機知に富んだスケルツィーノなどがある。弦楽のための子守歌とスケルツィーノも作曲しており、これらはボストン交響楽団によって演奏されたことがある。また、いくつかの声部歌曲や、女声合唱と弦楽オーケストラのための合唱曲は、ロンドンで歌われている。

ジョンズは1857年11月24日、デラウェア州ニューキャッスルでアメリカ人の両親のもとに生まれた。当初は建築を学んでいたが、後に音楽に転向し、ボストンでウィリアム・F・アプソープ、J・K・ペイン、W・H・シャーウッドに師事した後、バーモント州へ移った。371彼はリンでキール、グラバウ、ライフ、フランツ・ルンメルらに師事した。1884年、彼はボストンに居を構えた。

サンフランシスコが、これまで輩出した作曲家たちを留めておく方法を見つけていれば、非常に立派な作曲家コロニーになっていただろう。音楽と共に成長するために東海岸にやってきた作曲家の中には、1861年4月27日にサンフランシスコで生まれたウィリアム・アームズ・フィッシャーもいる。彼の名前の由来となった2人の作曲家、ジョシュア・フィッシャーとウィリアム・アームズは、17世紀にマサチューセッツ植民地に定住した。彼はジョン・P・モーガンに和声、オルガン、ピアノを師事した。数年間ビジネスに従事した後、音楽に人生を捧げ、1890年にニューヨークに移り、そこで声楽を学んだ。その後、声楽の勉強を続けるためにロンドンへ行った。ニューヨークに戻ると、ホレイショ・W・パーカーに対位法とフーガを、ドヴォルザークに作曲と器楽を師事した。数年間和声を教えた後、 372彼はボストンに移り住み、現在もそこに住んでいる。彼の作品はほぼすべて歌曲の作曲である。彼の数多くの作品の特筆すべき点は、幅広い音域と高音域の歌詞を書くという作曲家の一般的な慣習から心地よく逸脱していることである。彼の歌曲はほぼすべて平均的な声量向けに書かれている。

彼の最初の作品には「Nur wer die Sehnsucht kennt」という曲が収録されているが、私は同じ歌詞でチャイコフスキーが作ったありきたりなバージョンよりもこちらの方が好きだ。3番目の作品にはシェリーの歌詞による3つの歌曲が収録されている。それらは詩人の知的な感情をいくらか示している。最初の作品「A Widow Bird Sate Mourning」は叙情的とは言えず、「My Coursers Are Fed with the Lightning」は力強い作品だが、歌詞の気取った高尚さは、聴衆の前でこの歌を歌う者にとっては少々無理があるだろう。ちなみに、これは成功しなかった作曲家がめったに考慮しない点であり、 373歌手が一般の聴衆に宣言することが期待されている内容は、時に驚くべきものである。シェリーの3番目の作品「世界の放浪者」は、歌により適している。

作品5は「涙なき歌」と題されている。これらはバスの声のための歌で、間違いなく彼の最高傑作と言えるだろう。エドマンド・クラレンス・ステッドマンの「ファルスタッフの歌」は、死について軽妙な教訓を歌った注目すべき歌詞であり、この歌にふさわしい作品である。彼の「喜びの歌」は春の陽気さに満ち溢れており、ヴァイオリンとピアノのための「エレジー」には彼の最も優れた作風が見られる。彼はまた、多くの教会歌も作曲している。

尊敬すべき著名な教師であり作曲家でもあるジェームズ・C・D・パーカーは、1828年にボストンで生まれ、1848年にハーバード大学を卒業した。当初は法律を学んでいたが、すぐに音楽に転向し、リヒター、プレイディ、ハウプトマン、モシェレス、リーツ、ベッカーのもとでヨーロッパで3年間学んだ。彼は音楽院を卒業し、374ライプツィヒで王党派として活動した後、1845年にボストンに戻った。

彼の「贖罪の賛歌」は彼の最も重要な作品の一つであり、1877年にボストンのヘンデル・ハイドン協会によって初演された。彼は他にも管弦楽や合唱のための作品、そして数々の素晴らしいピアノ曲を作曲した。

シャルル・デネーの「子供音楽祭」で用いられている二重奏曲の作曲法は興味深い。生徒は部分的にプリモを、また部分的にセコンドを演奏し、そのパートは非常に簡潔に書かれている一方、教師が演奏するパートはかなり凝った構成で書かれているため、子供向けの二重奏曲にありがちな、陶酔感を誘うような効果は全体的には得られない。デネーは、多くの作品の中でも、特に重厚とは言えないものの、技巧に優れた「現代組曲」、弦楽オーケストラのための組曲、ピアノのための序曲とソナタ、ヴァイオリンとピアノのためのソナタ、そして様々な喜劇オペラなどを作曲している。 3751863年9月1日、ニューヨーク州オズウィーゴ生まれ。スティーブン・A・エメリーに作曲を師事した。

陽気で親しみやすい作風の作曲家であり、優れたメヌエットや陰鬱ではない「夕べの歌」を作曲したベンジャミン・リンカーン・ウェルプリーは、1863年10月23日にメイン州イーストポートで生まれ、ボストンでBJ・ラングにピアノを、シドニー・ホーマーらに作曲を師事した。また、1890年にはパリにも一時留学している。彼は、個性的で実にユーモラスな「小人の踊り」や、陽光に照らされた騎馬行列のような華やかさと躍動感を持つピアノ曲「明るい空の下で」などを作曲している。

アーネスト・オズグッド・ヒラーは、ヴァイオリンのための優れた楽曲、子供向けの歌集『雲、野原、花』、そして宗教音楽などを作曲している。彼はドイツで2年間学んだ。376

シカゴ・コロニー。
シカゴの作曲家の中で最も著名なのは、間違いなくフレデリック・グラント・グリーソンでしょう。彼は大規模な楽曲で目覚ましい成功を収めてきました。トーマス管弦楽団は彼の作品を数多く演奏しており、これは大変光栄なことです。なぜなら、アメリカの聴衆のために多大な貢献をしてきたトーマスは、アメリカの作曲家についてはあまり関心を払ってこなかったからです。シカゴの芸術的な誕生日とも言える万国博覧会、そしておそらくアメリカの歴史上最も重要な芸術イベントにおいて、トーマスの楽団はグリーソンの作品をいくつか演奏しました。その中には、グリーソンが作詞作曲を手がけたオペラ「オト・ヴィスコンティ」（作品7）の前奏曲も含まれています。

フレデリック・グラント・グリーソン。

この序奏曲は、『ローエングリン』の序奏曲と同様に短く繊細だ。フルートとクラリネット、そして4つのヴァイオリンによるピアニッシモの魅惑的な演奏で始まり、続いて金管楽器の轟音が響く。この序奏の後、作品は 377優しく瞑想的な思索を経て、最後では再び弦楽器は4本のヴァイオリンのみだが、ここでは金管楽器、木管楽器、ティンパニが伴奏し、シンバルはドラムスティックで優しく叩かれている。オペラの第3幕の序奏はより叙情的だが、それほど素晴らしいものではない。もう1つのオペラは「モンテズマ」（作品16）である。グリーソンは再び台本を自ら書いている。このオペラについては、ピアノ譜全体とオーケストラ譜の大部分を見る機会に恵まれた。

モンテスマ、第3幕、序章
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フレデリック・グラント・グリーソン

音楽

グリーソン氏による管弦楽曲の楽譜からの抜粋。

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第1幕では、モンテスマによって追放されたグアテモシンが、古代の吟遊詩人に扮して登場し、人身御供を要求する恐ろしい偶像に取って代わる平和と愛の神の到来を予言的に歌います。この見事に書かれたアリアは、恐怖に怯える偶像崇拝者たちから、強い効果を生む恐怖と非難の合唱を引き起こします。次の幕は、凝ったアリアで始まり、続いて愛の二重唱が歌われます。379 非常に美しい。重厚なオーケストラによる司祭行進曲が主要曲の一つであり、無学な作曲家が書いた行進曲の多くと同様に、トランペットのフレーズと準備音の山の中に、軍歌の旋律がほんの少しだけ散りばめられている。ワーグナーの ライトモチーフの考え方は、この作品や他の作品にも採用されており、彼の作曲に対する主な批判は、ワーグナーの様式に忠実すぎる点、特にサスペンションや経過音の使用において、である。それ以外では、彼は非常に力強い和声の使い手であり、稀に見る洗練された楽器奏者である。オペラからソプラノのアリアがオーケストラ伴奏付きで取り上げられ、コンサートで力強く歌われている。

トーマスが万国博覧会で演奏したもう一つの作品は、「聖杯の行列」である。精緻な楽譜が用いられているが、壮大というよりはむしろ華麗な作品と言える。ワーグナーの聖杯モチーフをさりげなく、しかし効果的に取り入れている。

交響詩「エドリス」もまた 380トーマス管弦楽団による演奏。マリー・コレリの小説『アルダス』を原作としており、神秘的で色彩豊かな標題音楽の可能性を大いに秘めている。音楽はこうした表現に特に長けている。数々の実に美しいモチーフが用いられている。特に注目を集めたのは、低音部における5度の連続音程で、大地の陰鬱さを表現するのに実に効果的な手法である。

このことが、保守派中の保守派である楽譜写譜家から「クインテン！」という恩着せがましい注釈を引き起こしたが、グリーソンはそれに「ゲウィス！」と付け加えた。滑らかに操作された一連の増三和音も、この楽譜のもう一つの興味深い点だった。

おそらくグリーソンの最も幸福な作品は、アメリカの最も美しい詩の一つである「The Culprit Fay」のための彼の絶妙な音楽でしょう。それはアップトンの「Standard Cantatas」で詳細に説明されており、グッドリッチの「Musical Analysis」でも頻繁に引用されています。 381この作品（作品15）のピアノ譜と管弦楽譜の両方を見たことがありますが、どちらも非常に美しいと感じました。紙面の都合上、興味のある読者には、これらの非常にお勧めできる書籍のいずれかを参照することをお勧めします。

グリーソンは異例の教育を受けた。1848年、コネチカット州ミドルタウンで生まれた。両親は音楽家で、16歳の時に独学で2つのオラトリオを作曲したため、ダドリー・バックに師事した。バックの指導の下、ドイツに渡り、モシェレス、リヒター、プレイディ、ローブ、ライフ、タウシグ、ヴァイツマンといった教師に師事した。その後、イギリスで学び、再びドイツに戻った。アメリカに再登場した際には、コネチカット州ハートフォードにしばらく滞在し、1876年にシカゴへ移った。以来、シカゴに住み、教職と作曲の仕事に従事し、シカゴ・トリビューンの音楽評論家を務めている。演劇、音楽、文学の分野で並外れた才能を持つ評論家たちが彼を指導した。382 シカゴの新聞社で働いてきた人物であり、グリーソンはその中でも特に著名な人物だった。

彼のその他の重要な作品には、シカゴ・オーディトリアムの献堂式で500人の合唱団によって歌われた交響的カンタータ「オーディトリアム祝祭頌歌」、管弦楽のためのスケッチ、ピアノ協奏曲、オルガン曲、歌曲などがある。

私が聴いた彼の声楽曲2、3曲からも分かるように、グリーソンは旋律家としては優れているものの、和声家としてはやや劣る。しかし、後者の分野では実に才能に恵まれており、エブリングの「和声への賛歌」に音楽をつけるのにまさにうってつけの人物と言えるだろう。この詩に曲をつけるにあたり、彼はソプラノとバリトンの独唱に男声合唱とオーケストラを加えている。和声構造は全体を通して素晴らしく、和声に帰せられるあらゆる美点を備えている。終結部は壮麗である。

1899年12月に完成した作品383 トーマス管弦楽団によるこの作品は、「生命の歌」と題された交響詩で、スウィンバーンの次のモットーが付けられています。

「彼らは、我々と同じように昼を持っていたが、夜を持つ。
昼に縛られていた我々は
、彼らと同じように夜を持つだろう。光の束縛から解き放たれた我々は、
生きることの傷を癒され、安らかに眠るだろう。」

定期的にプログラムの一部をアメリカ人作曲家の作品に割いた最初の著名な音楽家は、ウィリアム・H・シャーウッドであった。これほど著名な演奏家からのこうした評価は、それまでイーグルの音楽活動に耳を貸さなかった多くの人々の関心を引かずにはいられなかった。彼は彼らのピアノ作品を演奏するだけでなく、彼らの管弦楽曲を数多​​くピアノ用に編曲し、演奏した。要するに、彼は他のアメリカ人作曲家のために精力的に活動してきたため、自身の作品を書く時間はほとんどなかったのである。384

ウィリアム・H・シャーウッド

シャーウッドは主にピアニストとして記憶されるだろうが、優れた音楽も数多く作曲している。オペラ1～4は海外で出版された。作品5は組曲で、その2曲目は「牧歌」という名にふさわしい作品である。この上なく澄み渡り、響き渡るような美しさで、テオクリタの蜜が滴る。組曲の3曲目は「挨拶」と題されている。少し変わったところが1、2箇所ある。4曲目は「ピアノフォルテへの悔恨」という示唆に富むタイトルが付けられている。おそらく、あまり才能のない生徒たちがレッスンを終えた後に作曲されたのだろう。組曲の最後の曲は、風変わりなノヴェレットである。

牧歌。
[聞く]

WM. H. シャーウッド、作品 5、第 2 番。

音楽

著作権は1883年、G.シャーマーに帰属します。

断片。

シャーウッドの6番目の作品は2つのマズルカから成ります。最初のハ短調のマズルカには、彼の最高傑作のいくつかが含まれています。独創的で情緒豊かで、力強く終わります。2番目のイ長調のマズルカはさらに優れています。全体を通して高い水準を維持しているだけでなく、386 しかし、時折、非常に魅力的な芸術の片鱗を見せる。

スケルツォ（作品7）は、いくつか面白いジョークを飛ばしているが、ほとんどは装飾的なものである。作品8は、情熱的なロマンツァ・アパッショナータである。作品9はスケルツォ・カプリスである。これはおそらく彼の最高傑作だろう。リストに献呈されており、非常に華麗であるが、意味に満ちている。優しいロマンスの間奏曲がある。「恥ずかしがり屋の乙女」は優雅な曲だが、ひどい名前の罰を受けるに値するとは到底言えない。「ジプシーの踊り」は長すぎるが、素材は良い。興味深い拍子、最初の音符が付点の4分の3拍子である。いくつかの音符を数小節にわたって持続させることで良い効果が得られるが、真のソステヌートを演奏できるピアニストは少ない。 「アレグロ・パテティコ」（作品12）、「メデア」（作品13）、そして小品集（そのうちの1つは「カウドル・レクチャー」という滑稽な曲で、おしゃべりな「彼女は言った」と眠そうな「彼は言った」が登場する）が、彼の比較的短い作品リストを構成している。387

シャーウッドはニューヨーク州ライオンズで、良家のアメリカ人として生まれた。17歳まで父親に師事し、その後ハイムベルガー、ピホフスキー、ウィリアム・メイソン博士に師事した。ヨーロッパではクラック、デッペ、スコットソン・クラーク、ヴァイツマン、ドップラー、ヴュルスト、リヒターらに師事した。シュトゥットガルト、そして後にベルリンでオルガニストを務めた。リストのお気に入りの弟子の一人であり、海外でのコンサートで目覚ましい成功を収め、18歳にして批評家から絶賛された。国内外でより高く評価されているが、間違いなく現存する最も偉大なピアニストの一人である。彼の愛国心が彼を故郷に留めているのは幸いなことであり、無関心と俗物主義という不道徳との絶え間ない闘いにおいて、彼の存在はまさに必要とされている。

ヤンキーの建設的な不敬の精神は音楽にも及んでおり、近年では、非常に現代的な考え方を持つ理論家たちがその基礎に取り組んできました。 388パーシー・ゲッチウス（当地生まれ、長年シュトゥットガルトで教鞭を執った）、OB・ボイス（当地生まれ、現在はベルリンで教鞭を執っている）、非常に革新的な著作の著者であるエドウィン・ブルース、ホーマー・A・ノリス、そして最後に、そして第一に、A・J・グッドリッチ。彼は音楽理論に関する現存する著述家の中で最も先進的な人物の一人となり、わが国の音楽的業績の確固たる発展に多大な貢献をしてきたため、海外の学者たちの間でも同時代の指導者の一人として認められている。彼が当地で生まれ、教育を受けたことを考えると、その成功はなおさら喜ばしい。

AJグッドリッチ。

オハイオ州チロの町はグッドリッチの出生地である。彼は1847年にアメリカ人の両親のもとにそこで生まれた。父親は彼に音楽の基礎とピアノを1年間教え、その後彼は独学で学んだ。彼は徹底した指導と独立した指導の両方を受けてきた。彼が誤った方向に導かれる危険を冒すことなく、自身の良心に従うことができたという事実は、 389影響力のある巨匠の名声によって、彼の作品の斬新さと勇気の多くはもたらされたことは疑いない。

彼の最も重要な著作は間違いなく『分析的和声学』であるが、『音楽分析』をはじめとする他の著作も真摯で重要なものである。ここでは彼の技術的な詳細を論じる場ではないが、数字付き低音という古い慣習を捨て去り、多くの理論的固定観念をためらうことなく攻撃した彼の勇気には言及せざるを得ない。ほとんどすべての古い理論家は、通常は序文の脚注、あるいは本のどこかに埋もれた控えめな免責事項の中で、偉大な巨匠たちが時折、自分たちの規則の一部を破っていたことを認めている。しかし、だからといって、彼らが偉大な巨匠たちから自分たちの規則を導き出すことはなかった。しかし、グッドリッチはこの点において、マルクスが行き着いたところから出発し、プラウトよりもさらに進んだ。彼は和声の基礎として旋律に立ち返ったのである。 390本書は、体系的なアプローチと、古今東西の偉大な巨匠たちの実践を、自らの理論の検証のために用いたものである。その結果、本書は無知な者にも、博識な者にも、独習用として自信を持って推薦できる一冊となった。本書に続いて出版される予定の『総合的対位法』について、グッドリッチは「これは、対位法に関する標準的な書籍とはほとんど完全に異なる」と述べている。

彼は著書『音楽分析』の中で、アメリカ人作曲家の作品を自由に引用し、多くの重要なアメリカ人作品を分析した。演奏と専門用語の分野にさらなる明確さをもたらすことを目的とした著書『解釈』においても、彼は同様の方針を貫いている。

グッドリッチの作曲は「過去の遺物」だと彼は言う。若い頃、彼は10曲以上のフーガ、2つの弦楽四重奏曲、ニューヨークとシカゴで演奏された三重奏曲、ソナタ、2つの演奏会用序曲、ソプラノのための賛美歌（英語）、見えない合唱（ラテン語）、管弦楽のための作品集を作曲した。 391歌曲や多数のピアノ曲を作曲した。彼はこう記している。「実を言うと、かつては自分が真の作曲家だと信じていた時期もあったが、チャイコフスキーの交響曲第5番を聴いてその幻想は打ち砕かれた。グッドリッチ夫人が数点の楽譜を火災から救い出してくれなかったら、私はすべての楽譜を破棄していただろう。」

残るはピアノ組曲のみだが、チャイコフスキーがインスピレーションの源泉ではなく、むしろ抑止力となってしまったことを残念に思う。組曲は簡素な前奏曲から始まるが、力強く始まり優雅に終わり、全体を通して独特な表現が見られる。スケルツァンド調のメヌエットもまた、非常に独創的で明るい。趣のあるサラバンドと、シンプルな旋律ながらも見事に書かれたガヴォットがある。ミュゼットは実に魅力的だ。これらの小品はどれも、限られた音域の中に、卓越した独創性と並外れた才能を確かに示している。

W・H・ナイドリンガーの最初の3曲は1年間彼の机の中に保管され、その後さらに1年間出版社に保管された。392 そしてついに1889年に発表された。彼自身は「ありふれたメロディーのほんの一部」と呼んでいた「セレナーデ」が予想外の大ヒットとなり、彼の作品への需要が高まった。この絶妙な作品の絶対的な簡素さは誤解を招く。装飾がないからといって安っぽいわけではないが、（容赦なく乱用されている）「純潔」という称賛に値する形容詞にまさにふさわしい。タナグラの置物のような繊細さと細部へのこだわりを備えている。

ナイドリンガー氏は1863年、ニューヨーク州ブルックリンで生まれ、自身の教育費と音楽の勉強費を稼ぐ必要に迫られた。音楽の指導は、ニューヨークのダドリー・バック、そして後にC・C・ミュラーからのみ受けた。パリで声楽を教えるためにしばらく海外に滞在した後、シカゴに戻った。彼は2つのオペラを作曲しており、そのうちの1つはボストンの劇団によって上演された。

ナイドリンガー氏は、1つの要素に基づいて楽曲を構築しています。393 指導原則とは、発音におけるアクセントとイントネーションへの忠実さである。彼自身が的確に表現しているように、彼の歌は「詩人の版画に描かれた色鮮やかなスケッチ」なのだ。

ネイドリンガー氏の歌曲は、そのいつもの簡潔さゆえに、適切な場面で劇的な爆発が生まれる。例えば、優美な雰囲気の「A Leaf」や、陰鬱な深みを湛えた「Night」「Nocturne」「Solitude」、そして、持続的に心に響く苦悩を描いた「The Pine-tree」などが挙げられる。伴奏は時折、凝ったものになる。例えば、「The Robin」の鳥のフルートのような旋律や、穏やかな小川の音色と短調のナイチンゲールの嘆きを思わせる、非常に豊かな作品である「Memories」などだ。インスピレーションに満ちた優しさが感じられる「Evening Song」は、ネイドリンガー氏の最高傑作の一つと言えるだろう。それに匹敵するほど素晴らしいのが「Sunshine」で、まばゆいばかりの炎が最後に突然の雲に消されてしまう。その他の価値ある作品としては、陽気なスコットランド民謡「Messages」、「Laddie」、「Dream」などがある。394「ing」は、今は陰鬱で、今は苦痛の爆発で激しく、しかし常にメロディーであり、常にアリオスである。

ナイドリンガー氏は子供向け音楽の研究に特に力を入れており、著書『小さな子供のための小さな歌』は幼稚園で広く活用されている。歌の総合的な哲学を論じた著書も完成し、出版準備が整っている。彼はこの本を「スペンサー、ダーウィン、ティンダルなどを砂糖でコーティングした錠剤にしたもの。地理、電気、その他何百もの事柄を歌で表現したもの」と表現している。

クリーブランド・コロニー。
クリーブランド市には、同規模のどの都市よりも重要な音楽家コミュニティが存在する。人口規模では全米の都市の約10位だが、質の高い楽曲の生産量では少なくとも4位、場合によっては3位にランクインするだろう。

ウィルソン・G・スミス

クリーブランドで最も広く知られている395その代表的な作曲家はウィルソン・G・スミスである。彼は、難解さと大衆受けを絶妙なバランスで両立させることに成功しており、その結果、音楽に精通した人々だけでなく、音楽を楽しむ人々からも高い評価を得ている。

ウィルソン・G・スミスのサイン

彼の博識は彼を極めて簡素な作風へと導き、その天性の楽観主義は彼の多くの作品にモーツァルトを思わせるような明るさを与えている。優雅さこそが彼の真髄である。

彼はオハイオ州イライリアで生まれ、クリーブランドの公立学校で教育を受け、同校を卒業した。健康状態が優れなかったため大学教育を受けることはできなかったが、それでも彼は 396幅広い読書を通して教養を深め、優れたエッセイストとなった。音楽教育は1876年、シンシナティで始まり、そこで師事したオットー・シンガーから音楽を職業とするよう勧められた。1880年にはベルリンに滞在し、キール、シャルヴェンカ、モスコフスキー、オスカー・ライフらに師事した。その後クリーブランドに戻り、オルガン、ピアノ、声楽、作曲の指導にあたった。

スミスの初期作品の中で最も重要なものは、「エドヴァルド・グリーグへのオマージュ」と題された5曲からなる連作で、北欧の巨匠グリーグ本人から絶賛された。スミスの天才の最も際立った特徴の一つは、他の作曲家の精神を的確に捉える能力である。彼はシューマン、ショパン、シューベルト、グリーグに「オマージュ」を捧げ、いずれも目覚ましい成功を収めている。なぜなら、彼は彼らの表現のちょっとした技巧、独特の作風、そして個人的な弱点を単に模倣しただけではないからだ。 397彼は一人ひとりの個性と精神を見事に捉えている。

スミスはグリーグ調の作品で、グリーグ調の魅力的な自由さと気まぐれさを捉えている。「ユーモレスク」は、ちょっとした壮大な陽気さ。「マズルカ」は、非常に巧みに構成され、舞踏の情熱に満ちている。「アリエッタ」は非常に独創的で、「カプリチェット」は、三連符の巧みな扱いを示し、全体的に非常に爽やかで活気のある味わいがあり、ラムのローストポークのラプソディを思い出させる。そこで彼は「パリパリの味がした！」と叫んでいる。「ロマンス」は、陰鬱さと壮大な扱いにおいて見事であり、「アスラの死」の作曲家にふさわしい。後期の作品「ノルウェー風カプリス」もまた、スカンジナビアのエッセンスが凝縮された力強い作品である。

「シューマン風」はシューマンの「アラベスク」に非常に近い形で書かれている。後の「シューマンへのオマージュ」も同様に巨匠の別のスタイルに忠実であり、 398持ち前の素朴さのない陽気さと、挑戦的なほど繊細なハーモニーで勢いよく突き進み、時折、素晴らしい珍しい和音を爆発的に生み出し、努力すれば何ができるかを示してくれる。

この作品と、原曲に忠実な「シューベルトへのオマージュ」の両方を作曲し、さらに色彩豊かで官能的な下降と旋律が特徴的な「ショパンへのオマージュ」を生み出せる人物には、少なくともピアノ演奏の素材に対する並外れた理解力と、極めて鋭い観察眼が備わっていたに違いない。

彼はスミス風の作風も持ち合わせており、独自の作風も持ち合わせている。もっとも、彼は確立された手法を基盤として作品を構築することを好み、巨匠たちが巧みに調色した色彩を自身のパレットに取り入れている。

このシリーズには作品21番、「古き時代のこだま」と題された4曲からなる作品群がある。「パストラーレ」は、そのまろやかなハーモニーから、古き良き時代というよりはむしろスミス風だが、「メヌエット」は騎士道精神あふれる気取りの完璧な表現である。399陽気で大げさな快楽主義。「ガヴォット」はバッハの伝染するような陽気さを思わせ、「メヌエット・グラツィオーソ」はシリーズ最高傑作であり、古き良き音程、10度と6度の響きが感じられ、現代のリキュールに囲まれた中で、まるで湧き水のような味わいがある。

音楽界は、ある特定の和音を牧歌のために取っておくことを、慣例的に合意した。なぜこうした恣意的な牧歌が、蜂蜜酒やシリンクス、踊る羊飼いを連想させるのかは、説明するのが難しい。しかし、確かにそうした効果があり、優れた牧歌は、野原や空の実際の緑や青を除けば、私が知る限り、憂鬱やその他の社会的な弊害に対する最良の解毒剤である。最高の牧歌音楽の中でも、私はスミスの「ガヴォット・パストラーレ」を挙げたい。これは、彼の著書「ロマンティック研究」（作品57）に収録されている5曲のうちの1曲である。

この同じ巻には「スケルツォ」が収録されている。 400「タランテラ」は、奔放な機知に富んだ作品である。しかし、その奔放さは、タランテラという舞踊にはそぐわないほど陽気だ。タランテラの伝統的な起源は、タランチュラの咬傷によって引き起こされる狂乱状態にあるからだ。それよりも初期の「タランテラ」（作品34）の方が、舞踊の意味にずっと忠実で、叫び声のような激怒と身震いするような恐怖に満ちている。私にとっては、ヘラーのよく知られた作品よりもこちらの方が優れている。

「第2ガヴォット」は、古典主義の素朴な陽気さに、現代ピアノが持つ豊饒で響き渡る数々の素晴らしい和音が加わった、高貴な作品である。私はこれを、現代における最も自然発生的なガヴォットの一つとみなしており、古き良き時代の高揚感に満ち溢れている。この曲には、バッハも恥じる必要のなかったであろうミュゼットが用いられており、これまでに書かれたドローン・ベースの最も独創的な例の一つと言えるだろう。

「メヌエ・モデルヌ」は音楽のシャンパンです。非常に整然とした一連の小さな変奏曲が束ねられ、 401「モザイク」。スミス氏は「詩的マズルカ」と名付けられた作品を2曲書いています。後者（作品48）の方がより独創的ですが、作品38の甘美な親しみやすさと恍惚とした美しい終結部は、より純粋な音楽です。「レ・パピヨン」は、奇妙な黒人色のタッチが特徴的で、いわばエチオピアの作品です。その最高の点はカデンツァです。スミス氏は、こうした華麗な即興演奏を大変好んでいます。これらは、彼が古い楽派を好んでいることをさらに証明するだけでなく、コンサート演奏家が彼の作品を好む理由も部分的に説明しています。彼の熱烈な「愛のソネット」、力強さと技巧に満ちた「コンサート・ポロネーズ」、そして魅力的な「水車歌」、さらに後期の作品で、蝶の羽のように豊かな華麗な「パピヨン」は、彼の数多くの作品の中でも特筆すべきものです。おそらく彼の最大の功績は、2台のピアノのための3つのコンサート編曲でしょう。彼はグリーグ、ラフ、バッハマンの作品を取り上げ、拡大、強化、 402装飾を施し、あらゆる面でそれらを高貴なものにした。しかし、私にとって彼の最も魅力的で独創的な作品は、全くありきたりではなく、記憶に残る構図の「アラベスク」である。

スミスの教育経験は、数々の教育書として結実した。彼の著書『両手の第三、第四、第五指の発達に特に着目した音階演奏』、そして『8小節』、『オクターブ』、『5分』の練習曲は、著名な教師たちから惜しみない称賛を受けている。近年、彼は技術と解釈の指導に一連の変奏曲を用いるという、非常に優れた手法を考案した。この目的のために彼は『アラベスクのテーマ』を作曲したが、その中でも第1番と第18番は、感情的、芸術的な魅力に溢れているだけでなく、指先を心地よく刺激する。

コンスタンティン・シュテルンベルク様へ。

アラベスク。
[聞く]

ウィルソン・G・スミス、作品39。

音楽

音楽は続いた

著作権、1889 年、O. Ditson & Co.

スミスの多くの楽曲には、いわば教授らしい簡潔さが見られる。 403彼の旋律と伴奏の、ほとんど飾り気のない、極めて本質的な美しさは、怠慢でも安っぽさでもなく、古典主義の域に達する抑制であり、抑圧ゆえに一層強烈なロマン主義である。例えば、完璧な歌曲「もし私が知っていたら」を例にとってみよう。これは、私の考えでは、世界最高の短い歌曲20曲のうちの1曲となるだろう。学術的に叩きつけると恐ろしいほどの完全5度音程に注目してほしい。しかし、実に勇敢で率直であり、適切に表現されている。

この作品や、フルートの音色が印象的な「影の歌」、「雨の中のキス」、「水夫の娘」には、ハイドンの最高傑作の片鱗が感じられる。なぜなら、それらは「パパ」自身の不朽の名作「シェーファーの歌」と同じくらい、澄み切っていて直接的だからだ。

スミスは「Du bist wie eine Blume」に曲をつけた作曲家たちの大多数に加わったが、トップクラスの作曲家にも加わった。スミスの歌曲のうち2曲は、独自の魅力、人を魅了する力を持っている。完璧なメロディーの「Entreaty」と「The406 「彼女の頬のえくぼ」は、色も味もかなり桃らしい。

音楽界において、ヨハン・H・ベックは異彩を放つ存在である。彼をアメリカ最高の作曲家と称する声もあるが、彼の作品はこれまで一度も出版されたことがない。この点において、彼はボストンのB・J・ラングと似ている。ラングもまた、自らの作品を頑なに世に出さず、作曲した宗教オラトリオさえも世に知らしめようとしない。

ベックの作品は、8曲の歌曲を除いてすべて非常に壮大な構成で、しばしば公開演奏されているものの、その規模は出版社のいつもの臆病さにさらに不安を掻き立てるだろう。複雑な可能性を秘めた壮大なオーケストラこそが音楽の論理的な頂点だと信じていたベックは、主にオーケストラに力を注いできた。彼は、現代の芸術家の活動は「偉大な音楽家たちが残した輪郭を増幅し、例示し、分析し、埋めること」にあるべきだと考えており、 407彼は、今日の最も複雑な楽譜が次の世紀の初めにはハイドン風の簡潔さを持つようになると予見しており、現在の評価レベルに合わせて書き下ろすよりも、自分の持つ最高の深い知識を駆使して、大衆が自分と同等のレベルに達するまで待つことをいとわない。

こうした熱心な信者の決意と忍耐強い孤独は、まさに英雄的としか言いようがない。しかし、芸術家の真の使命は、未来をあまりにも深く考えることではないと私は思う。ある時代の辞書や百科事典でさえ、次の時代にはほとんど役に立たない。しかし、ヘリックの短い詩は時代と何ら不和はなく、タナグラの親密な人物像も時代とは何ら不和はない。リヒャルト・シュトラウスの重々しい格子棚は、ボッケリーニのメヌエットの繊細な蔦よりもずっと早く霜を感じるかもしれない。

科学はすぐに時代遅れになり、哲学もすぐに流行遅れになる。410 両方を利用するが、どちらでもない。それらを杖のように頼りにして、その重みをすべてそこに預けると、それらが必然的に衰退していく時期に、共に崩壊するだろう。

もちろん、芸術にも科学と同様に進化は存在する。芸術家は、古くから抱いてきた感情を表現する新たな形式を探し求めなければ、聴衆を感動させることはできない。そして、現代の中国のパズルが、後の時代の古来の簡素さとなるというベックの主張に異論を唱える余地はない。しかし、芸術が複雑であるべきなのは、不十分さや陳腐さというより大きな弊害を避けるためだけであるということを決して忘れてはならない。極めてシンプルな構想と、究極的な普遍性こそが、不朽の芸術に不可欠な要素なのである。

ベックの作品を一度も聴いたことがないのは私の大きな不幸だが、彼が親切にも送ってくれた、 未完の音楽劇「サラームボー」の夢のような月明かりの場面の断片と、411 最も厳しい批評家でさえ、彼には類まれな詩的才能、堅実さと奇抜さ、そして比類なき博識が備わっていると認めざるを得ないだろう。彼のオーケストレーションは、色彩豊かで斬新な効果を生み出す巧みな技巧を示している。彼の作品のいくつかは、ベックが長年留学生活を送ったドイツで大喝采を浴びて演奏された。彼は1856年にクリーブランドで生まれ、ライプツィヒ音楽院を卒業している。

音楽

音楽は続いた

ヨハン・H・ベック作曲「サランボー」の楽譜の断片。

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芸術においては、質こそがすべてであり、量は二次的な考慮事項にすぎない。ジェームズ・H・ロジャースは、出版された作品数は多くないものの、その作品の質の高さゆえに、現代最高のソングライターの一人に数えられるべきである。彼の教育歴を考慮すれば、彼の音楽が長年の熟練の成果を示しているのも不思議ではない。1857年、コネチカット州フェアヘイブンで生まれた彼は、12歳でピアノの勉強を始め、18歳でベルリンに渡り、そこで2年以上、レーショルンに師事した。 412ローデ、ハウプト、エーリッヒに師事した後、パリで2年間、ギルマン、フィソ、ヴィドールに師事した。それ以来、クリーブランドでオルガニスト、コンサートピアニスト、教師として活動している。

ジェームズ・H・ロジャースのサイン

彼の歌は通常、劇的でありながら叙情的なレチタティーヴォという特徴的な形式で書かれている。彼の「五つの歌のアルバム」には、このスタイルの顕著な例が含まれており、特に「おやすみ」、「夢の中で私のもとへ来て」、そして「嫉妬」の極めて悲劇的なクライマックスが挙げられる。鐘のような伴奏を伴う「夕べ」は、より純粋に叙情的で、 413魅惑的な「別れの時」は、あまりにも繊細で芳醇な完璧さゆえに、広く人気を博した。彼の「宣言」はうっとりするほど絶妙で、極めて壮大で荘厳な挽歌である「レクイエスカット」とは奇妙な対比をなしている。彼の優雅な「白い蝶よ飛べ」と「港で」、劇的な「ローレライ」の作曲、陽気なロブ・ヘリックの「バラのつぼみを集めよ」、気取った悲劇「人生は無駄だ」（作曲家のフランス語の韻律が少しずれている）、勇敢で甘い歌「私の真実の愛は私の心を持っている」、そしてハイネの花の歌の優雅な作曲は、いずれも注目すべき歌詞である。彼はトルストイの言葉に曲をつけ、「疑うなかれ、友よ」の不吉な愛や「春の最初の日々」の慌ただしさと輝きを表現し、並外れて力強い歌を作り出した。「愛しい人よ、目をそらして」ではラニアーの素晴らしい歌詞には及ばなかったが、素材を最も巧みに扱った。 414アルドリッチの「ペルシャの歌」では、東洋的な嘆きに続いて勇壮な喜びが効果的に表現されている。彼の作品に共通する高揚感は、「天よ、歌え」をクリスマス賛歌のマンネリから脱却させている。

器楽曲としては、シューマンの「謝肉祭」の精神を受け継ぎつつも、その様式とは異なる叙情的な性格描写を持つ9曲からなる小冊子「舞踏会の情景」のみが残されている。中でも特に印象的なのは、「バヴァルドたち」、「ブロンドとブルネット」、そして火吹きポロネーズである。

これらは、極めて決定的な能力の、嘆かわしいほど少ない発現例の最後を飾るものである。

クリーブランド出身で高く評価されている作曲家としては、チャールズ・ソマーも挙げられる。

クリーブランドで著名な音楽家であるパティ・ステアは、才能豊かな若い女性で、教職やコンサートピアニストとして多忙を極め、作曲に十分な時間を割くことができていない。彼女の理論研究は完全に 415クリーブランドはF・バセットの指導下にあった。彼女の出版作品には、すべて興味深く芸術的な「6つの歌」という歌集があり、中でも「マドリガル」は特に独創的である。また、抗いがたいほど愉快な喜劇「中断されたセレナーデ」もある。手書きの作品としては、非常に独創的な歌「浮気」、陽気な男声合唱曲「ジェニーが私にキスをした」、ヴァイオリンとピアノのための子守歌、優雅な歌「もし私が小川だったら」、トーマス・キャンピオンの「嘆願」の曲、そしてコントラルトのための深く感動的な宗教歌「神の子羊よ」などがある。

セントルイス植民地。
セントルイスがアメリカ音楽にもたらした最も独創的で重要な貢献は、私の考えでは、ウィリアム・スカイラーが書いた歌集です。歌詞はスティーブン・クレーンの詩集『ブラック・ライダーズ』から選ばれました。クレーンの天才性と奇抜さが相まって、418 それは、アメリカの作家の中でも最も際立った作品の一つであったし、今もそうである。『黒い騎手たち』という作品には、示唆に富み独創的な、他に類を見ない雰囲気が数多く含まれている。韻律を持たないその詩句は、音楽家にとってウォルト・ホイットマンの作品とほぼ同じくらい難解である。しかし、アルフレッド・ブリュノーがゾラの散文に曲をつけたように、勇敢なアメリカ人作曲家はウォルト・ホイットマンやエミリー・ディキンソンの作品から豊かなインスピレーションを見出すだろう。

III.
[聞く]

ウィリアム・スカイラー。

音楽

音楽は続いた

コープランド・アンド・デイ社の許可を得て使用しています。

著作権、1897年、ウィリアム・シュイラー。

目の前には
何マイルにもわたる雪、氷、燃える砂が広がっていた。
それでも私はそのすべてを超えて、
無限の美しさの場所を見ることができた。そして 木陰を歩く
彼女の美しさを見ることができた。 私が見つめると、 この美しい場所と彼女以外 はすべて失われた。 私が見つめると、 そして見つめているうちに、私は望んだ。 そしてまた 何マイルにも わたる雪、氷、燃える砂、燃える砂が戻ってきた。

ウィリアム・スカイラーの『ブラック・ライダーズ』より。

シュイラーは1855年5月4日、セントルイスで生まれ、音楽で生計を立ててきた。彼はほぼ独学で、ピアノ曲約50曲、歌曲150曲、ヴァイオリン、ヴィオラ、チェロのための作品数曲、そして短い三重奏曲2曲を作曲した。

クレインのこれらの詩句に曲をつけることで、シュイラーは難題に理想的な方法で取り組んだ。彼は3つの短い詩に叙事詩的な広大さを与えた。419彼は、その歌曲の雰囲気を巧みに操り、特に2曲には魅惑的な神秘性を漂わせている。これまで非公開で出版されてきたこれらの歌曲は、広く世に出回るべきであり、その価値に見合った普及が期待される。

個性的な小品を数多く作曲したもう一人の作曲家は、セントルイス生まれで、ヴィクター・エーリングに師事したジョージ・クリフォード・ヴィーである。1889年にはウィーンに3年間留学し、ブルックナー、ロベルト・フックス、ダックスに師事した。ウィーンで銀メダルを獲得して卒業し、セントルイスに戻って以来、教師兼ピアニストとして活動している。

アルフレッド・ジョージ・ロビンは、セントルイスが生んだ最も人気のある作曲家である。彼は1860年に生まれ、父親はピッツバーグ以西で最初の交響楽団を組織したウィリアム・ロビンである。ロビンはピアニストとして若き天才であり、10歳で父の後を継いでセント・ジョンズ教会のオルガニストとなった。当時、セント・ジョンズ教会には市内最高の聖歌隊があった。 420オルガンのペダルを足元まで上げるため。16歳でエマ・アボット楽団のソロピアニストになった。作曲家としてロビンは約300曲を作曲し、その中には驚異的な売上を記録したものもある。ピアノ協奏曲、五重奏曲、弦楽四重奏曲4曲、ミサ曲、管弦楽組曲数曲など、真面目で価値のある作品もいくつかある。

出版されたフーガを持つアメリカ人作曲家、あるいは出版に値するフーガを書いた作曲家は多くない。アーネスト・リチャード・クローガーの特筆すべき点は、出版に値するフーガを書き、実際に出版を果たしたことである。これは彼の41番目の作品である。このフーガの前には、不思議なことに、キューバの精神を色濃く反映した、まさにハバネラそのもののプレリュードが続く（ただし、そのように明示されてはいない）。この情熱的な楽曲に続いて、4声部の「本格的な」フーガが演奏される。主題は実に興味深いが、対主題は他の多くの作品と同様に形式的なものにとどまっている。 421対主題。中間部、ストレッタ技法、そして力強い終結部が、このフーガに存在意義を与えている。

その他の出版物には、スケルツォが生き生きとしたピアノ組曲（作品33）や、ヴァイオリンとピアノのためのソナタがある。ソナタでは、不思議なことにヴァイオリンに重音奏法が一切なく、展開は最初の主題を力強く演奏するのではなく、2番目の主題を静かに歌うように始める。最後の楽章は最も優れており、古風で活気のあるロンドである。12曲の演奏会用練習曲は、強いドイツ語訛りで作曲する作曲家に対するショパンの影響を示している。「カストルとポルックス」と呼ばれる練習曲は、左手の和音が右手で正確に重ねられた力強い曲である。もう一つの練習曲「ロマンス」は、最高のピアニストでさえ見落としがちな点、つまり同じ和音の音の重要性の違いを練習できる点で注目に値する。422 同じ手によって打たれた。 クローガーに主に影響を与えたベートーヴェンとショパンの影響が複合的に表れている、幅広い学識の作品が彼のソナタ（作品40）である。 最後の楽章にある58小節の支配的なペダルポイントは特筆に値する。 「黒人の舞曲」と「黒人の奇想曲」では、エチオピアの血色を帯びているため、実際の黒人音楽ではなく、ゴットシャルクの同様の作品に明らかに影響を受けている。 クローガーは1862年8月10日にセントルイスで生まれた。5歳でピアノとヴァイオリンの勉強を始めた。理論的な指導はすべてこの国で受けた。彼は数多くの歌曲、ピアノ協奏曲、ピアノとヴィオラのためのソナタ、ピアノとチェロのためのソナタ、2つの三重奏曲、五重奏曲、3つの弦楽四重奏曲、さらに交響曲、組曲、そして「エンディミオン」、「タナトプシス」、「サルダナパルス」（ニューヨークでアントン・ザイドルがプロデュース）、「ハイアワサ」、「アタラ」に基づく序曲を作曲している。

423

第5章
女性作曲家たち。

ここは、女性が芸術分野で尊重される権利をめぐる論争の場ではない。確かに、人類の半分を占める女性が、これまでも、これからも、独創的で重要な仕事を成し遂げたことはないと、熱烈に否定する人もいる。もし彼らを厳しく追及すれば、彼らは「成功した女性は皆、実は男のような精神の持ち主だった」という言い訳に逃げ込むだろう。これは、これまで考案された中でも最も巧妙な論点先取の言い逃れであり、女性の誤謬や詭弁の歴史上のあらゆる例を恥じ入らせるような、男性的な論理である。 424私にとって、この問題は次のように簡単に解決できる。理性的な人間であれば、女性が芸術分野で成し遂げた最高の作品は、男性が成し遂げた平均的な作品よりも質が高いことを否定することは不可能だ。こうして秘密が明らかになると、彼女の全身が混乱のうちにそれに続く。

いくつかの事例において、女性が成し遂げた最高の業績は、男性が成し遂げた最高の業績に匹敵するように思える。サッフォーの最高の詩、ブラウニング夫人の最高のソネット、ジョージ・エリオットの最高の章、ローザ・ボヌールの最高の動物画は、男性の作品に劣らないように思える。もしこの種の詩の中で、ハウ夫人の「共和国の戦いの賛歌」よりも高尚なものがあるとすれば、それはまだ原稿のままである。エミリー・ディキンソンよりも完全な個性を持つ詩人がいるとすれば、私はその詩集に出会ったことがない。音楽においては、ラング嬢の小品歌曲のうち2、3曲を、その様式の最高傑作の一つに数えている。425

世界中で女性の心が音楽に傾倒している。ファニー・メンデルスゾーンが兄の名前で作品を発表せざるを得なかった禁令は、今や音楽という職業の不名誉さを説く清教徒的な理論が絡みつく場所へと消え去った。ある出版社によると、数年前までは女性作曲の楽譜は全体の1割に過ぎなかったが、今では3分の2以上を占めるようになったという。こうした活動から、多くの価値あるものが生まれるに違いない。芸術に性別は関係なく、女性が男性的な調子で書いた作品でさえ、しばしば驚くほど力強い。ただし、その方向性は間違っているかもしれない。しかし、こうした試みは若者の誇張や未熟な文学作品のようで、自然への忠実さという率直さと静謐さは後からついてくる。アメリカの女性は、心に決めたことは必ず実現させるという習慣を持っている。彼女たちは作曲を決意したのだ。

成功を予感させる熱意をもって、エイミー・マーシー・チェイニー嬢は、426 和声の基礎コースを修了し、独学で学業を終えることを決意した。彼女がその分野において揺るぎない知識を得た徹底ぶりを示す例として、ベルリオーズとガヴァールの作品を自ら翻訳したことが挙げられる。彼女はニューハンプシャー州生まれで、植民地時代から続くアメリカ人の家系である。4歳で作品1を作曲した。彼女はコンサートピアニストであると同時に、大規模な楽曲を頻繁に作曲している。現在はHHAビーチ夫人である。

HHAビーチ夫人。

コロンビア万国博覧会の女性館の献堂式のために作曲された、ビーチ夫人の「ジュビラーテ」ほど成熟し、威厳のある作品を挙げられる男性はそう多くはないだろう。この作品は、その名にふさわしく、女性の音楽的才能を疑う人々への最良の答えと言える。音量がやや大きすぎるかもしれないし、ピアノの短いパッセージは、対照的な畏敬の念というよりは、むしろ息継ぎのような印象を受けるかもしれないが、この作品はしばしば、 427力強さと高揚感の壮大さが見事に表現されている。そしてエンディングは実に素晴らしい。伴奏の強烈な不協和音の一部をユニゾンパートに取り入れて、効果をさらに高め、最後の荘厳さを際立たせていたら良かったのにと思う。しかし現状でも、それは勝利のラッパのように響き渡る。バルボアが新たな機会と感動の海を発見した時の叫び声のように。

力強く大胆なもう一つの作品は、オルガンと小オーケストラのための変ホ長調ミサ曲（作品5）である。概して伝統的な教会音楽の形式をとっており、ビーチ夫人の癖である過剰な装飾に悩まされているものの、技巧の円熟ぶりは素晴らしい。「Qui Tollis」は、その陰鬱な深みと豊かさにおいて特に完璧である。「Credo」は、「crucifixus」という叫びを、ビーチ夫人の作品では珍しい、胸を打つような悲しみの激しさと劇的な感情で盛り上げる。この作品は19歳で着手され、3年後に完成した。 4281892年、ボストンのヘンデル・ハイドン協会によって。

ビーチ夫人の「ワルツ・カプリス」にはただ一つの目的がある。それは、技術的な技巧と難しさを最大限に追求することだ。才能を隠すのも一つの方法だが、その上に大量の籾殻をぶちまけるのもまた別の方法なのだ。

「蛍」は、きらめきと飛び交う、創意工夫に富んだ気まぐれな作品だが、不協和音の領域にほぼ無限に留まり、明瞭な和音は、その不協和音の帰着点というよりは、偶然の隙間から時折垣間見えるきらめきといったところである。この簡潔な作品は、4つの「ピアノのためのスケッチ」のうちの1つで、そのうち「幻影」は幽玄さが魅力的である。「秋に」は極めて優れた音詩であり、「夢見る」は変化に富んだ叙情詩である。色彩感覚に関しては、ビーチ夫人は非常に独創的で研究的である。新しい色彩を絶えず探求する彼女の姿勢は、しばしば彼女の意図する直接的な表現から逸れてしまう。430 しかし、「花の舞踏」はその華麗さに満ち溢れている。「イタリアのメヌエット」の流れるような優雅さは、この曲を型破りながらも魅力的な作品にしている。

ファントム。
「壊れやすいフルールを大切に、死なないように座ってください。」
ヴィクトル・ユーゴー。

[聞く]

HHAビーチ夫人。

音楽

著作権、1892年、アーサー・P・シュミット。

断片。

ホラティウスは、誰もが容易に匹敵できると思えるような作品を書くと約束しているが、そのためには多大な労力を費やすことになる。私の意見では、ビーチ夫人の作品を主に損なうのは、彼女の勤勉さの透明性と、効果を磨き上げ、機会を徹底的に掘り起こすための目立つ労力である。「子供のカーニバル」を構成する6つの小品のうち、1つか2つは、その陽気で気楽な雰囲気から、彼女の最高傑作と言える。「パンタロン」「ハーレクイン」「コロンビーヌ」「シークレット」は、12曲のワルツ風カプリスよりもはるかに優れた芸術作品である。

ビーチ夫人の歌には、彼女の長所の欠​​点と長所の両方がつきまとっている。博識を控えめに表現しているときは、実に魅力的だ。彼女の歌14曲が14曲集められ、 431「サイクロス」。最初の曲はギターを模した伴奏の「アリエット」で、優しく優雅な曲です。おそらく彼女の最高の曲は、W.E.ヘンリーの素晴らしい詩「夜は暗い」に曲をつけたものです。「魔王」風ですが、非常に独創的で、とてつもなく激しく不気味です。同じ詩人の「西風」には、対照的に繊細で穏やかな曲がつけられています。「クロウタドリ」は美味しく、全くありきたりではありません。「秘密」は奇妙で、「夜の女帝」は素晴らしいです。ラブソングにしては不協和音がやや多すぎる点を除けば、「君は私の恋人になってくれる？」は愛の優しさに満ちて完璧です。「ただこれだけ！」は、独創的で大成功を収めた楽しい声楽スケルツォです。「愛の歌」は情熱的でありながら叙情的で、装飾的でありながら束縛されていません。 「アクロス・ザ・ワールド」は、ビーチ夫人の最も人気のある曲の1つで、力強く歌いやすい曲です。「マイ・スター」は優しく、伴奏は豊かに作り込まれています。 432シンプルな旋律で構成されている。3つの声楽二重唱は巧みに演奏されているが、長い「Eilende Wolken」はヘンデル風の素朴さを帯びたぎこちないレチタティーヴォがあり、アリアが心地よい安らぎを与えてくれる。彼女のピアノとヴァイオリンのためのソナタは、ここではクナイゼル氏によって、ベルリンではカレニョ夫人とカール・ハリールによって演奏されている。

これらに加えて、ビーチ夫人はオーケストラのためにも多大な貢献をしてきました。彼女の「ゲール語交響曲」は彼女の最大の作品であり、ボストン交響楽団、トーマス管弦楽団、その他多くのオーケストラによって頻繁に演奏されています。この作品には、彼女の溢れんばかりの学識とたゆまぬエネルギーが満ち溢れています。

マーガレット・ルースベン・ラング

マーガレット・ルースベン・ラングは、BJ・ラングの娘で、生まれも教育もアメリカです。彼女は1867年11月27日にボストンで生まれました。彼女は3つの演奏会用序曲などの大作を作曲しており、そのうち2つはトーマス管弦楽団とボストン交響楽団によって演奏されていますが、いずれも出版されていません。その他の未出版の作品は433 作品はカンタータ1曲、管弦楽伴奏付きのアリア2曲、ピアノのためのラプソディ1曲である。ラプソディのうち1曲（ホ短調）は出版されているが、細部まで丁寧に作られているにもかかわらず、不思議なほど物足りない。まるで前奏曲、間奏曲、後奏曲ばかりで、肝心のラプソディがうっかり見落とされているかのようだ。「瞑想曲」は陰鬱な雰囲気で、不協和音が大胆かつ奔放に用いられている。

「ザ・ジャンブリーズ」は、エドワード・リアの捉えどころのないナンセンス劇に曲をつけたもので、原作と同様に繊細なユーモアに満ちている。男性合唱と2台のピアノによる伴奏で、それぞれのパートは個性的で博識さに溢れている。しかし、彼女の真価が最も発揮されるのは、やはりソロ曲である。

ビーチ夫人の作品が際立って力強いと言うとき、それは純粋な褒め言葉として言っているわけではありません。ラング嬢の作品が極めて女性的だと感じるとき、私はその作品の力強さを否定するつもりはありません。ジャンヌ・ダルクやヤエルが例外なく女性であったように、女性にもその力強さがあることを否定しないのと同じです。434

「乙女と蝶」のような作品は、蝶の羽のように繊細で豊かです。「マイ・レディ・ジャックミノ」は、この上なく繊細で情熱的です。「エロス」は、儚く、稀有で、恍惚としています。「幽霊」は、雪の結晶のように妖精のように優美です。「紡ぎの歌」は、言葉では言い表せないほど悲しく、女性が最もよく理解し、したがって最もよく作るべき音楽です。しかし、女性らしさは、「愛の悲しみ」にも等しく表れており、あらゆる意味で質の高さを誇っています。「ああ、海を越えて来るもの」の苦味、「アイルランドの恋歌」の嘆きに満ちたゲール語の甘美さ、「裏切られた」の燃えるような情熱は、やや陳腐な結末を迎えるまでは非常に劇的です。「名もなき痛み」は素晴らしいです。彼女の「嘆き」は、私が最も偉大な歌の一つと考えるものであり、女性の作曲能力の高さを確固たる証拠です。ラング嬢は調和のとれた個性も持ち合わせており、無理なく奇妙で斬新な効果を生み出す。

「私の鳩」は「五つの」のうちの1つです。 435「ノーマン・ソングス」は、大胆さと和声の探求において、ラング嬢の最も優れた二つの特質を示している。彼女の精緻な 和声は、男性的な作品の薄っぺらな月面反射などではない。それどころか、それらは自発的な容易さのように見え、精巧さが作品の一貫性を損なうことは決してない。「マイ・ネイティブ・ランド」「クリスマス・ララバイ」「ビフォア・マイ・レディーズ・ウィンドウ」といったごく稀な例外を除いては。それらは、学術的な作品としては珍しいほど歌いやすい。ラング嬢は、その結果を完璧なものにするために、音楽家の間では滅多に見られないセンスで詩を選んでいる。音楽家は通常、感情のほとばしりを感情とみなし、金箔を金とみなすようだ。彼女の「オリエンタル・セレナーデ」は、奇妙で独創的な音程の例であり、シャーロット・ペンドルトンの「春の歌」は、彼女の言葉選びのセンスの証である。

幽霊。
文：Munkittrick
[聞く]

マーガレット・ルースベン・ラング

音楽

音楽は続いた

著作権、1889年、アーサー・P・シュミット＆カンパニー。

霧のかかった月明かりの中、初雪の結晶が見える。
葉のないリンゴの木の枝の間を戯れる。
枝の周りを舞いながら、かすかにささやくように。
「私たちは早春に枯れた花々の亡霊、
早春に枯れた花々の亡霊なのです。」

彼女の作品32は2つの歌曲で構成されており、どちらも情熱と独創性に満ちている。作品33は438 魅惑的なピアノ曲「春の牧歌」に加え、彼女は「夢想」という曲も作曲しており、こちらは眠りの至福をテーマにしている。音楽は素晴らしく、終曲は不協和音の持つ美しい可能性を稀有な形で示している。

個人的には、ラング女史の作品には深い心理描写が感じられ、その質の高さは他のどの女性作曲家の作品よりも優れていると考えています。そこには見せかけや男らしさを追求するような疑念は一切なく、非常に誠実で、根底にある思想に忠実であるため、年を重ねるごとに人々の関心を引きつけ、感情を揺さぶる可能性を秘めているように思えます。

限られた量の創作活動を通して、興味深く真摯な個性が表れることがある。これは、ある作家の数少ない出版作品にも当てはまる。その作品は、規模や感情の面では気取らないものの、 439優雅な想像力と、感情の細部に対する深い考察。

アイリーン・バウムグラスはニューヨーク州シラキュースで生まれ、シンシナティ音楽院でピアノを学び、1881年にシュプリンガー金メダルを獲得した。ベルリンではモシュコフスキとオスカー・ライフに師事した。1884年、ベルリンでボストンの著名な音楽評論家フィリップ・ヘイルと結婚した。

彼女の芸術への献身はあまりにも大きかったため、過労で健康を害し、ピアノ演奏を断念せざるを得ませんでした。彼女の作品のいくつかは「ヴィクトル・ルネ」という名前で出版されています。彼女の15番目の作品は3つの「ジャンル小品」で構成されており、そのうち「パントマイム」は、調性と同じくらい気分が変化する、非常に気まぐれな道化芝居で、非常に興味深い作品です。4つの「詩的パンセ」が作品16を構成しています。それらには、陽気な「シャンソネット」と「即興ワルツ」が含まれています。 440これは、通常の即興演奏とは異なり、 即興的な精神に満ちている。彼女の歌の中では、「ミステリー」は魅力的な歌詞、「メイジー」は不気味な陽気さを言葉に忠実に表現しており、「オパール・ハート」は歌詞の流暢さを損なうことなく、興味深い不協和音が印象的だ。

メアリー・ナイト・ウッド夫人の流麗な歌詞は、非常に洗練されている。簡潔ながらも奥深い表現力と、楽曲全体の調和を損なうことなく意外なハーモニーを巧みに取り入れている。また、際立った自然さも兼ね備えている。「セレナーデ」における大胆な変ホ音は、意外な効果を生み出している。彼女の代表作「バラの灰」もまた、豊かなハーモニー構造を持つ。その他、チェロのための効果的なオブリガートを含む楽曲は、特に高く評価されるべきである。彼女はヴァイオリンとピアノのための楽曲や、チェロ、ヴァイオリン、ピアノのための三重奏曲も作曲している。

真剣な意図と価値ある芸術作品をいくつか書いた他の女性たちは、 441クララ・A・コーン夫人、独創的な男性四重奏曲「愛は病」や、理想的な優雅さを持つ「あの鳥のように」をはじめとする多くの優れた歌曲を作曲したローラ・セジウィック・コリンズ、32曲のオリジナル賛美歌集、優れたアンセム、そして真に力強いマニフィカトとヌンク・ディミティスを作曲したファニー・M・スペンサー、多くのコンサート作品の作者であるジュリー・リヴェ・キング、クリーブランドのパティ・ステア、ハリエット・P・ソーヤー、ジェシー・L・ゲイナー夫人、コンスタンス・モード、ジェニー・プリンス・ブラック、シャーロット・M・クレーン、そしてヘレン・フッド。

442

第6章
外国人作曲家たち。

我が国は、非常に若く、非常に国際色豊かな国であるため、芸術も社会と同様に、その系譜の短さを示しています。移民は、人口構成と同様に、アメリカ合衆国の音楽生活において大きな役割を果たしてきました。しかし、祖先の多様性にもかかわらず、アメリカ市民は、さまざまな祖先の特徴をすべて備えながらも、どれにも似ていない独特の個性へと同化してきました。そのため、アメリカ音楽は、その規模と形式の大部分を旧祖国から受け継ぎながらも、将来高く評価されるであろう独自の統合性を発展させている最中です。連邦制と同様に、 443諸州から、一つの偉大な音楽が多声的に昇り、― e pluribus unum。

このアメリカ人作曲家名鑑を作成するにあたり、アメリカ生まれの作曲家の作品のみを取り上げる必要がありました。興味深いことに、これらの作曲家の名前には、アメリカ以外の名前、ドイツ系の名前がほとんど見当たりません（ドイツで学んだ作曲家は非常に多いにもかかわらず）。アメリカのオーケストラの構成がドイツ系に偏っていることは、しばしば指摘されてきました。ドイツ系の名前が圧倒的に多くなくても、非常に立派な作曲家リストを作成できることは喜ばしいことです。

しかし、我が国の音楽界は、外国生まれの人々の存在によって非常に強く影響を受け、活気づけられ、修正されてきたので、彼らの重要性をどこかで認識すべきである。彼らの多くは帰化し、多くのものを持ち込んだ。 444私たちの制度に対する熱意は非常に高く、実際、私たちの制度は多くのアメリカ人よりもアメリカ的である。特に、少し海外留学をしただけで「雰囲気」という迷信にすっかり囚われてしまい、外国の作法や不満だけを持ち帰ってきた人たちよりも、はるかにアメリカ的である。

アメリカに居を構えた外国生まれの方々の中で、敬意を込めて、また優劣をつけるつもりもなく、以下の方々の名前を挙げたいと思います。

CM ロフラー、ブルーノ オスカー クライン、レオポルド ゴドウスキー、ヴィクター ハーバート、ウォルター ダムロッシュ、ジュリアス アイヒベルク、ヒュー A. クラーク博士、ルイ V. サール、アスガー ハメリク、オットー シンガー、オーガスト ヒレステッド、ザビエル シャルウェンカ、ラファエル ジョセフィ、コンスタンティン フォン スタンバーグ、アドルフ ケリング、オーガスト スパヌース、エメ ラショーム、マックスヴォグリッヒ、W.C. ゼーベック、ジュリアン・エドワーズ、ロバート・カヴァリー、ウィリアム・ファースト、ギュスターヴ・ケルカー、ヘンリー・ウォーラー、 445PA シュネッカー、クレメント R. ゲイル、エドモンド セヴァーン、プラトン ブロウノフ、リチャード ブルマイスター、アウグスト ロトリ、エミール リープリング、カール ブッシュ、ジョン オルト、エルンスト ペラボ、フェルディナンド ダンクリー、クララ キャスリーン ロジャース夫人、アデル ルーイング嬢、エリサ マッツカート ヤング夫人。

これらの名前の一部をアメリカ音楽家から除外し、たとえ彼らの教育や傾向が全く異質なものであったとしても、ここで生まれたという理由だけで私がアメリカ人とみなしてきた人々を含めるのは、おそらく些細なことかもしれない。しかし、どこかで線引きをしなければならない。問題は、ここで生まれたにもかかわらず国外に移住し、アメリカが旧祖国から借りた数々の借金の返済の第一弾としてヨーロッパに与えた著名人の小さな集団に加わった作曲家たちの場合には、さらに厄介である。

この恩義を正式に認めるために、ジョージ・テンプルトン・ストロング、アーサーの経歴についてはここでは論じない。 446バード、あるいはOBボイジー、この3人はいずれもこの国で生まれ育ったが、ベルリンに住むことを選んだ。彼らがベルリンで名を馳せていることは、少なくとも彼らの生みの親であるこの国に、いくらかの名誉をもたらしていると言えるだろう。

447

後奏曲。

9世紀、アイスランドは世界の音楽の中心地であり、ヨーロッパ各地から学生たちが芸術の聖地としてそこへ集まった。しかし、アイスランドはとうの昔に音楽の王座を失ってしまった。そして、ウェールズ音楽もまた、もはや世界の頂点に君臨する地位を失ってしまった。ロシアは、多くの不協和音を伴いながらも、力強く成長を続けるハーモニーを奏でている。一部の先見の明のある人々は、ロシアに新たな歌を期待している。しかし私は、草原の農奴たちに対抗する、気高く、情熱にあふれた大草原の自由な人々を、ためらうことなく称賛する。そして、来るべき世紀には、世界の音楽の覇権とインスピレーションは、ここアメリカ、すなわち海外に宿るだろうと予言する。

終わり。

*** プロジェクト・グーテンベルク電子書籍「現代アメリカの作曲家」終了 ***
《完》